Bevilling (kunst) - Appropriation (art)

Rabbit (1986) af Jeff Koons

Bevilling i kunsten er brugen af ​​allerede eksisterende objekter eller billeder med ringe eller ingen transformation anvendt på dem. Anvendelsen af ​​bevilling har spillet en væsentlig rolle i kunsthistorien ( litterær , visuel , musikalsk og scenekunst). I billedkunsten til passende midler til korrekt at adoptere, låne, genbruge eller prøve aspekter (eller hele formen) af menneskeskabt visuel kultur. Bemærkelsesværdig i denne henseende er Readymades af Marcel Duchamp .

Iboende i vores forståelse af tilegnelse er konceptet om, at det nye værk re-kontekstualiserer alt, hvad det låner for at skabe det nye værk. I de fleste tilfælde forbliver den originale 'ting' tilgængelig som originalen uden ændringer.

Definition

Bevilling svarende til fundet objektkunst er "som en kunstnerisk strategi, bevidst låntagning, kopiering og ændring af allerede eksisterende billeder, objekter og ideer". Det er også blevet defineret som "at overtage, til et kunstværk, af et reelt objekt eller endda et eksisterende kunstværk." Den Tate Gallery sporer praksis tilbage til kubisme og dadaismen , og fortsætter ind 1940'erne surrealismen og 1950'erne Pop art . Det vendte tilbage til fremtrædende plads i 1980'erne hos Neo-Geo- kunstnerne og er nu almindelig praksis blandt samtidskunstnere som Richard Prince , Sherrie Levine og Jeff Koons .

Historie

Marcel Duchamp -fontænen , 1917, fotografi af Alfred Stieglitz291 (kunstgalleri) efter udstillingen af Society of Independent Artists i 1917 , med indgangskode synligt. Baggrunden er The Warriors af Marsden Hartley .

19. århundrede

Mange kunstnere henviste til værker af tidligere kunstnere eller temaer.

I 1856 malede Ingres portrættet af Madame Moitessier. Den usædvanlige pose er kendt for at have været inspireret af det berømte gamle romerske vægmaleri Herakles Finding His Son Telephas. Derved skabte kunstneren en forbindelse mellem sin model og en olympisk gudinde.

Edouard Manet malede Olympia (1865) inspireret af Titian Venus fra Urbino . Hans maleri Le Déjeuner sur l'herbe var også inspireret af de gamle mesters arbejde. Dens sammensætning er baseret på en detalje fra Marcantonio Raimondis ’The Judgment of Paris’ (1515).

Gustave Courbet menes at have set den berømte farve træsnit The Great Wave off Kanagawa af den japanske kunstner Katsushika Hokusai, inden han malede en række af Atlanterhavet i sommeren 1869.

Vincent van Gogh kan navngives med eksempler på de malerier, han lavede inspireret af Jean Francois Millet , Delacroix eller de japanske tryk, han havde i sin samling. I 1889 skabte Van Gogh 20 malede eksemplarer inspireret af Millet sort-hvide udskrifter. Han forstørrede udskrifternes kompositioner og malede dem derefter i farver efter hans egen fantasi. Vincent skrev i sine breve, at han havde sat sig for at "oversætte dem til et andet sprog". Han sagde, at det ikke bare var kopiering: Hvis en performer "spiller nogle Beethoven, tilføjer han sin personlige fortolkning til det ... det er ikke en hård og hurtig regel, at kun komponisten spiller sine egne kompositioner". Flere eksempler kan findes på Kopier af Vincent van Gogh .

Claude Monet , en samler af japanske udskrifter, skabte flere værker inspireret af disse såsom The Garden at Sainte-Adresse, 1867 inspireret af Fuji fra Platform of Sasayedo af Katsushika Hokusai; Water Lily Pond- serien Under Mannen Bridge ved Fukagawa, 1830-1831 af Hokusai eller La Japonaise, 1876 ​​sandsynligvis inspireret af Kitagawa Tsukimaro Geisha, et par hængende rullemalerier , 1820-1829.

