Akira Kurosawa - Akira Kurosawa

Akira Kurosawa
Akirakurosawa-onthesetof7samurai-1953-side88.jpg
Akira Kurosawa på sættet Seven Samurai i december 1953
Født ( 1910-03-23 )23. marts 1910
Døde 6. september 1998 (1998-09-06)(88 år)
Setagaya , Tokyo, Japan
Hvilested An'yō-in , Kamakura , Kanagawa , Japan
Beskæftigelse
  • Filminstruktør
  • manuskriptforfatter
  • producent
  • redaktør
År aktive 1936–1993
Bemærkelsesværdigt arbejde
Ægtefælle
( M.  1945 døde 1985)
Børn Hisao (f. 1945–) og Kazuko (f. 1954–)
Priser Golden Lion (1951)
Academy Award (1990, Lifetime Achievement )
Japansk navn
Shinjitai 沢 明
Kyūjitai 黑澤 明
Romanisering Kurosawa Akira
Underskrift
Akira Kurosawa Signature.svg

Akira Kurosawa ( japansk :黒 澤明, Hepburn : Kurosawa Akira , 23. marts 1910 - 6. september 1998) var en japansk filmskaber og maler, der instruerede 30 film i en karriere på 57 år. Han betragtes som en af ​​de vigtigste og mest indflydelsesrige filmskabere i biografens historie.

Kurosawa kom ind i den japanske filmindustri i 1936 efter en kort periode som maler. Efter mange års arbejde med adskillige film som assisterende instruktør og manuskriptforfatter debuterede han som instruktør under Anden Verdenskrig med den populære actionfilm Sanshiro Sugata (alias Judo Saga ). Efter krigen cementerede den anmelderroste Drunken Angel (1948), hvor Kurosawa kastede den dengang lidt kendte skuespiller Toshiro Mifune i en hovedrolle, instruktørens ry som en af ​​de vigtigste unge filmskabere i Japan. De to mænd fortsatte med at samarbejde om yderligere femten film.

Rashomon , der havde premiere i Tokyo, blev overraskelsesvinderen af ​​Den Gyldne Løve ved filmfestivalen i Venedig 1951. Filmens kommercielle og kritiske succes åbnede vestlige filmmarkeder for første gang for produkterne fra den japanske filmindustri, hvilket igen førte til international anerkendelse for andre japanske filmskabere. Kurosawa instruerede cirka en film om året gennem 1950'erne og begyndelsen af ​​1960'erne, herunder en række højt ansete (og ofte tilpassede) film, såsom Ikiru (1952), Seven Samurai (1954) og Yojimbo (1961). Efter 1960'erne blev han meget mindre produktiv; alligevel fortsatte hans senere arbejde - herunder hans sidste to epos, Kagemusha (1980) og Ran (1985) - med at få stor anerkendelse, dog oftere i udlandet end i Japan.

I 1990 accepterede han Oscar for Lifetime Achievement . Posthumt blev han udnævnt til " århundredets asiat " i kategorien "Kunst, litteratur og kultur" af AsianWeek magazine og CNN , der anført som en af ​​de fem personer, der mest fremtrædende bidrog til forbedringen af ​​Asien i det 20. århundrede. Hans karriere er blevet hædret af mange tilbageblik, kritiske undersøgelser og biografier i både print og video og ved udgivelser i mange forbrugermedier.

Biografi

Barndom til krigsår (1910–1945)

Barndom og ungdom (1910–1935)

Kurosawa blev født den 23. marts 1910 i Oimachi i Omori distriktet i Tokyo. Hans far Isamu (1864–1948), medlem af en samuraifamilie fra Akita Prefecture , arbejdede som direktør for Army's Physical Education Institute's gymnasium , mens hans mor Shima (1870-1952) kom fra en købmandsfamilie bosat i Osaka . Akira var det ottende og yngste barn i den moderat velhavende familie, hvor to af hans søskende allerede voksede op på tidspunktet for hans fødsel og en afdød, og forlod Kurosawa for at vokse op med tre søstre og en bror.

Udover at fremme fysisk træning var Isamu Kurosawa åben for vestlige traditioner og betragtede teater og film som uddannelsesmæssige fortjenester. Han opfordrede sine børn til at se film; unge Akira så sine første film i en alder af seks. En vigtig formativ indflydelse var hans folkeskolelærer, hr. Tachikawa, hvis progressive uddannelsespraksis antændte i hans unge elev først kærlighed til at tegne og derefter en interesse for uddannelse generelt. I løbet af denne tid studerede drengen også kalligrafi og Kendo -sværd.

En anden stor barndomsindflydelse var Heigo Kurosawa (1906-1933), Akiras ældre bror med fire år. I kølvandet på det store Kantō-jordskælv i 1923 tog Heigo den tretten-årige Akira for at se ødelæggelserne. Da den yngre bror ville se væk fra ligene af mennesker og dyr spredt overalt , forbød Heigo ham at gøre det og opfordrede Akira i stedet til at se sin frygt i øjnene ved at konfrontere dem direkte. Nogle kommentatorer har antydet, at denne hændelse ville påvirke Kurosawas senere kunstneriske karriere, da instruktøren sjældent tøvede med at konfrontere ubehagelige sandheder i sit arbejde.

Heigo var akademisk begavet, men kort efter at han ikke havde sikret sig en plads i Tokyos fremmeste gymnasium , begyndte han at løsrive sig fra resten af ​​familien og foretrak at koncentrere sig om sin interesse for udenlandsk litteratur. I slutningen af ​​1920'erne blev Heigo en benshi (stumfilmfortæller) for teatre i Tokyo, der viste udenlandske film og gjorde hurtigt et navn for sig selv. Akira, der på dette tidspunkt planlagde at blive maler, flyttede ind hos ham, og de to brødre blev uadskillelige. Med Heigos vejledning spiste Akira ikke kun film, men også teater- og cirkusforestillinger, mens han udstillede sine malerier og arbejdede for den venstreorienterede proletariske kunstnerforening. Imidlertid var han aldrig i stand til at leve af sin kunst, og da han begyndte at opfatte det meste af den proletariske bevægelse som "at sætte uopfyldte politiske idealer direkte på lærredet", mistede han sin entusiasme for at male.

Med den stigende produktion af talende billeder i begyndelsen af ​​1930'erne begyndte filmfortællere som Heigo at miste arbejde, og Akira flyttede tilbage til sine forældre. I juli 1933 begik Heigo selvmord. Kurosawa har kommenteret den varige følelse af tab, han følte ved sin brors død, og kapitlet i hans selvbiografi ( Something Like a Autobiography ), der beskriver det - skrevet næsten et halvt århundrede efter begivenheden - har titlen "En historie, jeg ikke gør Vil du fortælle ". Kun fire måneder senere døde Kurosawas ældste bror også og efterlod Akira, 23 år gammel, den eneste af Kurosawa -brødrene, der stadig lever, sammen med sine tre overlevende søstre.

Direktør i uddannelse (1935–1941)

Kurosawa (venstre) og Mikio Naruse (højre) på sættet til Nadare (1937)

I 1935 annoncerede det nye filmstudie Photo Chemical Laboratories, kendt som PCL (som senere blev det store studie Toho ), for assisterende instruktører. Selvom han ikke tidligere havde vist interesse for film som erhverv, forelagde Kurosawa det nødvendige essay, som bad ansøgerne om at diskutere de grundlæggende mangler ved japanske film og finde måder at overvinde dem på. Hans halvhånende opfattelse var, at hvis manglerne var grundlæggende, var der ingen måde at rette dem på. Kurosawas essay gav ham et opkald til at tage opfølgende eksamener, og direktør Kajirō Yamamoto , der var blandt eksaminatorerne, syntes godt om Kurosawa og insisterede på, at studiet skulle ansætte ham. Den 25-årige Kurosawa sluttede sig til PCL i februar 1936.

I løbet af sine fem år som assisterende direktør arbejdede Kurosawa under talrige direktører, men langt den vigtigste figur i hans udvikling var Yamamoto. Af sine 24 film som AD arbejdede han på 17 under Yamamoto, mange af dem komedier med den populære skuespiller Ken'ichi Enomoto , kendt som "Enoken". Yamamoto nærede Kurosawas talent og promoverede ham direkte fra tredje assisterende direktør til chefassistent direktør efter et år. Kurosawas ansvar steg, og han arbejdede med opgaver lige fra scenekonstruktion og filmudvikling til spejdning af lokaliteter, manuskriptpolering, øvelser, belysning, dubbing, redigering og instruktion i anden enhed. I den sidste af Kurosawas film som assisterende instruktør for Yamamoto, Horse ( Uma , 1941) overtog Kurosawa det meste af produktionen, da hans mentor var optaget af optagelserne til en anden film.

Yamamoto informerede Kurosawa om, at en god instruktør havde brug for at mestre manuskript. Kurosawa indså hurtigt, at den potentielle indtjening fra hans scripts var meget højere, end hvad han blev betalt som assisterende instruktør. Senere skrev eller co-skrev han alle sine film og skrev ofte manuskripter til andre instruktører som Satsuo Yamamotos film, A Triumph of Wings ( Tsubasa no gaika , 1942). Denne eksterne manuskriptforretning ville tjene Kurosawa som en lukrativ sidelinje, der varede langt ind i 1960'erne, længe efter at han blev berømt.