Første halvdel af det 20. århundrede

I begyndelsen af ​​det tyvende århundrede tilegnede Pablo Picasso og Georges Braque objekter fra en ikke-kunstsammenhæng i deres arbejde. I 1912 klistrede Picasso et stykke olieklud på lærredet. Efterfølgende kompositioner, såsom Guitar, Newspaper, Glass and Bottle (1913), hvor Picasso brugte avisudklip til at skabe former, er en tidlig collage, der blev kategoriseret som en del af syntetisk kubisme . De to kunstnere indarbejdede aspekter af den "virkelige verden" i deres lærreder og åbnede diskussionen om betegnelse og kunstnerisk repræsentation .

Marcel Duchamp introducerede i 1915 begrebet readymade , hvor "industrielt producerede utilitaristiske genstande ... opnår kunstens status kun gennem udvælgelses- og præsentationsprocessen." Duchamp udforskede denne forestilling allerede i 1913, da han monterede en skammel med et cykelhjul og igen i 1915, da han købte en sneskovl og indskrev den "forud for den brækkede arm, Marcel Duchamp." I 1917 organiserede Duchamp afleveringen af ​​en færdiglavet udstilling i Society of Independent Artists -udstillingen under pseudonymet, R. Mutt. Berettiget springvand , det bestod af et porcelænsurinal, der blev støttet oven på en piedestal og signeret "R. Mutt 1917". Værket udgjorde en direkte udfordring, der stod stærkt ved siden af ​​traditionelle opfattelser af kunst, ejerskab, originalitet og plagiat, og blev efterfølgende afvist af udstillingsudvalget. Den New York Dada magasin den blinde mand forsvarede Fountain , hævder ", om Mr. Mutt med sine egne hænder gjort springvand eller ikke har nogen betydning. Han valgte det. Han tog et almindeligt artikel i livet, placeret den, så dens nyttige betydning forsvandt under den nye titel og synspunkt - og skabte en ny tanke for det objekt. "

Den Dada bevægelse fortsatte med at spille med den bevilling af hverdagsobjekter og deres kombination i collage. Dada -værker fremhævede bevidst irrationalitet og afvisningen af ​​de gældende kunststandarder. Kurt Schwitters viser en lignende følsomhed i sine "merz" -værker. Han konstruerede dele af disse fra fundne genstande, og de havde form af store gesamtkunstwerk -konstruktioner, der nu kaldes installationer .

I løbet af sin fine periode (1908–13) malede Henri Matisse flere malerier af odalisques , inspireret af Delacroix Women i Algier .

The surrealisterne , der kommer efter den Dada bevægelse, også indarbejdet anvendelse af ' fundne objekter ', såsom Meret Oppenheim 's Object (Luncheon i Fur) (1936) eller Salvador Dalís hummer Telefon (1936). Disse fundne objekter fik ny betydning, når de blev kombineret med andre usandsynlige og foruroligende objekter.

1950–1960: Popkunst og realisme

Robert Rauschenberg , rim (1956)


I 1950'erne brugte Robert Rauschenberg det, han kaldte "mejetærskere", og kombinerede færdige objekter som dæk eller senge, maleri, silketryk , collage og fotografering. På samme måde inkorporerede Jasper Johns , der arbejdede samtidig med Rauschenberg, fundne genstande i sit arbejde.

I 1958 producerede Bruce Conner den indflydelsesrige A Movie , hvor han rekombinerede eksisterende filmklip. I 1958 producerede Raphael Montanez Ortiz Cowboy og Indian Film , et skelsættende bevilgningsfilmværk.

Den Fluxus kunstbevægelse også anvendt bevilling: medlemmerne blandet forskellige kunstneriske discipliner, herunder visuel kunst, musik og litteratur. I løbet af 1960'erne og 1970'erne iscenesatte de "action" -begivenheder og producerede skulpturelle værker med ukonventionelle materialer.

I begyndelsen af ​​1960'erne tilegnede kunstnere som Claes Oldenburg og Andy Warhol billeder fra kommerciel kunst og populærkultur samt teknikkerne i disse industrier med f.eks. Warhol, der maler Coca-Cola-flasker. Kaldet " popartister ", så de massepopulær kultur som den vigtigste folkekultur, delt af alle uanset uddannelse. Disse kunstnere engagerede sig fuldt ud i ephemera, der blev produceret fra denne masseproducerede kultur, og omfavner udgifter og tager afstand fra beviset på en kunstners hånd.

Blandt de mest berømte popartister blev Roy Lichtenstein kendt for at tilegne sig billeder fra tegneserier med malerier som Masterpiece (1962) eller Drowning Girl (1963) og fra berømte kunstnere som Picasso eller Matisse .

Elaine Sturtevant (også blot kendt som Sturtevant ) skabte derimod kopier af berømte værker af hendes samtidige. Kunstnere, hun 'kopierede', inkluderede Warhol, Jasper Johns, Joseph Beuys , Duchamp, James Rosenquist , Roy Lichtenstein og mere. Selvom det ikke udelukkende reproducerede Pop Art, var det et vigtigt fokus for hendes praksis. Hun replikerede Andy Warhols blomster i 1965 på Bianchini Gallery i New York. Hun uddannede sig til at gengive kunstnerens egen teknik - i det omfang, da Warhol gentagne gange blev stillet spørgsmålstegn ved hans teknik, svarede han engang "Jeg ved det ikke. Spørg Elaine."

I Europa brugte en gruppe kunstnere, der kaldes de nye realister , genstande som billedhuggeren Cesar, der komprimerede biler til at skabe monumentale skulpturer eller kunstneren Arman, der inkluderede dagligdags maskinfremstillede objekter-lige fra knapper og skeer til biler og kasser fyldt med skraldespand.

De tyske kunstnere Sigmar Polke og hans ven Gerhard Richter, der definerede "kapitalistisk realisme", kom med en ironisk kritik af forbrugerisme i efterkrigstidens Tyskland. De brugte allerede eksisterende fotografier og transformerede dem. Polkes mest kendte værker var hans collager af billeder fra popkultur og reklame, ligesom hans "Supermarkets" scene med superhelte, der shoppede i en købmand.

1970–1980: The Picture Generation og Neo Pop

Richard Prince , Covering Hannah (1987 Buick Grand National )
Three Ball Total Equilibrium Tank (1983) af Jeff Koons , Tate Liverpool

Mens tilegnelse i svundne tider benyttede sig af 'sprog', er samtidens bevilling blevet symboliseret ved fotografering som et middel til 'semiotiske repræsentationsmodeller'. The Pictures Generation var en gruppe kunstnere, påvirket af konceptuel og popkunst , som udnyttede bevilling og montage til at afsløre billedernes konstruerede natur. En udstilling ved navn The Pictures Generation, 1974–1984 blev afholdt på The Metropolitan Museum of Art (The Met) i New York City fra 29. april - 2. august 2009, der blandt andre kunstnere John Baldessari , Barbara Kruger , Sherrie Levine , Richard Prince omfattede , David Salle , Cindy Sherman .

Sherrie Levine , der behandlede handlingen om at tilegne sig sig selv som et tema i kunsten. Levine citerer ofte hele værker i sit eget arbejde, for eksempel fotografering af fotografier af Walker Evans . Udfordrende ideer om originalitet, med opmærksomhed på forholdet mellem magt , køn og kreativitet , forbrugerisme og vareværdi, kunstens sociale kilder og anvendelser, leger Levine med temaet "næsten det samme".

I løbet af 1970'erne og 1980'erne Richard Prince genindførte fotograferet reklamer såsom Marlboro cigaretter eller foto-journalistik skud. Hans arbejde tager anonyme og allestedsnærværende cigaret -reklamekampagner, hæver status og fokuserer vores blik på billederne.

Bevillingskunstnere kommenterer alle aspekter af kultur og samfund. Joseph Kosuth tilegnede sig billeder til at engagere sig i filosofi og epistemologisk teori .

Andre kunstnere, der arbejdede med bevilling i løbet af denne tid med inkluderet Greg Colson og Malcolm Morley .

I slutningen af ​​1970'erne arbejdede Dara Birnbaum med bevilling til at producere feministiske kunstværker . I 1978-79 producerede hun en af ​​de første videobevillinger. Teknologi/transformation: Wonder Woman brugte videoklip fra Wonder Woman tv -serien.

Richard Pettibone begyndte at replikere i miniaturevægt af nyberømte kunstnere som Andy Warhol og senere også modernistiske mestre og underskrev det originale kunstners navn såvel som hans eget.