Krigsfilm og ægteskab (1942–1945)

I de to år efter udgivelsen af Horse i 1941 søgte Kurosawa efter en historie, han kunne bruge til at starte sin instruktionskarriere. Mod slutningen af ​​1942, cirka et år efter det japanske angreb på Pearl Harbor , udgav romanforfatteren Tsuneo Tomita sin Musashi Miyamoto -inspirerede judoroman, Sanshiro Sugata , hvis reklamer fascinerede Kurosawa. Han købte bogen på dens udgivelsesdag, spiste den i et møde og bad straks Toho om at sikre filmrettighederne. Kurosawas første instinkt viste sig at være korrekt, da tre andre store japanske studier inden for få dage også tilbød at købe rettighederne. Toho sejrede, og Kurosawa begyndte præproduktion på sit debutarbejde som instruktør.

Yukiko Todoroki spillede den kvindelige hovedrolle i Sanshiro Sugata overfor Sanshiro i Kurosawas tidlige film. Samtidsfotografi fra 1937.

Optagelserne af Sanshiro Sugata begyndte på stedet i Yokohama i december 1942. Produktionen forløb problemfrit, men at få den færdige film forbi censorerne var en helt anden sag. Censurkontoret anså værket for modstridende at være "britisk-amerikansk" efter krigstidens Japan, og det var kun ved indgreb fra instruktør Yasujirō Ozu , der kæmpede for filmen, at Sanshiro Sugata endelig blev accepteret til udgivelse den 25. marts, 1943. (Kurosawa var lige fyldt 33.) Filmen blev både en kritisk og kommerciel succes. Ikke desto mindre ville censurekontoret senere beslutte at afskære omkring 18 minutters optagelser, hvoraf mange nu betragtes som tabt.

Derefter vendte han sig til emnet kvindelige fabriksarbejdere i krigen i The Most Beautiful , en propagandafilm, som han optog i en semi-dokumentarisk stil i begyndelsen af ​​1944. For at lokke til realistiske forestillinger fra sine skuespillerinder lod instruktøren dem bo på en rigtig fabrik under skyde, spise fabriksmad og kalde hinanden ved deres karakternavne. Han ville bruge lignende metoder med sine kunstnere i hele sin karriere.

Under produktionen blev skuespilleren, der spillede lederen for fabriksarbejderne, Yōko Yaguchi , valgt af sine kolleger til at præsentere deres krav for direktøren. Hun og Kurosawa var konstant i skænderier, og det var gennem disse argumenter, at de to paradoksalt nok blev tætte. De giftede sig den 21. maj 1945 med Yaguchi to måneder gravid (hun genoptog aldrig sin skuespillerkarriere), og parret ville forblive sammen indtil hendes død i 1985. De havde to børn, der begge overlevede Kurosawa i 2018: en søn, Hisao , født 20. december 1945, der fungerede som producent på nogle af sin fars sidste projekter, og Kazuko , en datter, født 29. april 1954, der blev kostumedesigner.

Kort før sit ægteskab blev Kurosawa presset af studiet mod sin vilje til at instruere en efterfølger til sin debutfilm. Den ofte åbenlyst propagandistiske Sanshiro Sugata del II , der havde premiere i maj 1945, betragtes generelt som et af hans svageste billeder.

Kurosawa besluttede at skrive manuskriptet til en film, der ville være både censorvenlig og billigere at producere. The Men Who Tread on the Tiger's Tail , baseret på Kabuki -stykket Kanjinchō og med hovedrollen i komikeren Enoken, som Kurosawa ofte havde arbejdet sammen med i sine assistentdirektørdage, blev afsluttet i september 1945. På dette tidspunkt havde Japan overgivet sig og besættelsen af Japan var begyndt. De nye amerikanske censorer fortolkede de værdier, der angiveligt blev fremmet i billedet, som overdrevent "feudale" og forbød værket. Den blev først udgivet i 1952, året hvor en anden Kurosawa -film, Ikiru , også blev frigivet. Ironisk nok, mens den var i produktion, var filmen allerede blevet vild med japanske krigstidscensorer som for vestlig og "demokratisk" (de kunne især ikke lide den tegneserieportier, der blev spillet af Enoken), så filmen ville sandsynligvis ikke have set dagens lys, selvom krigen var fortsat ud over dens afslutning.

Tidlige efterkrigsår til Rødt skæg (1946–65)

Første efterkrigstidens værker (1946–50)

Efter krigen søgte Kurosawa, påvirket af besættelsens demokratiske idealer, at lave film, der ville etablere en ny respekt for individet og selvet. Den første sådan film, No Regrets for Our Youth (1946), inspireret af både Takigawa -hændelsen fra 1933 og Hotsumi Ozaki -krigsspionagen , kritiserede Japans førkrigsregime for dets politiske undertrykkelse. Atypisk for instruktøren er den heroiske centrale karakter en kvinde, Yukie ( Setsuko Hara ), der, født i privilegium fra overklassen, kommer til at sætte spørgsmålstegn ved hendes værdier i en tid med politisk krise. Det originale manuskript skulle omskrives grundigt, og på grund af dets kontroversielle tema og køn for hovedpersonen delte det færdige arbejde kritikere. Ikke desto mindre lykkedes det at vinde godkendelse fra publikum, der gjorde variationer af filmens titel til en efterkrigstidens slagord .

Hans næste film, One Wonderful Sunday, havde premiere i juli 1947 på blandede anmeldelser. Det er en relativt ukompliceret og sentimental kærlighedshistorie, der omhandler et fattigt efterkrigstidspar, der forsøger at nyde deres ødelæggelser i efterkrigstiden Tokyo, en ugentlig fridag. Filmen bærer indflydelse fra Frank Capra , DW Griffith og FW Murnau , som hver især var blandt Kurosawas foretrukne instruktører. En anden film udgivet i 1947 med Kurosawas engagement var action-eventyr-thrilleren Snow Trail , instrueret af Senkichi Taniguchi fra Kurosawas manuskript. Det markerede debuten for den intense unge skuespiller Toshiro Mifune . Det var Kurosawa, der sammen med sin mentor Yamamoto havde grebet ind for at overtale Toho til at underskrive Mifune, under en audition, hvor den unge mand i høj grad imponerede Kurosawa, men formåede at fremmedgøre de fleste af de andre dommere.

Publicitet stadig af Shimura rent barberet.
Takashi Shimura spillede den dedikerede læge og hjalp den skrantende gangster portrætteret af Mifune i Drunken Angel . Shimura optrådte senere også i Kurosawas film Seven Samurai , Ikiru og Rashomon .

Drunken Angel betragtes ofte som instruktørens første store værk. Selvom manuskriptet ligesom alle Kurosawas værker i besættelsestiden måtte gennemgå omskrivninger på grund af amerikansk censur, følte Kurosawa, at dette var den første film, hvor han var i stand til at udtrykke sig frit. En grusom historie om en læge, der forsøger at redde en gangster ( yakuza ) med tuberkulose , det var også første gang, at Kurosawa instruerede Mifune, der fortsatte med at spille store roller i alle undtagen en af ​​instruktørens næste 16 film (undtagelsen er Ikiru ). Mens Mifune ikke blev kastet som hovedpersonen i Drunken Angel , dominerer hans eksplosive præstation som gangsteren dramaet så meget, at han flyttede fokus fra titelfiguren, alkoholikerlægen spillet af Takashi Shimura , der allerede havde optrådt i flere Kurosawa -film. Kurosawa ønskede imidlertid ikke at kvæle den unge skuespillers enorme vitalitet, og Mifunes oprørske karakter elektrificerede publikum på en måde, som Marlon Brandos trodsige holdning ville skræmme amerikansk filmpublikum få år senere. Filmen havde premiere i Tokyo i april 1948 til strålende anmeldelser og blev valgt af den prestigefyldtemeningsmåling fra Kinema Junpo som årets bedste film, den første af tre Kurosawa -film, der blev hædret.

Kurosawa, sammen med producer Sōjirō Motoki og andre instruktører og venner Kajiro Yamamoto, Mikio Naruse og Senkichi Taniguchi , dannede en ny uafhængig produktionsenhed kaldet Film Art Association (Eiga Geijutsu Kyōkai). For denne organisations debutarbejde og første film for Daiei -studier vendte Kurosawa sig til et nutidigt stykke af Kazuo Kikuta og tilpassede det sammen med Taniguchi til skærmen. The Quiet Duel spillede Toshiro Mifune som en idealistisk ung læge, der kæmper med syfilis , et bevidst forsøg fra Kurosawa på at bryde skuespilleren væk fra at blive typecastet som gangstere. Udgivet i marts 1949, det var en kassesucces, men betragtes generelt som en af ​​direktørens mindre præstationer.

Hans anden film fra 1949, også produceret af Film Art Association og udgivet af Shintoho , var Stray Dog . Det er en detektivfilm (måske den første vigtige japanske film i den genre), der udforsker Japans stemning under dets smertefulde efterkrigstidens opsving gennem historien om en ung detektiv, spillet af Mifune, og hans fiksering på genoprettelsen af ​​hans pistol, som blev stjålet af en pengeløs krigsveteran, der fortsætter med at bruge den til at stjæle og myrde. Tilpasset fra en upubliceret roman af Kurosawa i stil med en yndlingsforfatter af ham, Georges Simenon , var det instruktørens første samarbejde med manuskriptforfatter Ryuzo Kikushima , som senere skulle hjælpe med at scripte otte andre Kurosawa -film. En berømt, næsten ordløs sekvens, der varer over otte minutter, viser detektiven, forklædt som en fattig veteran, og vandrer på gaden for at lede efter pistoltyven; det anvendte faktiske dokumentarfilm af krigshærgede Tokyo-kvarterer, der blev skudt af Kurosawas ven, Ishirō Honda , den kommende direktør for Godzilla . Filmen betragtes som en forløber for samtidens politiprocedurer og kompis -politifilmgenrer .