Jeff Koons opnåede anerkendelse i 1980 ved at oprette konceptuelle skulpturer The New-serien , en serie støvsugere , der ofte blev udvalgt til mærkenavne, der appellerede til kunstneren som den ikoniske Hoover , og i samme retning som Duchamps færdigheder. Senere skabte han skulpturer i rustfrit stål inspireret af oppusteligt legetøj som kaniner eller hunde.

1990'erne

Fountain (Buddha) en genindspilning af bronze af Sherrie Levine , 1996

I 1990'erne fortsatte kunstnerne med at producere bevillingskunst og brugte den som et medium til at behandle teorier og sociale spørgsmål frem for at fokusere på værkerne selv. Damian Loeb brugte film og biograf til at kommentere temaer om simulacrum og virkelighed. Andre højt profilerede kunstnere, der arbejdede på dette tidspunkt, omfattede Christian Marclay , Deborah Kass og Genco Gulan .

Yasumasa Morimura er en japansk bevillingskunstner, der låner billeder fra historiske kunstnere (såsom Édouard Manet eller Rembrandt ) til moderne kunstnere som Cindy Sherman , og indsætter sit eget ansigt og krop i dem. [1]

Sherrie Levine tilegnede sig det tilegnede, da hun lavede polerede støbeurinoalurinaler ved navn Fountain . De anses for at være en "hyldest til Duchamps berømte færdighed. Udover Duchamps dristige træk gør Levine sin gestus tilbage til et" kunstobjekt "ved at løfte dets materialitet og finish. Som feministisk kunstner genindspiller Levine værker specifikt af mandlige kunstnere, der kommanderede patriarkalske dominans i kunsthistorien. "

21. århundrede

Bevilling bruges ofte af samtidskunstnere, der ofte genfortolker tidligere kunstværker, såsom den franske kunstner Zevs, der genfortolkede logoer af mærker som Google eller værker af David Hockney. Mange by- og gadekunstnere bruger også billeder fra populærkulturen såsom Shepard Fairey eller Banksy , der tilegnede sig kunstværker af Claude Monet eller Vermeer med sin pige med et gennemboret trommehinde.

I 2014 udgav Richard Prince en række værker med titlen New Portraits, der tilegner sig fotos af anonyme og berømte personer (f.eks. Pamela Anderson ), der havde lagt et selfie på Instagram. Ændringerne af billederne af kunstneren er de kommentarer Prince tilføjede under billederne .

Damien Hirst blev anklaget i 2018 for at have tilegnet sig arbejdet fra Emily Kngwarreye og andre fra malerfællesskabet i Utopia, Northern Territory med sløret malerier, der ifølge Hirst var "inspireret af pointillistiske teknikker og impressionistiske og postimpressionistiske malere som Bonnard og Seurat ".

Mr. Brainwash er en bykunstner, der blev berømt takket være Banksy, og hvis stil smelter historisk popbillede og moderne kulturel ikonografi til at skabe sin version af en pop -graffitikunsthybrid, der først blev populær af andre gadekunstnere.

Brian Donnelly, kendt som Kaws , har brugt bevilgning i sin serie, The Kimpsons, og malet The Kaws Album inspireret af Simpsons Yellow Album, der selv var en parodi på coveret til Beatles -albummet Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band erstattet med karakterer fra Simpsons . Den 1. april 2019 på Sotheby's i Hong Kong, The Kaws Album (2005), blev solgt for 115,9 millioner Hong Kong -dollars eller cirka $ 14,7 millioner amerikanske dollars. Derudover har han omarbejdet andre velkendte figurer som Mickey Mouse , Michelin -manden , Smølferne , Snoopy og SvampeBob Firkant .

I den digitale tidsalder

Siden 1990'erne har udnyttelsen af ​​historiske forstadier været lige så mangeartet som bevillingsbegrebet er uklart. En hidtil uovertruffen mængde bevillinger præger ikke kun billedkunstområdet, men alle kulturområder. Den nye generation af bevillinger betragter sig selv som "nutidens arkæologer". Nogle taler om "efterproduktion", der er baseret på allerede eksisterende værker, for at redigere "kulturens manuskript". Annekteringen af ​​værker foretaget af andre eller af tilgængelige kulturprodukter følger for det meste begrebet brug. Såkaldte "forbrugere"-som forbruger og producerer på samme tid-bladrer i den digitale verdens allestedsnærværende arkiv (sjældnere gennem den analoge) for at prøve de altid tilgængelige billeder, ord og lyde via 'kopi' -paste 'eller' drag-drop 'til' bootleg ',' mashup 'eller' remix 'dem lige som man kan lide. Bevillinger er i dag blevet et dagligdags fænomen.