Toshiro Mifune , en hyppig føring i Kurosawas film, på plakaten til 1950'ernes skandale

Skandale , udgivet af Shochiku i april 1950, var inspireret af instruktørens personlige oplevelser med og vrede mod japansk gul journalistik . Værket er en ambitiøs blanding af retslokaldrama og social problemfilm om ytringsfrihed og personligt ansvar, men selv anså Kurosawa det færdige produkt for dramatisk ufokuseret og utilfredsstillende, og næsten alle kritikere er enige. Det ville imidlertid være Kurosawas anden film fra 1950, Rashomon , der i sidste ende ville vinde ham og japansk biograf et helt nyt internationalt publikum.

International anerkendelse (1950–58)

Efter at have afsluttet skandalen blev Kurosawa kontaktet af Daiei -studier for at lave en anden film til dem. Kurosawa valgte et manuskript af en håbefuld ung manuskriptforfatter, Shinobu Hashimoto , der til sidst ville arbejde på ni af hans film. Deres første fælles indsats var baseret på Ryūnosuke Akutagawas eksperimentelle novelle " In a Grove ", der fortæller om mordet på en samurai og voldtægt af hans kone fra forskellige forskellige og modstridende synsvinkler. Kurosawa så potentiale i scriptet, og med Hashimotos hjælp polerede og udvidede det og lagde det derefter til Daiei, som var glade for at acceptere projektet på grund af dets lave budget.

Skydningen af Rashomon begyndte den 7. juli 1950, og efter omfattende lokaliseringsarbejde i urskov i Nara indpakket den 17. august. Kun en uge blev brugt i en forhastet efterproduktion, hæmmet af en studiebrand og den færdige film havde premiere på Tokyos kejserlige teater den 25. august og udvidede landsdækkende den følgende dag. Filmen blev mødt af lunkne anmeldelser, hvor mange kritikere undrede sig over dens unikke tema og behandling, men det var ikke desto mindre en moderat økonomisk succes for Daiei.

Dostojevskij skrev The Idiot , som Kurosawa tilpassede til en japansk filmversion i 1951. Perovs portræt fra 1800 -tallet.

Kurosawas næste film, for Shochiku, var The Idiot , en tilpasning af romanen af ​​instruktørens yndlingsforfatter, Fjodor Dostojevskij . Historien er flyttet fra Rusland til Hokkaido , men holder sig ellers tæt til originalen, en kendsgerning, som mange kritikere ser som skadelig for værket. En studie-mandatredigering forkortede den fra Kurosawas originale snit på 265 minutter til kun 166 minutter, hvilket gjorde den resulterende fortælling yderst vanskelig at følge. Den hårdt redigerede filmversion anses bredt for at være et af instruktørens mindst vellykkede værker, og den originale version i fuld længde eksisterer ikke længere. Nutidige anmeldelser af den meget forkortede redigerede version var meget negative, men filmen var en moderat succes i billetkontoret, hovedsageligt på grund af populariteten af ​​en af ​​dens stjerner, Setsuko Hara.

I mellemtiden, uden at Kurosawa havde vidst det, var Rashomon blevet deltaget i filmfestivalen i Venedig på grund af indsatsen fra Giuliana Stramigioli , en japansk repræsentant for et italiensk filmselskab, der havde set og beundret filmen og overbevist Daiei om at indsende den. Den 10. september 1951 blev Rashomon belønnet med festivalens højeste pris, Den Gyldne Løve , hvilket ikke kun chokerede Daiei, men også den internationale filmverden, som på det tidspunkt stort set var uvidende om Japans årtier gamle filmtradition.

Efter at Daiei kortvarigt havde vist et undertitlet tryk af filmen i Los Angeles, købte RKO distributionsrettigheder til Rashomon i USA. Virksomheden tog en betydelig satsning. Den havde kun udsendt en film med undertekster på det amerikanske marked, og den eneste tidligere japanske talkie, der blev udgivet kommercielt i New York, havde været Mikio Naruses komedie, Wife! Be Like a Rose , i 1937: et kritisk og billetkontor-flop. Men Rashomon ' s kommercielle løb, stærkt hjulpet af stærke anmeldelser fra kritikere og endda klummeskribent Ed Sullivan , tjente $ 35.000 i de første tre uger på en enkelt New York teater, en næsten uhørt beløb på det tidspunkt.

Denne succes førte til gengæld til en mode i Amerika og Vesten for japanske film gennem 1950'erne og erstattede entusiasmen for italiensk neorealistisk biograf. I slutningen af ​​1952 blev Rashomon frigivet i Japan, USA og det meste af Europa. Blandt de japanske filmskabere, hvis arbejde som følge heraf begyndte at vinde festivalpriser og kommerciel udgivelse i Vesten, var Kenji Mizoguchi ( The Life of Oharu , Ugetsu , Sansho the Foged ) og, noget senere, Yasujirō Ozu ( Tokyo Story , En efterårseftermiddag ) - kunstnere meget respekteret i Japan, men før denne periode var de næsten fuldstændig ukendte i Vesten. Kurosawas voksende ry blandt vestlige publikummer i 1950'erne ville gøre det vestlige publikum mere sympatisk over for modtagelsen af ​​senere generationer af japanske filmskabere lige fra Kon Ichikawa , Masaki Kobayashi , Nagisa Oshima og Shohei Imamura til Juzo Itami , Takeshi Kitano og Takashi Miike .

Hans karriere forstærket af hans pludselige internationale berømmelse, Kurosawa, der nu blev genforenet med sit originale filmstudie, Toho (der skulle producere hans næste 11 film), gik i gang med sit næste projekt, Ikiru . Filmen spiller Takashi Shimura som en kræftramt Tokyo-bureaukrat, Watanabe, på en sidste søgen efter mening før hans død. Til manuskriptet indbragte Kurosawa Hashimoto samt forfatteren Hideo Oguni, der fortsatte med at skrive tolv Kurosawa-film. På trods af værkets grumme emne tog manuskriptforfatterne en satirisk tilgang, som nogle har sammenlignet med Brechts arbejde , til både den heltes bureaukratiske verden og den amerikanske kulturkolonisering af Japan. (Amerikanske popsange spiller en fremtrædende rolle i filmen.) På grund af denne strategi krediteres filmskaberne normalt for at redde billedet fra den slags sentimentalitet, der er almindelig for dramaer om karakterer med terminale sygdomme. Ikiru åbnede i oktober 1952 for strålende anmeldelser - det vandt Kurosawa hans anden Kinema Junpo "Bedste film" -pris - og enorm kassesucces . Det er fortsat den mest anerkendte af alle kunstnerens film, der udspiller sig i den moderne æra.

I december 1952 tog Kurosawa sine Ikiru- manuskriptforfattere, Shinobu Hashimoto og Hideo Oguni, til en 45 dages afsondret bopæl på en kro for at lave manuskriptet til hans næste film, Seven Samurai . Den ensemblet arbejde var Kurosawas første egentlige samurai film , genren, som han ville blive mest berømte. Den enkle historie, om en fattig landbrugsby i Sengoku -perioden Japan, der hyrer en gruppe samuraier til at forsvare den mod et forestående angreb fra banditter, fik en fuldstændig episk behandling med et kæmpe cast (stort set bestående af veteraner fra tidligere Kurosawa -produktioner) og omhyggeligt detaljeret handling, der strækker sig til næsten tre og en halv times skærmtid.

Tre måneder blev brugt i forproduktion og en måned i øvelser. Skydningen tog 148 dage fordelt på næsten et år, afbrudt af produktions- og finansieringsproblemer og Kurosawas helbredsproblemer. Filmen åbnede endelig i april 1954, et halvt år efter den oprindelige udgivelsesdato og cirka tre gange over budgettet, hvilket gjorde den til dengang den dyreste japanske film, der nogensinde er lavet. (Men efter Hollywood -standarder var det en ganske beskedent budgetteret produktion, selv for den tid.) Filmen modtog en positiv kritisk reaktion og blev et stort hit, der hurtigt fik pengene investeret i den tilbage og forsynet studiet med et produkt, som de kunne, og gjorde, markedsføre internationalt - dog med omfattende redigeringer. Over tid - og med de teatrale og hjemmevideoudgivelser af den uklippede version - er dens ry vokset støt. Det betragtes nu af nogle kommentatorer som den største japanske film, der nogensinde er lavet, og i 1979 stemte en meningsmåling blandt japanske filmkritikere den også som den bedste japanske film, der nogensinde er lavet. I den seneste (2012) version af den meget respekterede afstemning fra British Film Institute (BFI) Sight & Sound "Greatest Films of All Time" placerede Seven Samurai en 17. plads blandt alle film fra alle lande i både kritiker- og instruktørernes meningsmålinger , modtager en plads på Top Ten -listerne med 48 kritikere og 22 instruktører.