Det nye "generations -remix" - som ikke blot har indtaget scenerne for billedkunsten, men også for musik, litteratur, dans og film - forårsager naturligvis meget kontroversielle debatter. Medieforskere Lawrence Lessig opfandt i begyndelsen af ​​2000'erne her begrebet remixkultur . På den ene side er fejrerne, der forudser en ny tidsalder med innovative, nyttige og underholdende måder for kunst i det digitaliserede og globaliserede 21. århundrede. De nye tilegnelsesfolk vil ikke kun indse Joseph Beuys 'opfattelse af, at alle er kunstnere, men også "opbygge frie samfund". Ved endelig at befri kunsten fra traditionelle begreber som aura, originalitet og geni, vil de føre til nye vilkår for forståelse og definition af kunst. Flere kritiske observatører ser dette som udgangspunktet for et stort problem. Hvis skabelsen ikke er baseret på andet end bekymringsløse processer med at finde, kopiere, rekombinere og manipulere allerede eksisterende medier, begreber, former, navne osv. For en hvilken som helst kilde, vil kunstforståelsen i deres øjne skifte til en trivialiseret, lav- krævende og regressiv aktivitet. I betragtning af kunstens begrænsning til henvisninger til allerede eksisterende begreber og former, forudser de endeløse omkompilerede og genanvendte produkter. Skeptikere kalder dette en genbrugskultur med afhængighed af fortiden

Nogle siger, at kun dovne mennesker, der ikke har noget at sige, lader sig inspirere af fortiden på denne måde. Andre frygter, at denne nye bevillingstendens ikke skyldes andet end ønsket om at pynte sig selv med en attraktiv slægtsforskning. Begrebet appropriationisme afspejler overproduktion af reproduktioner, genindspilninger, genopførelser, rekreationer, revisioner, rekonstruktioner osv. Ved at kopiere, efterligne, gentage, citere, plagiere, simulere og tilpasse allerede eksisterende navne, begreber og former. Appropriationisme diskuteres - i sammenligning af bevillingsformer og begreber fra det 20. århundrede, der tilbyder nye repræsentationer af etableret viden - som en slags "racing stilstand", der henviser til accelerationen af ​​tilfældige, ukontrollerbare operationer i stærkt mobiliserede, flydende vestlige samfund, der er styret mere og mere af abstrakte former for kontrol. Ubegrænset adgang til det digitale arkiv med kreationer og let gennemførlige digitale teknologier samt prioriteringen af ​​friske ideer og kreative processer frem for et perfekt mesterværk fører til en hyperaktiv stress og jag omkring fortiden i stedet for at lancere nye ekspeditioner i uudforsket område, der kunne give synlighed for de glemte spøgelser og ignorerede fantomer om vores fælles myter og ideologier.

Bevillingskunst og ophavsret

Bevillingskunst har resulteret i omstridte ophavsretlige spørgsmål vedrørende dens gyldighed under ophavsretsloven. USA har været særligt sagstridende i denne henseende. En række retspraksiseksempler er dukket op, der undersøger skillet mellem transformative værker og afledte værker .

Hvad er fair use?

Den Copyright Act fra 1976 i USA, giver et forsvar mod krænkelse af ophavsretten, når en kunstner kan bevise, at deres brug af den underliggende arbejde er "fair".

Loven giver fire faktorer, der skal overvejes for at afgøre, om en bestemt anvendelse er en rimelig anvendelse:

  1. formål og karakter af anvendelsen (kommerciel eller uddannelsesmæssig, transformativ eller reproduktiv, politisk)
  2. arten af ​​det ophavsretligt beskyttede værk (fiktivt eller faktuelt, graden af ​​kreativitet)
  3. det mængden og vigtigheden af den del af det oprindelige arbejde anvendte og
  4. brugens virkning på markedet (eller det potentielle marked) for det originale værk.