I 1954 forårsagede atomprøver i Stillehavet radioaktive regnbyger i Japan, og en bestemt hændelse i marts havde udsat en japansk fiskerbåd for atomnedfald med katastrofale resultater. Det er i denne ængstelige atmosfære, at Kurosawas næste film, Record of a Living Being , blev udtænkt. Historien vedrørte en ældre fabriksejer (Toshiro Mifune), der var så bange for udsigten til et atomangreb, at han bliver fast besluttet på at flytte hele sin udvidede familie (både lovlig og uden for ægteskab) til det, han forestiller sig, er sikkerheden på en gård i Brasilien . Produktionen gik meget mere gnidningsløst end instruktørens tidligere film, men et par dage før optagelserne sluttede, døde Kurosawas komponist, samarbejdspartner og nære ven Fumio Hayasaka (af tuberkulose) i en alder af 41. Filmens score blev afsluttet af Hayasakas studerende, Masaru Sato , der ville score alle Kurosawas næste otte film. Record of a Living Being åbnede i november 1955 for blandede anmeldelser og dæmpet publikumsreaktion og blev den første Kurosawa -film, der tabte penge under sit originale teaterforløb. I dag betragtes det af mange som en af ​​de fineste film, der beskæftiger sig med de psykologiske virkninger af det globale atomdød.

Kurosawas næste projekt, Throne of Blood , en tilpasning af William Shakespeare 's Macbeth -sæt, ligesom syv samuraier , i Sengoku Era-repræsenterede en ambitiøs gennemførelse af det engelske arbejde i en japansk kontekst. Kurosawa instruerede sin førende skuespillerinde, Isuzu Yamada , om at betragte værket som om det var en filmisk version af en japansk snarere end en europæisk litterær klassiker. I betragtning af Kurosawas påskønnelse af traditionel japansk sceneskuespil, trækker spillernes, især Yamada, stærkt på de stiliserede teknikker i Noh -teatret. Det blev filmet i 1956 og udgivet i januar 1957 til et lidt mindre negativt hjemligt svar, end det havde været tilfældet med instruktørens tidligere film. I udlandet tjente Throne of Blood , uanset hvilke friheder det tager med sit kildemateriale, hurtigt en plads blandt de mest berømte Shakespeare -tilpasninger.

En anden tilpasning af en klassisk europæisk teatralsk arbejde fulgte næsten med det samme, med produktion af The Lower Depths , baseret på en leg med Maxim Gorkij , der finder sted i maj og juni 1957. I modsætning til Shakespeares feje af Throne of Blood , The Lower Depths var skudt på kun to begrænsede sæt, for at understrege den begrænsede karakter af karakterernes liv. Selvom den var tro mod stykket, blev denne tilpasning af russisk materiale til en fuldstændig japansk ramme - i dette tilfælde den sene Edo -periode - i modsætning til hans tidligere The Idiot , betragtet som kunstnerisk vellykket. Filmen havde premiere i september 1957 og modtog et blandet svar svarende til Throne of Blood . Nogle kritikere rangerer det dog blandt instruktørens mest undervurderede værker.

Kurosawas tre næste film efter Seven Samurai havde ikke formået at fange det japanske publikum på den måde, som den film havde. Stemningen i instruktørens arbejde var blevet stadig mere pessimistisk og mørk, med mulighed for forløsning gennem personligt ansvar nu meget betvivlet, især i Throne of Blood og The Lower Depths . Han erkendte dette og sigtede målrettet efter en mere let og underholdende film til sin næste produktion, mens han skiftede til det nye widescreen- format, der havde vundet popularitet i Japan. Den resulterende film, The Hidden Fortress , er et action-eventyr-komedie-drama om en middelalderlig prinsesse, hendes loyale general og to bønder, der alle har brug for at rejse gennem fjendens linjer for at nå deres hjemegn. Den skjulte fæstning blev udgivet i december 1958 og blev en enorm kassesucces i Japan og blev varmt modtaget af kritikere både i Japan og i udlandet. I dag betragtes filmen som en af ​​Kurosawas mest lette bestræbelser, selvom den stadig er populær, ikke mindst fordi den er en af ​​flere store indflydelser på George Lucas ' rumopera fra 1977 , Star Wars .

En virksomheds fødsel og Rødt skæg (1959–65)

Fra og med Rashomon var Kurosawas produktioner blevet stadig større i omfang og det samme havde direktørens budgetter. Toho, der var bekymret over denne udvikling, foreslog, at han måske ville hjælpe med at finansiere sine egne værker og derfor gøre studiets potentielle tab mindre, samtidig med at han tillod sig selv mere kunstnerisk frihed som co-producer. Kurosawa accepterede, og Kurosawa Production Company blev oprettet i april 1959 med Toho som majoritetsaktionær.

På trods af at han risikerede sine egne penge, valgte Kurosawa en historie, der var mere direkte kritisk over for den japanske forretning og politiske eliter end noget tidligere arbejde. The Bad Sleep Well , baseret på et manuskript af Kurosawas nevø Mike Inoue, er et hævndrama om en ung mand, der er i stand til at infiltrere hierarkiet for et korrupt japansk selskab med den hensigt at afsløre de mænd, der er ansvarlige for hans fars død. Dens tema viste sig aktuelt: Mens filmen var i produktion, blev de massive Anpo -protester afholdt mod den nye USA -Japan sikkerhedstraktat , som blev set af mange japanere, især de unge, som truende landets demokrati ved at give for meget magt til virksomheder og politikere. Filmen åbnede i september 1960 for positiv kritisk reaktion og beskeden kassesucces. Den 25 minutter lange åbningssekvens, der skildrer en virksomheds bryllupsreception, betragtes bredt som en af ​​Kurosawas mest dygtigt udførte scenografier, men resten af ​​filmen opfattes ofte som skuffende ved sammenligning. Filmen er også blevet kritiseret for at have anvendt den konventionelle Kurosawan -helt til at bekæmpe et socialt onde, der ikke kan løses ved hjælp af enkeltpersoner, uanset om de er modige eller snedige.

Yojimbo ( livvagten ), Kurosawa Productions anden film, er centreret om en mesterløs samurai, Sanjuro, der spadserer ind i en by fra det 19. århundrede styret af to modstående voldelige fraktioner og provokerer dem til at ødelægge hinanden. Instruktøren brugte dette værk til at lege med mange genrekonventioner, især det vestlige , samtidig med at han tilbød en hidtil uset (for den japanske skærm) en grafisk skildring af vold. Nogle kommentatorer har set Sanjuro -karakteren i denne film som en fantasifigur, der på magisk vis vender den korrupte købmandsklasses historiske sejr over samuraiklassen. Med Tatsuya Nakadai i sin første store rolle i en Kurosawa -film og med innovativ fotografering af Kazuo Miyagawa (der skød Rashomon ) og Takao Saito , havde filmen premiere i april 1961 og var en kritisk og kommercielt succesrig satsning, der tjente mere end nogen tidligere Kurosawa film. Filmen og dens sort komiske tone blev også vidt efterlignet i udlandet. Sergio Leone 's A Fistful of Dollars var en virtuel (uautoriseret) scene-for-scene-genindspilning, hvor Toho indgav en retssag på Kurosawas vegne og sejrede.

Kurosawa baserede sin kriminalfilm High and Low fra 1963 på Ed McBains roman King's Ransom . Billede af Ed McBain c. 2001.

Efter Yojimbo 's succes befandt Kurosawa sig under pres fra Toho for at skabe en efterfølger. Kurosawa vendte sig til et script, han havde skrevet før Yojimbo , og omarbejdede det til at omfatte helten i hans tidligere film. Sanjuro var den første af tre Kurosawa -film, der blev tilpasset fra forfatteren Shūgorō Yamamoto (de andre ville være Red Beard og Dodeskaden ). Den er lysere i tonen og tættere på en konventionel periodefilm end Yojimbo , selvom dens historie om en magtkamp inden for en samurai -klan er fremstillet med stærkt komiske undertoner. Filmen åbnede den 1. januar 1962 hurtigt overgår Yojimbo ' s box office succes og opsamle positive anmeldelser.

Kurosawa havde i mellemtiden instrueret Toho om at købe filmrettighederne til King's Ransom , en roman om en kidnapning skrevet af den amerikanske forfatter og manuskriptforfatter Evan Hunter , under sit pseudonym Ed McBain, som en af ​​hans 87. Precinct -serie af krimibøger. Direktøren havde til hensigt at skabe et værk, der fordømte kidnapning, som han betragtede som en af ​​de allerværste forbrydelser. Spændingsfilmen, med titlen High and Low , blev optaget i sidste halvdel af 1962 og udgivet i marts 1963. Den slog Kurosawas billetkontorekord (den tredje film i træk, der gjorde det), blev årets japanske film med den største indtjening og vandt strålende anmeldelser. Imidlertid blev hans triumf lidt plettet, da filmen ironisk nok blev bebrejdet en bølge af kidnapninger, der fandt sted i Japan omkring denne tid (han modtog selv kidnapningstrusler rettet mod sin unge datter, Kazuko). Høj og lav betragtes af mange kommentatorer som en af ​​instruktørens stærkeste værker.