Eksempler på retssager

Andy Warhol stod over for en række retssager fra fotografer, hvis arbejde han tilegnede sig og silkscreenede . Patricia Caulfield, en sådan fotograf, havde taget et billede af blomster til en fotodemonstration for et fotomagasin. Uden hendes tilladelse dækkede Warhol væggene i Leo Castellis New York-galleri med sine silketrykte gengivelser af Caulfields fotografi i 1964. Efter at have set en plakat af Warhols uautoriserede reproduktioner i en boghandel, stævnede Caulfield Warhol for at krænke hendes rettigheder som ophavsret ejer, og Warhol foretog et kontantforlig uden for retten.

På den anden side anses Warhols berømte Campbells suppekasser generelt for ikke at være i strid med suppemagerens varemærke , på trods af at de er klart bevilget, fordi "offentligheden usandsynligt ville se maleriet som sponsoreret af suppefirmaet eller repræsentere et konkurrerende produkt . Malerier og suppe dåser er ikke i sig selv konkurrerende produkter ", ifølge ekspert varemærke advokat Jerome Gilson .

Jeff Koons har også konfronteret spørgsmål om ophavsret på grund af hans tilegnelsesarbejde (se Rogers v. Koons ). Fotograf Art Rogers anlagde sag mod Koons for krænkelse af ophavsretten i 1989. Koons arbejde, String of Puppies gengav skulpturelt Rogers 'sort-hvide fotografi, der var vist på et lykønskningskort i lufthavnen, som Koons havde købt. Selvom han hævdede rimelig brug og parodi i sit forsvar, tabte Koons sagen, delvis på grund af den enorme succes, han havde som kunstner, og den måde, hvorpå han blev fremstillet i medierne. Parodiorgumentet mislykkedes også, da appelretten skelnede mellem at skabe en parodi på det moderne samfund generelt og en parodi rettet mod et bestemt værk, finde parodi på et specifikt værk, især på et meget uklart, for svagt til at retfærdiggøre rimelig brug af originalen.

I oktober 2006 forsvarede Koons med succes et andet værk ved at hævde " rimelig brug ". For en syv-malerisk kommission for Deutsche Guggenheim Berlin, tog Koons en del af et fotografi taget af Andrea Blanch med titlen Silk Sandals af Gucci og offentliggjort i bladet Allure i august 2000 for at illustrere en artikel om metallisk makeup. Koons tog billedet af benene og diamantsandalerne fra dette foto (udelader andre baggrundsdetaljer) og brugte det i sit maleri Niagara , der også indeholder tre andre par kvindeben, der dingler surrealistisk over et landskab af tærter og kager.

I sin afgørelse fandt dommer Louis L. Stanton fra US District Court, at Niagara faktisk var en "transformativ brug" af Blanchs fotografi. "Maleriets brug" erstatter "ikke eller kopierer originalens formål", skrev dommeren, "men bruger det som råstof på en ny måde til at skabe ny information, ny æstetik og nye indsigter. Sådan brug, uanset om det er vellykket eller ikke kunstnerisk, er transformerende. "

Detaljerne i Blanchs fotografi, der bruges af Koons, er kun marginalt copyrightede. Blanch har ingen rettigheder til Gucci -sandalerne, "måske det mest markante element i fotografiet", skrev dommeren. Og uden sandalerne er der kun en repræsentation af en kvindes ben tilbage - og dette blev set som "ikke tilstrækkeligt originalt til at fortjene megen ophavsretlig beskyttelse".

I 2000 blev Damien Hirsts skulptur Hymne (som Charles Saatchi havde købt for et beløb på £ 1 mio.) Udstillet i Ant Noises i Saatchi Gallery. Hirst blev sagsøgt for brud på ophavsretten over denne skulptur. Emnet var et 'Young Scientist Anatomy Set' tilhørende hans søn Connor, hvoraf 10.000 sælges om året af Hull (Emms) Toy Manufacturer. Hirst skabte en 20-fods, seks-ton udvidelse af Science Set-figuren, der radikalt ændrede opfattelsen af ​​objektet. Hirst betalte et uoplyst beløb til to velgørende formål, Children Nationwide og Toy Trust i et udenretsligt forlig. Den velgørende donation var mindre end Emms havde håbet på. Hirst solgte yderligere tre eksemplarer af sin skulptur til samme beløb som den første.

Anvendelse af et velkendt objekt til at lave et kunstværk kan forhindre kunstneren i at gøre krav på ophavsret. Jeff Koons truede med at sagsøge et galleri under ophavsret og hævdede, at galleriet krænkede hans ejendomsret ved at sælge bogstænger i form af ballonhunde. Koons opgav denne påstand, efter at galleriet indgav en klage til erklærende lettelse om, at "Som stort set enhver klovn kan bevidne, ejer ingen ideen om at lave en ballonhund, og formen skabt ved at vride en ballon til en hundlignende form er en del af det offentlige domæne. "

I 2008 sagsøgte fotojournalist Patrick Cariou kunstneren Richard Prince , Gagosian Gallery og Rizzoli -bøger for krænkelse af ophavsretten. Prince havde tilegnet sig 40 af Carious fotos af Rastafari fra en bog og skabte en række malerier kendt som Canal Zone . Prince ændrede forskellige billeder, malede objekter, overdimensionerede hænder, nøgne kvinder og mandlige torsoer over fotografierne og solgte efterfølgende værkerne for over 10 millioner dollars. I marts 2011 dømte en dommer Cariou til fordel, men Prince og Gargosian appellerede til en række punkter. Tre dommere ved den amerikanske appeldomstol stadfæstede retten til appel. Prince's advokat hævdede, at "Bevillingskunst er en velkendt moderne og postmoderne kunstform, der har udfordret den måde, folk tænker om kunst, udfordret den måde, folk tænker på genstande, billeder, lyde, kultur" Den 24. april 2013 anket domstolen i ankedomstolen i høj grad omstødte den oprindelige beslutning og besluttede, at mange af malerierne i tilstrækkelig grad havde transformeret de originale billeder og derfor var en tilladt brug. Se Cariou v. Prince .

I november 2010 truede Chuck Close med retssager mod computerkunstneren Scott Blake for at oprette et Photoshop -filter, der byggede billeder ud af dissekerede Chuck Close -malerier. Historien blev først rapporteret af online kunstmagasinet Hyperallergic , den blev genoptrykt på forsiden af Salon.com og spredte sig hurtigt gennem internettet. Kembrew McLeod , forfatter til flere bøger om prøveudtagning og bevilling, sagde i Wired, at Scott Blakes kunst skulle falde ind under læren om rimelig brug .

I september 2014 satte US Court of Appeals for the Seventh Circuit spørgsmålstegn ved Second Circuit's fortolkning af doktrinen om rimelig brug i Cariou -sagen. Specielt bemærkede det syvende kredsløb, at "transformativ brug" ikke er en af ​​de fire opregnede fair use -faktorer, men snarere blot er en del af den første fair use -faktor, der ser på brugens "formål og karakter". The Seventh Circuit's kritik giver troværdighed til argumentet om, at der er en splittelse mellem amerikanske domstole om, hvilken rolle "transformativitet" skal spille i enhver efterforskning af fair use.

I 2013 offentliggjorde Andrew Gilden og Timothy Greene en lovgennemgangsartikel i The University of Chicago Law Review, der dissekerede de faktiske ligheder og juridiske forskelle mellem Cariou -sagen og Salinger v. Colting -sagen, og formulerede bekymringer om, at dommere kan skabe en rimelig brug " privilegium stort set forbeholdt de rige og berømte. "

Kunstnere, der bruger bevilling

Følgende er bemærkelsesværdige kunstnere kendt for deres brug af allerede eksisterende objekter eller billeder med ringe eller ingen transformation anvendt på dem:

Se også

Referencer

Kilder

Yderligere læsning

  • Margot Lovejoy , Digital Strømninger: Kunst i den elektroniske tidsalder 2004.
  • (es) Juan Martín Prada (2001) La Apropiación Posmoderna: Arte, Práctica apropiacionista y Teoría de la Posmodernidad . Fundamentos. ISBN  978 84 2450 8814 .
  • Brandon Taylor, Collage , Thames & Hudson Ltd, 2006, s. 221.

eksterne links