Kurosawa gik hurtigt videre til sit næste projekt, Rødt skæg . Baseret på en novellesamling af Shūgorō Yamamoto og inkorporering af elementer fra Dostojevskijs roman De fornærmede og tilskadekomne , er det en periodefilm, der udspiller sig i en klinik for midten af ​​det nittende århundrede for de fattige, hvor Kurosawas humanistiske temaer måske modtager deres fulde udsagn. En indbildsk og materialistisk, udenlandsk uddannet ung læge, Yasumoto, er tvunget til at blive praktikant på klinikken under streng vejledning af doktor Niide, kendt som "Akahige" ("Rødt skæg"), spillet af Mifune. Selvom han i første omgang modstår Rødt skæg, kommer Yasumoto for at beundre hans visdom og mod, og for at opfatte patienterne på klinikken, som han først foragtede, som værende medfølelse og værdighed.

Yūzō Kayama , der spiller Yasumoto, var en ekstremt populær film- og musikstjerne på det tidspunkt, især for hans "Young Guy" ( Wakadaishō ) række musikalske komedier, så han underskrev ham til at optræde i filmen, der næsten garanterede Kurosawa en stærk billetkontor. Optagelserne, filmskaberen længste nogensinde, varede godt et år (efter fem måneders præproduktion) og indpakket i foråret 1965 og efterlod instruktøren, hans besætning og hans skuespillere udmattede. Rødt skæg havde premiere i april 1965 og blev årets japanske produktion med størst indtægt og den tredje (og sidste) Kurosawa-film, der toppede den prestigefyldte meningsmåling fra Kinema Jumpo årligt. Det er stadig et af Kurosawas mest kendte og mest elskede værker i sit hjemland. Uden for Japan har kritikerne været meget mere splittede. De fleste kommentatorer indrømmer sine tekniske fordele, og nogle roser det som blandt Kurosawas bedste, mens andre insisterer på, at det mangler kompleksitet og ægte fortællemagt, mens endnu andre hævder, at det repræsenterer et tilbagetog fra kunstnerens tidligere engagement i sociale og politiske ændringer.

Filmen markerede noget for en afslutning på en æra for dens skaber. Direktøren erkendte dette selv på tidspunktet for udgivelsen og fortalte kritiker Donald Richie, at en cyklus af en eller anden art netop var slut, og at hans fremtidige film og produktionsmetoder ville være anderledes. Hans forudsigelse viste sig at være ganske præcis. Fra slutningen af ​​1950'erne begyndte fjernsynet i stigende grad at dominere fritiden for det tidligere store og loyale japanske biografpublikum. Og efterhånden som filmselskabets indtægter faldt, faldt også deres appetit på risiko - især risikoen ved Kurosawas dyre produktionsmetoder.

Rødt skæg markerede også midtvejspunktet, kronologisk, i kunstnerens karriere. I løbet af sine tidligere niogtyve år i filmindustrien (som inkluderer hans fem år som assisterende instruktør) havde han instrueret treogtyve film, mens han i løbet af de resterende otteogtyve år af mange og komplekse årsager kun ville gennemføre syv mere. Af grunde, der aldrig er tilstrækkeligt forklaret, ville Red Beard også være hans sidste film med Toshiro Mifune i hovedrollen. Yu Fujiki, en skuespiller, der arbejdede på The Lower Depths , observerede med hensyn til nærheden af ​​de to mænd på sættet "Mr. Kurosawa's hjerte var i Mr. Mifunes krop." Donald Richie har beskrevet forholdet mellem dem som en unik "symbiose".

Hollywoods ambitioner om at vare film (1966–1998)

Hollywood -omvej (1966–68)

Da Kurosawas eksklusive kontrakt med Toho sluttede i 1966, overvejede den 56-årige direktør for alvor at ændre sig. Iagttagelse af den urolige tilstand i den indenlandske filmindustri, og allerede har modtaget snesevis af tilbud fra udlandet, tiltalte ideen om at arbejde uden for Japan ham som aldrig før.

Til sit første udenlandske projekt valgte Kurosawa en historie baseret på en artikel i magasinet Life . Den ambassade Billeder action-thriller, som skal filmes på engelsk og kaldes simpelthen Runaway Train , ville have været hans første i farven. Men sprogbarrieren viste sig at være et stort problem, og den engelske version af manuskriptet var ikke engang færdig, da optagelserne skulle begynde i efteråret 1966. Optagelserne, som krævede sne, blev flyttet til efteråret 1967 og derefter aflyst i 1968. Næsten to årtier senere lavede en anden udenlandsk instruktør, der arbejder i Hollywood, Andrei Konchalovsky , endelig Runaway Train (1985), dog fra et nyt manuskript løst baseret på Kurosawa.

Instruktøren var i mellemtiden blevet involveret i et meget mere ambitiøst Hollywood -projekt. Tora! Tora! Tora! , produceret af 20th Century Fox og Kurosawa Production, ville være en skildring af det japanske angreb på Pearl Harbor både fra det amerikanske og det japanske synspunkt, med Kurosawa, der styrede den japanske halvdel og en anglofonisk filmskaber, der ledede den amerikanske halvdel. Han tilbragte flere måneder med at arbejde med manuskriptet sammen med Ryuzo Kikushima og Hideo Oguni, men meget hurtigt begyndte projektet at opklare. Direktøren for de amerikanske sekvenser viste sig ikke at være David Lean , som oprindeligt planlagt, men amerikaneren Richard Fleischer . Budgettet blev også skåret ned, og den tildelte skærmtid til det japanske segment ville nu ikke være længere end 90 minutter - et stort problem, i betragtning af at Kurosawas script kørte over fire timer. Efter adskillige revisioner med Darryl Zanuck 's direkte inddragelse blev der i maj 1968 aftalt et mere eller mindre færdigt manuskript.

Optagelserne begyndte i begyndelsen af ​​december, men Kurosawa ville kun vare lidt over tre uger som direktør. Han kæmpede for at arbejde med et ukendt mandskab og kravene til en Hollywood -produktion, mens hans arbejdsmetoder undrede hans amerikanske producenter, der i sidste ende konkluderede, at instruktøren måtte være psykisk syg. Kurosawa blev undersøgt på Kyoto Universitetshospital af en neuropsykolog, Dr. Murakami, hvis diagnose blev videresendt til Darryl Zanuck og Richard Zanuck på Fox studios, hvilket indikerer en diagnose af neurastheni, der siger, at "Han lider af søvnforstyrrelse, ophidset med angstfølelse og i manisk spænding forårsaget af den ovennævnte sygdom. Det er nødvendigt for ham at have hvile og medicinsk behandling i mere end to måneder. " Juleaften 1968 meddelte amerikanerne, at Kurosawa havde forladt produktionen på grund af "træthed" og effektivt fyrede ham. Han blev i sidste ende erstattet for filmens japanske sekvenser med to instruktører, Kinji Fukasaku og Toshio Masuda .

Tora! Tora! Tora! , der endelig blev frigivet til entusiastiske anmeldelser i september 1970, var, som Donald Richie udtrykte det, en "næsten uformindret tragedie" i Kurosawas karriere. Han havde brugt år af sit liv på et logistisk mareridt projekt, som han i sidste ende ikke bidrog med en fod film, der blev optaget af ham selv. (Han fik sit navn fjernet fra kreditterne, selvom manuskriptet, der blev brugt til den japanske halvdel, stadig var hans og hans medforfatteres.) Han blev fremmedgjort fra sin mangeårige samarbejdspartner, forfatter Ryuzo Kikushima, og arbejdede aldrig med ham igen. Projektet havde utilsigtet afsløret korruption i hans eget produktionsselskab (en situation, der minder om hans egen film, The Bad Sleep Well ). Hans forstand var blevet sat i tvivl. Værst af alt begyndte den japanske filmindustri - og måske manden selv - at mistænke, at han aldrig ville lave en anden film.

Et vanskeligt årti (1969–77)

Vel vidende at hans ry stod på spil efter den meget omtalte Tora! Tora! Tora! debacle, flyttede Kurosawa hurtigt til et nyt projekt for at bevise, at han stadig var levedygtig. Til hans hjælp kom venner og berømte instruktører Keisuke Kinoshita , Masaki Kobayashi og Kon Ichikawa, der sammen med Kurosawa i juli 1969 etablerede et produktionsselskab kaldet Club of the Four Knights (Yonki no kai). Selvom planen var, at de fire instruktører skulle lave hver en film, er det blevet foreslået, at den egentlige motivation for de tre andre instruktører var at gøre det lettere for Kurosawa at gennemføre en film med succes, og derfor finde tilbage til virksomheden.

Det første projekt, der blev foreslået og arbejdet med, var en periodefilm, der skulle kaldes Dora-heita , men da dette blev anset for dyrt, flyttede opmærksomheden til Dodesukaden , en tilpasning af endnu et Shūgorō Yamamoto-arbejde, igen om de fattige og fattige. Filmen blev optaget hurtigt (efter Kurosawas standarder) på cirka ni uger, med Kurosawa fast besluttet på at vise, at han stadig var i stand til at arbejde hurtigt og effektivt inden for et begrænset budget. Til hans første arbejde i farver blev den dynamiske redigering og komplekse kompositioner af hans tidligere billeder sat til side, hvor kunstneren fokuserede på skabelsen af ​​en fed, næsten surrealistisk palet af primære farver for at afsløre det giftige miljø, hvor karaktererne Direkte. Det blev udgivet i Japan i oktober 1970, men selvom det var en mindre kritisk succes, blev det mødt med publikums ligegyldighed. Billedet tabte penge og fik Club of the Four Knights til at opløse. Indledende modtagelse i udlandet var noget mere gunstig, men Dodesukaden er siden typisk blevet betragtet som et interessant eksperiment, der ikke kan sammenlignes med instruktørens bedste arbejde.

Efter at have kæmpet sig igennem produktionen af Dodesukaden , vendte Kurosawa året efter til fjernsynsarbejde for eneste gang i sin karriere med Song of the Horse, en dokumentar om fuldblods raceheste. Det bød på en voice-over, der blev fortalt af en fiktiv mand og et barn (udtrykt af de samme skuespillere som tiggeren og hans søn i Dodesukaden ). Det er den eneste dokumentar i Kurosawas filmografi; den lille besætning omfattede hans hyppige samarbejdspartner Masaru Sato , der komponerede musikken. Song of the Horse er også enestående i Kurosawas oeuvre, fordi den indeholder en redaktørs kredit, hvilket tyder på, at det er den eneste Kurosawa -film, som han ikke selv har klippet.

Kurosawa var ude af stand til at sikre finansiering til yderligere arbejde og angiveligt lider af sundhedsproblemer, og nåede tilsyneladende til bristepunktet: den 22. december 1971 skar han sine håndled og hals flere gange. Selvmordsforsøget viste sig ikke at lykkes, og instruktørens helbred kom sig ret hurtigt, idet Kurosawa nu tog tilflugt i hjemmelivet, usikkert om han nogensinde ville instruere en anden film.

I begyndelsen af ​​1973 henvendte det sovjetiske studie Mosfilm sig til filmskaberen for at spørge, om han ville være interesseret i at arbejde med dem. Kurosawa foreslog en tilpasning af den russiske opdagelsesrejsende Vladimir Arsenyevs selvbiografiske arbejde Dersu Uzala . Bogen, om en Goldi -jæger, der lever i harmoni med naturen, indtil den bliver ødelagt af indgreb i civilisationen, var en, han havde ønsket at lave siden 1930'erne. I december 1973 tog den 63-årige Kurosawa afsted til Sovjetunionen med fire af hans nærmeste hjælpere og begyndte et halvandet års ophold i landet. Optagelserne begyndte i maj 1974 i Sibirien, hvor optagelser under ekstremt hårde naturforhold viste sig meget vanskelige og krævende. Billedet indpakket i april 1975, med en grundigt udmattet og hjemlængsel Kurosawa vender tilbage til Japan og hans familie i juni. Dersu Uzala havde verdenspremiere i Japan den 2. august 1975 og gjorde det godt i billetkontoret. Mens kritisk modtagelse i Japan blev dæmpet, blev filmen bedre anmeldt i udlandet og vandt den gyldne pris ved den 9. Moskva Internationale Filmfestival samt en Oscar for bedste fremmedsprogede film . I dag er kritikere stadig splittede over filmen: nogle ser det som et eksempel på Kurosawas påståede kunstneriske tilbagegang, mens andre regner det blandt hans fineste værker.

Selvom forslag til tv -projekter blev forelagt ham, havde han ingen interesse i at arbejde uden for filmverdenen. Ikke desto mindre indvilligede den stærkt drikkende instruktør i at optræde i en serie tv-annoncer for Suntory whisky, der blev sendt i 1976. Mens han frygtede, at han måske aldrig kunne lave en anden film, fortsatte instruktøren alligevel med at arbejde på forskellige projekter og skrev manuskripter og skabe detaljerede illustrationer, der har til hensigt at efterlade en visuel oversigt over hans planer, hvis han aldrig ville være i stand til at filme sine historier.

To epos (1978–86)

I 1977 udgav den amerikanske instruktør George Lucas Star Wars , en vildt succesrig science fiction -film påvirket af Kurosawa's The Hidden Fortress , blandt andre værker. Lucas, ligesom mange andre New Hollywood- instruktører, ærede Kurosawa og betragtede ham som et forbillede og var chokeret over at opdage, at den japanske filmskaber ikke var i stand til at sikre finansiering til noget nyt arbejde. De to mødtes i San Francisco i juli 1978 for at diskutere det projekt, Kurosawa betragtede som mest økonomisk rentabelt: Kagemusha , den episke historie om en tyv, der blev ansat som dobbeltmand i en middelalderlig japansk herre over en stor klan. Lucas, betaget af manuskriptet og Kurosawas illustrationer, udnyttede sin indflydelse over 20th Century Fox til at tvinge studiet, der havde fyret Kurosawa bare ti år tidligere for at producere Kagemusha , og derefter rekrutteret medfan Fan Francis Ford Coppola som co-producer.

Produktionen begyndte den følgende april, med Kurosawa i højt humør. Optagelserne varede fra juni 1979 til marts 1980 og var præget af problemer, ikke mindst afskedigelsen af ​​den originale hovedrolleindehaver, Shintaro Katsu - skaberen af ​​den meget populære Zatoichi -karakter - på grund af en hændelse, hvor skuespilleren insisterede imod instruktørens ønsker om videooptagelse af sin egen forestilling. (Han blev erstattet af Tatsuya Nakadai, i hans første af to på hinanden følgende hovedroller i en Kurosawa -film.) Filmen blev færdiggjort kun få uger efter planen og åbnede i Tokyo i april 1980. Den blev hurtigt et massivt hit i Japan. Filmen var også en kritisk og kassesucces i udlandet og vandt den eftertragtede Guldpalme ved filmfestivalen i Cannes 1980 i maj, selvom nogle kritikere dengang og nu har beskyldt filmen for dens påståede koldhed. Kurosawa tilbragte meget af resten af ​​året i Europa og Amerika med at promovere Kagemusha , indsamle priser og anerkendelser og udvise som kunst de tegninger, han havde lavet for at fungere som storyboards til filmen.

Sidney Lumet anmodede med succes om, at Kurosawa blev nomineret som bedste instruktør for sin film Ran ved 58. Academy Awards . Prisen blev i sidste ende vundet af Sydney Pollack .

Kagemushas internationale succes tillod Kurosawa at fortsætte med sit næste projekt, Ran , endnu et epos i en lignende vene. Scriptet, delvist baseret på William Shakespeare 's Kong Lear , afbildet en hensynsløs, blodtørstig Daimyo (krigsherre), ved Tatsuya Nakadai, der efter tåbeligt bandlyse hans ene loyale søn, overgiver sit kongerige til sine to andre sønner, spillede som derefter forråde ham og kastede dermed hele riget i krig. Da japanske studier stadig følte sig forsigtige med at producere en anden film, der ville være blandt de dyreste, der nogensinde er lavet i landet, var der igen behov for international hjælp. Denne gang kom det fra den franske producent Serge Silberman , der havde produceret Luis Buñuels sidste film. Optagelserne begyndte først i december 1983 og varede mere end et år.

I januar 1985 blev produktionen af Ran standset, da Kurosawas 64-årige kone Yōko blev syg. Hun døde den 1. februar. Kurosawa vendte tilbage for at afslutte sin film, og Ran havde premiere på Tokyo Film Festival den 31. maj med en bred udgivelse den næste dag. Filmen var en moderat økonomisk succes i Japan, men en større i udlandet, og som han havde gjort med Kagemusha , tog Kurosawa ud på en rejse til Europa og Amerika, hvor han deltog i filmens premiere i september og oktober.

Ran vandt flere priser i Japan, men blev ikke helt så hædret der, som mange af instruktørens bedste film fra 1950'erne og 1960'erne havde været. Filmverdenen blev imidlertid overrasket, da Japan bestod udvælgelsen af Ran til fordel for en anden film som sin officielle adgang til at konkurrere om en Oscar -nominering i kategorien Bedste udenlandske film , som i sidste ende blev afvist til konkurrence ved 58. Academy Awards . Både producenten og Kurosawa selv tilskrev den manglende selvstændige indsendelse af Ran til konkurrence til en misforståelse: på grund af Akademiets uhyggelige regler var ingen sikre på, om Ran kvalificerede sig som en japansk film, en fransk film (på grund af dens finansiering) eller begge dele , så det blev slet ikke indsendt. Som svar på det, der i det mindste syntes at være en åbenlys snub af hans egne landsmænd, ledede direktøren Sidney Lumet en vellykket kampagne for at få Kurosawa til at modtage en Oscar -nominering for bedste instruktør det år ( Sydney Pollack vandt i sidste ende prisen for at have instrueret Out of Africa ) . Ran ' s kostumedesigner, Emi Wada , vandt filmen er kun Oscar.

Kagemusha og Ran , især sidstnævnte, anses ofte for at være blandt Kurosawas fineste værker. Efter Ran ' s udgivelse, ville Kurosawa pege på det som sin bedste film, en større holdningsændring til direktøren, der, når de bliver spurgt, hvilken af hans værker var hans bedste, havde altid tidligere svaret 'min næste'.

Afsluttende værker og sidste år (1987–98)

Til sin næste film valgte Kurosawa et emne, der var meget anderledes end noget, han nogensinde havde filmet før. Mens nogle af hans tidligere billeder (for eksempel Drunken Angel og Kagemusha ) havde inkluderet korte drømmesekvenser, skulle Dreams helt være baseret på instruktørens egne drømme. For første gang i over fyrre år skrev Kurosawa markant, for dette dybt personlige projekt, manuskriptet alene. Selvom det anslåede budget var lavere end filmene umiddelbart forud for det, var japanske studier stadig uvillige til at bakke op om en af ​​hans produktioner, så Kurosawa henvendte sig til en anden berømt amerikansk fan, Steven Spielberg , der overbeviste Warner Bros. om at købe de internationale rettigheder til de færdige film. Dette gjorde det lettere for Kurosawas søn, Hisao, som co-producer og snart chef for Kurosawa Production, at forhandle om et lån i Japan, der ville dække filmens produktionsomkostninger. Optagelsen tog mere end otte måneder at fuldføre, og Dreams havde premiere i Cannes i maj 1990 til en høflig, men dæmpet modtagelse, svarende til den reaktion, billedet ville generere andre steder i verden. I 1990 accepterede han Oscar for Lifetime Achievement . I sin accept tale sagde han berømt "Jeg er lidt bekymret, fordi jeg ikke føler, at jeg forstår biograf endnu."

Steven Spielberg hjalp med at finansiere produktionen af ​​flere af Kurosawas sidste film. Spielberg på sin masterclass på Cinémathèque Française i 2012.

Kurosawa vendte sig nu til en mere konventionel historie med Rhapsody i august - instruktørens første film, der var fuldt ud produceret i Japan siden Dodeskaden mere end tyve år før - som udforskede arene af atombombningen, der ødelagde Nagasaki i slutningen af ​​Anden Verdenskrig. Den blev tilpasset fra en Kiyoko Murata -roman , men filmens referencer til Nagasaki -bombningen kom fra instruktøren frem for fra bogen. Dette var hans eneste film, der indeholdt en rolle for en amerikansk filmstjerne: Richard Gere, der spiller en lille rolle som nevøen til den ældre heltinde. Optagelserne fandt sted i begyndelsen af ​​1991, hvor filmen åbnede den 25. maj samme år til en stort set negativ kritisk reaktion, især i USA, hvor instruktøren blev anklaget for at bekendtgøre naivt anti-amerikanske følelser, selvom Kurosawa afviste disse anklager.

Kurosawa spildte ingen tid på at gå videre til sit næste projekt: Madadayo , eller ikke endnu . Filmen er baseret på selvbiografiske essays af Hyakken Uchida og følger livet for en japansk professor i tysk gennem anden verdenskrig og videre. Fortællingen fokuserer på årlige fødselsdagsfester med sine tidligere studerende, hvor hovedpersonen erklærer sin uvillighed til at dø endnu-et tema, der blev mere og mere relevant for filmens 81-årige skaber. Optagelserne begyndte i februar 1992 og pakket ind i slutningen af ​​september. Udgivelsen den 17. april 1993 blev mødt af en endnu mere skuffet reaktion, end det havde været tilfældet med hans to foregående værker.

Kurosawa fortsatte ikke desto mindre med at arbejde. Han skrev de originale manuskripter Havet ser i 1993 og Efter regnen i 1995. Mens han lagde sidste hånd på sidstnævnte værk i 1995, gled Kurosawa og brød bunden af ​​hans rygsøjle. Efter ulykken ville han bruge en kørestol resten af ​​sit liv og sætte en stopper for ethvert håb om, at han skulle instruere en anden film. Hans mangeårige ønske - at dø på sættet, mens han optog en film - skulle aldrig blive opfyldt.

Efter hans ulykke begyndte Kurosawas helbred at blive forringet. Mens hans sind forblev skarpt og livligt, gav kroppen op, og i det sidste halve år af sit liv var instruktøren stort set begrænset til sengen, lyttede til musik og så fjernsyn derhjemme. Den 6. september 1998 døde Kurosawa af et slagtilfælde i Setagaya, Tokyo , 88 år gammel. På tidspunktet for hans død havde Kurosawa to børn, hans søn Hisao Kurosawa, der blev gift med Hiroko Hayashi og hans datter Kazuko Kurosawa, der blev gift med Harayuki Kato, sammen med flere børnebørn. En af hans børnebørn, skuespilleren Takayuki Kato og barnebarn af Kazuko , blev en birolle i to film posthumt udviklet fra manuskripter skrevet af Kurosawa, som forblev unproduced i hans egen levetid, Takashi Koizumi 's efter regnen (1999) og Kei Kumai ' s Havet ser (2002).

Kreative værker/filmografi

Selvom Kurosawa primært er kendt som en filmskaber, arbejdede han også i teater og tv og skrev bøger. En detaljeret liste, inklusive hans komplette filmografi, findes på listen over kreative værker af Akira Kurosawa .

Stil og hovedtemaer

Throne of Blood (Kumonosu-jō) cast og crew foto taget i 1956, der viser (fra venstre mod højre) Shinjin Akiike, Fumio Yanoguchi, Kuichiro Kishida, Samaji Nonagase, Takao Saito, Toshiro Mifune (i jeepen), Minoru Chiaki , Takashi Shimura , Teruyo Saito (scripter), Yoshiro Muraki , Akira Kurosawa, Hiroshi Nezu, Asakazu Nakai , og Sōjirō Motoki .

Kurosawa viste en fed, dynamisk stil, stærkt påvirket af vestlig film, men alligevel adskilt fra den; han var involveret i alle aspekter af filmproduktion . Han var en begavet manuskriptforfatter og arbejdede tæt sammen med sine medforfattere fra filmens udvikling og frem for at sikre et manuskript i høj kvalitet, som han betragtede som det faste fundament for en god film. Han fungerede ofte som redaktør af sine egne film. Hans team, kendt som "Kurosawa-gumi" (Kurosawa-gruppen), der omfattede filmfotografen Asakazu Nakai , produktionsassistenten Teruyo Nogami og skuespilleren Takashi Shimura , var kendt for sin loyalitet og pålidelighed.

Kurosawas stil er præget af en række enheder og teknikker. I sine film fra 1940'erne og 1950'erne anvender han ofte det " aksiale snit ", hvor kameraet bevæger sig mod eller væk fra motivet gennem en række matchede springsnit i stedet for at spore skud eller opløses . Et andet stilistisk træk er "cut on motion", som viser bevægelsen på skærmen i to eller flere billeder i stedet for et uafbrudt. En form for filmisk tegnsætning, der er stærkt identificeret med Kurosawa, er viskeriet , en effekt skabt gennem en optisk printer : en linje eller bjælke ser ud til at bevæge sig hen over skærmen, tørre enden af ​​en scene væk og afsløre det første billede af den næste. Som en overgangsindretning bruges den som en erstatning for det lige snit eller opløsningen ; i hans modne arbejde blev tørringen Kurosawas underskrift.

I filmens soundtrack favoriserede Kurosawa lydbilledkontrapunktet, hvor musikken eller lydeffekterne syntes at kommentere ironisk på billedet frem for at understrege det. Teruyo Nogamis erindringsbog giver flere sådanne eksempler fra Drunken Angel and Stray Dog . Kurosawa var også involveret med flere af Japans fremragende nutidige komponister, herunder Fumio Hayasaka og Tōru Takemitsu .

Kurosawa anvendte en række tilbagevendende temaer i sine film: mester-discipel-forholdet mellem en normalt ældre mentor og en eller flere nybegyndere, som ofte involverer åndelig såvel som teknisk mestring og selvmestring; den heroiske mester, det usædvanlige individ, der kommer ud af massen af ​​mennesker for at producere noget eller rette noget forkert; skildringen af ​​ekstreme vejrforhold som både dramatiske virkemidler og symboler på menneskelig lidenskab; og gentagelse af cyklusser af vild vold i historien. Ifølge Stephen Prince begyndte det sidste tema, som han kalder, "modtraditionen til den engagerede, heroiske form for Kurosawas biograf" med Throne of Blood (1957) og gentog sig i filmene fra 1980'erne.

Eftermæle

Arv af generel kritik

Jacques Rivette , en fremtrædende kritiker af den franske New Wave, der vurderede Mizoguchis arbejde til at være mere fuldstændig japansk i forhold til Kurosawa.

Kenji Mizoguchi , den anerkendte direktør for Ugetsu (1953) og fogeden Sansho (1954) var elleve år ældre i Kurosawa. Efter midten af ​​1950'erne begyndte nogle kritikere af den franske New Wave at favorisere Mizoguchi til Kurosawa. New Wave-kritikeren og filmskaberen Jacques Rivette mente især, at Mizoguchi var den eneste japanske instruktør, hvis arbejde på én gang var helt japansk og virkelig universelt; Kurosawa blev derimod antaget at være mere påvirket af vestlig biograf og kultur, et synspunkt, der er blevet bestridt.

I Japan betragtede nogle kritikere og filmskabere Kurosawa som elitær. De så ham for at koncentrere sin indsats og opmærksomhed om usædvanlige eller heltemodige karakterer. I sin dvd -kommentar til Seven Samurai argumenterede Joan Mellen for, at visse optagelser af samurai -karaktererne Kambei og Kyuzo, som viser Kurosawa at have givet dem en højere status eller gyldighed, udgør bevis for dette synspunkt. Disse japanske kritikere hævdede, at Kurosawa ikke var tilstrækkeligt progressiv, fordi bønderne ikke var i stand til at finde ledere inden for deres rækker. I et interview med Mellen forsvarede Kurosawa sig selv og sagde:

Jeg ville sige, at bønderne efter alt var de stærkere, tæt klamrede sig til jorden ... Det var samuraierne, der var svage, fordi de blev blæst af tidens vinde.

Fra begyndelsen af ​​1950'erne blev Kurosawa også anklaget for catering til vestlig smag på grund af hans popularitet i Europa og Amerika. I 1970'erne, den venstreorienterede instruktør Nagisa Oshima , der var kendt for sin kritiske reaktion på Kurosawas arbejde, beskyldte Kurosawa af lefle for vestlige overbevisninger og ideologier. Forfatter Audie Block vurderede imidlertid, at Kurosawa aldrig havde spillet op for en ikke-japansk seerpublikum og havde fordømt de direktører, der gjorde det.

Omdømme blandt filmskabere

Ingmar Bergman , vist her i en buste i Kielce , Polen, var en beundrer af Kurosawas arbejde.

Mange filmskabere er blevet påvirket af Kurosawas arbejde. Ingmar Bergman kaldte sin egen film The Virgin Spring en "turistmæssig ... elendig efterligning af Kurosawa" og tilføjede: "På det tidspunkt var min beundring for den japanske biograf på sit højeste. Jeg var selv næsten en samurai!" Federico Fellini anså Kurosawa for at være "det største levende eksempel af alt, hvad en biografforfatter burde være". Satyajit Ray , der posthumt blev tildelt Akira Kurosawa Award for Lifetime Achievement in DirectingSan Francisco International Film Festival i 1992, havde tidligere sagt om Rashomon :

"Filmens virkning på mig [ved første gang at se den i Calcutta i 1952] var elektrisk. Jeg så den tre gange på på hinanden følgende dage og spekulerede hver gang på, om der var en anden film overalt, der gav et så vedvarende og blændende bevis på en instruktørs kommando over alle aspekter af filmfremstilling. "

Roman Polanski betragtede Kurosawa som en af ​​de tre filmskabere, han foretrak mest, sammen med Fellini og Orson Welles , og valgte Seven Samurai , Throne of Blood og The Hidden Fortress for ros. Bernardo Bertolucci anså Kurosawas indflydelse for at være banebrydende: "Kurosawas film og La Dolce Vita fra Fellini er de ting, der pressede mig, sugede mig til at være filminstruktør." Andrei Tarkovsky citerede Kurosawa som en af ​​sine favoritter og kaldte Seven Samurai som en af ​​hans ti yndlingsfilm. Sidney Lumet kaldte Kurosawa for "filminstruktørernes Beethoven". Werner Herzog reflekterede over filmskabere, som han føler slægtskab med, og de film, han beundrer:

Griffith - især hans Birth of a Nation og Broken Blossoms - Murnau , Buñuel , Kurosawa og Eisenstein ’s Ivan den Grusomme , ... alle kommer til at tænke. ... Jeg ligesom Dreyer ? S Jeanne d'Arcs lidelse og død , Pudovkin ’s Storm Over Asien og Dovzhenko ’s Jorden , ... Mizoguchi s Ugetsu Monogatari , Satyajit Rays The Music Room ... Jeg har altid spekuleret over, hvordan Kurosawa gjort noget så godt som Rashomon ; ligevægten og flowet er perfekte, og han bruger rummet på en så velafbalanceret måde. Det er en af ​​de bedste film, der nogensinde er lavet.

Ifølge en assistent anså Stanley Kubrick Kurosawa for at være "en af ​​de store filminstruktører" og talte om ham "konsekvent og beundrende", til det punkt, at et brev fra ham "betød mere end nogen Oscar" og fik ham til at kvaler for måneder efter udarbejdelse af et svar. Robert Altman, da han første gang så Rashomon, var så imponeret over solens rammer, at han begyndte at skyde de samme sekvenser i sit arbejde allerede dagen efter, hævdede han. Kurosawa blev rangeret som 3. på direktørundersøgelsen og 5. i kritikerundersøgelsen i Sight & Sounds 2002 -liste over de største direktører nogensinde.

Postume manuskripter

Efter Kurosawas død er der produceret flere posthume værker baseret på hans ufilmede manuskripter. After the Rain , instrueret af Takashi Koizumi , blev udgivet i 1999, og The Sea Is Watching , instrueret af Kei Kumai , havde premiere i 2002. Et manuskript skabt af Yonki no Kai ("Club of the Four Knights") (Kurosawa, Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi og Kon Ichikawa), omkring det tidspunkt, Dodeskaden blev lavet, blev endelig filmet og frigivet (i 2000) som Dora-heita , af det eneste overlevende stiftende medlem af klubben, Kon Ichikawa. Huayi Brothers Media og CKF Pictures i Kina annoncerede i 2017 planer om at producere en film af Kurosawas posthume manuskript af The Masque of the Red Death af Edgar Allan Poe for 2020 for at få titlen The Mask of the Black Death . Patrick Frater, der skrev til magasinet Variety i maj 2017, erklærede, at yderligere to ufærdige film af Kurosawa var planlagt, hvor Silvering Spear begyndte at filme i 2018.

Kurosawa produktionsselskab

I september 2011 blev det rapporteret, at genindspilningsrettigheder til de fleste af Kurosawas film og uproducerede manuskripter blev tildelt af Akira Kurosawa 100 Project til det LA-baserede selskab Splendent. Splendents chef Sakiko Yamada udtalte, at han havde til formål at "hjælpe nutidige filmskabere med at introducere en ny generation af filmgæster til disse uforglemmelige historier".

Kurosawa Production Co., der blev etableret i 1959, fortsætter med at føre tilsyn med mange af aspekterne af Kurosawas arv. Direktørens søn, Hisao Kurosawa, er virksomhedens nuværende chef. Dets amerikanske datterselskab, Kurosawa Enterprises, ligger i Los Angeles. Rettighederne til Kurosawas værker blev derefter indeholdt af Kurosawa Production og filmstudierne, hvorunder han arbejdede, især Toho . Disse rettigheder blev derefter tildelt Akira Kurosawa 100 -projektet, inden de i 2011 blev overdraget til det LA -baserede selskab Splendent. Kurosawa Production arbejder tæt sammen med Akira Kurosawa Foundation, der blev etableret i december 2003 og også drives af Hisao Kurosawa. Fonden arrangerer en årlig kortfilmskonkurrence og står i spidsen for Kurosawa-relaterede projekter, herunder et nyligt skrinlagt et for at bygge et mindesmuseum for instruktøren.

Filmstudier og priser

I 1981 blev Kurosawa Film Studio åbnet i Yokohama; to yderligere placeringer er siden blevet lanceret i Japan. En stor samling af arkivmateriale, herunder scannede manuskripter, fotos og nyhedsartikler, er blevet gjort tilgængelig via Akira Kurosawa Digital Archive, et japansk proprietært websted, der vedligeholdes af Ryukoku University Digital Archives Research Center i samarbejde med Kurosawa Production. Anaheim Universitets Akira Kurosawa School of Film blev lanceret i foråret 2009 med støtte fra Kurosawa Production. Det tilbyder online programmer inden for digital filmfremstilling med hovedkvarter i Anaheim og et læringscenter i Tokyo.

To filmpriser er også blevet navngivet til ære for Kurosawa. Akira Kurosawa Award for Lifetime Achievement in Film Directing uddeles under San Francisco International Film Festival , mens Akira Kurosawa Award uddeles under Tokyo International Film Festival .

Kurosawa er ofte omtalt som en af ​​de største filmskabere nogensinde. I 1999 blev han udnævnt til " århundredets asiat " i kategorien "Kunst, litteratur og kultur" af AsianWeek magazine og CNN , citeret som "en af ​​de [fem] personer, der har bidraget mest til forbedringen af ​​Asien i de sidste 100 flere år". Til minde om 100 -året for Kurosawas fødsel i 2010 blev et projekt kaldet AK100 lanceret i 2008. AK100 -projektet har til formål at "udsætte unge, der er repræsentanter for den næste generation, og alle mennesker overalt, for lys og ånd fra Akira Kurosawa og den vidunderlige verden, han skabte ".

Anaheim University i samarbejde med Kurosawa-familien etablerede Anaheim University Akira Kurosawa School of Film for at tilbyde online og blandede læringsprogrammer om Akira Kurosawa og filmfremstilling. Den animerede Wes Anderson -film Isle of Dogs er delvist inspireret af Kurosawas optagelsesteknikker. På den 64. Sydney Film Festival var der en retrospektiv af Akira Kurosawa, hvor film af hans blev vist for at huske den store arv, han har skabt fra sit arbejde.

Dokumentarer

Et betydeligt antal fuld- og korte dokumentarfilm om Kurosawas liv og film blev lavet i løbet af hans liv og efter hans død. AK blev filmet i 1985 og er en fransk dokumentarfilm instrueret af Chris Marker . Selvom den blev filmet, mens Kurosawa arbejdede på Ran , fokuserer filmen mere på Kurosawas fjerne, men høflige personlighed end på filmens fremstilling. Dokumentaren ses undertiden som en afspejling af Markers fascination af japansk kultur , som han også trak på for en af ​​hans mest kendte film, Sans Soleil . Filmen blev vist i afsnittet Un Certain Regardfilmfestivalen i Cannes 1985 . Andre dokumentarer om Kurosawas liv og værker produceret posthumt omfatter:

  • Kurosawa: The Last Emperor (Alex Cox, 1999)
  • En besked fra Akira Kurosawa: For smukke film (Hisao Kurosawa, 2000)
  • Kurosawa (Adam Low, 2001)
  • Akira Kurosawa: Det er vidunderligt at oprette (Toho Masterworks, 2002)
  • Akira Kurosawa: The Epic and the Intimate (2010)
  • Kurosawa's Way (Catherine Cadou, 2011)

Noter

Referencer

Kilder

Yderligere læsning

eksterne links