Klassisk periode (musik) -Classical period (music)

Wolfgang Amadeus Mozart (sidder ved keyboardet)

Den klassiske periode var en æra med klassisk musik mellem omkring 1730 og 1820.

Den klassiske periode falder mellem barokken og den romantiske periode. Klassisk musik har en lettere, klarere tekstur end barokmusik, men en mere sofistikeret formbrug. Det er hovedsageligt homofonisk , med en klar melodilinje over et underordnet akkordakkompagnement , men kontrapunkt blev på ingen måde glemt, især i liturgisk vokalmusik og senere i perioden sekulær instrumentalmusik. Den gør også brug af stilgalant , som understregede let elegance i stedet for barokkens værdige seriøsitet og imponerende storhed. Variation og kontrast i et stykke blev mere udtalt end før, og orkestret steg i størrelse, rækkevidde og kraft.

Cembaloen blev erstattet som det vigtigste keyboardinstrument af klaveret (eller fortepiano ). I modsætning til cembaloen, der plukker strenge med fjer, slår klaverer strengene med læderbeklædte hamre, når tangenterne trykkes ned, hvilket gør det muligt for den optrædende at spille højere eller blødere (deraf det oprindelige navn "fortepiano," bogstaveligt "højt blødt") og lege med mere udtryk; i modsætning hertil ændrer den kraft, hvormed en performer spiller cembalo-tangenterne, ikke lyden. Instrumental musik blev anset for vigtig af klassiske komponister. De vigtigste former for instrumentalmusik var sonate , trio , strygekvartet , kvintet , symfoni (fremført af et orkester) og solokoncerten , som indeholdt en virtuos soloartist, der spillede et soloværk for violin, klaver, fløjte eller et andet instrument, akkompagneret af et orkester. Vokalmusik, såsom sange for en sanger og klaver (især Schuberts værk), korværker og opera (et iscenesat dramatisk værk for sangere og orkestre) var også vigtige i denne periode.

De mest kendte komponister fra denne periode er Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven og Franz Schubert ; andre bemærkelsesværdige navne omfatter Carl Philipp Emanuel Bach , Johann Christian Bach , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Joseph Martin Kraus , Muzio Clementi , Christoph Willibald Gluck , Carl Ditters von Dittersdorf , André Grétry , Pierre-Alexandre Monsigny , Leopold Mozart , Ginni Haydn . Paisiello , Johann Baptist Wanhal , François - André Danican Philidor , Niccolò Piccinni , Antonio Salieri , Georg Christoph Wagenseil , Georg Matthias Monn , Johann Gottlieb Graun , Carl Heinrich Graun , Franz Benda , Georg Anton Benda , Johann Georg Albrechtnuliani , Mauro Giuliani og Chevalier de Saint-Georges . Beethoven betragtes enten som en romantisk komponist eller en klassisk periodekomponist, der var en del af overgangen til den romantiske æra. Schubert er også en overgangsfigur, ligesom Johann Nepomuk Hummel , Luigi Cherubini , Gaspare Spontini , Gioachino Rossini , Carl Maria von Weber , Jan Ladislav Dussek og Niccolò Paganini . Perioden omtales undertiden som wienerklassicismens æra (tysk: Wiener Klassik ), da Gluck, Haydn, Salieri, Mozart, Beethoven og Schubert alle arbejdede i Wien .

Klassicisme

I midten af ​​det 18. århundrede begyndte Europa at bevæge sig mod en ny stil inden for arkitektur , litteratur og kunst, generelt kendt som klassicisme . Denne stil søgte at efterligne idealerne fra den klassiske oldtid , især dem fra det klassiske Grækenland . Klassisk musik brugte formalitet og vægt på orden og hierarki og en "klarere", "renere" stil, der brugte klarere opdelinger mellem dele (især en klar, enkelt melodi akkompagneret af akkorder), lysere kontraster og "tonefarver" (opnået af brug af dynamiske ændringer og modulationer til flere nøgler). I modsætning til barokkens rigt lagdelte musik bevægede klassisk musik sig mod enkelhed frem for kompleksitet. Derudover begyndte den typiske størrelse af orkestre at stige, hvilket gav orkestre en mere kraftfuld lyd.

Den bemærkelsesværdige udvikling af ideer i " naturfilosofien " havde allerede etableret sig i den offentlige bevidsthed. Især Newtons fysik blev taget som et paradigme: strukturer skulle være velfunderede i aksiomer og være både velartikulerede og velordnede. Denne smag for strukturel klarhed begyndte at påvirke musikken, som bevægede sig væk fra barokkens lagdelte polyfoni mod en stil kendt som homofoni , hvor melodien spilles over en underordnet harmoni . Dette træk betød, at akkorder blev et meget mere udbredt træk ved musik, selvom de afbrød den melodiske glathed i en enkelt stemme. Som et resultat blev den tonale struktur af et musikstykke mere hørbar .

Den nye stil blev også opmuntret af ændringer i den økonomiske orden og sociale struktur. Efterhånden som det 18. århundrede skred frem, blev adelen de primære protektorer for instrumentalmusik, mens den offentlige smag i stigende grad foretrak lettere, sjove komiske operaer . Dette førte til ændringer i den måde, musik blev fremført på, hvoraf den mest afgørende var overgangen til standardinstrumentalgrupper og reduktionen i vigtigheden af ​​continuo - det rytmiske og harmoniske grundlag for et musikstykke, typisk spillet af et keyboard ( cembalo eller orgel ) og normalt akkompagneret af en varieret gruppe basinstrumenter, herunder cello , kontrabas , basviol og teorbo . En måde at spore tilbagegangen af ​​continuo og dens figurerede akkorder er at undersøge forsvinden af ​​termen obbligato , der betyder en obligatorisk instrumental del i et kammermusikværk . I barokkompositioner kunne yderligere instrumenter tilføjes til continuo-gruppen alt efter gruppens eller lederens præference; i klassiske kompositioner blev alle dele specifikt noteret, dog ikke altid noteret , så udtrykket "obbligato" blev overflødigt. I 1800 var basso continuo praktisk talt uddød, bortset fra lejlighedsvis brug af et pibeorgel i en religiøs messe i begyndelsen af ​​1800-tallet.

Økonomiske ændringer havde også den effekt, at de ændrede balancen mellem tilgængelighed og kvalitet af musikere. Mens en stor komponist i den sene barok ville have alle en bys musikalske ressourcer at trække på, var de musikalske kræfter, der var til rådighed på en aristokratisk jagthytte eller et lille hof, mindre og mere faste i deres evner. Dette var en ansporing til at have enklere partier for ensemblemusikere at spille, og i tilfælde af en herboende virtuos gruppe, en ansporing til at skrive spektakulære, idiomatiske partier til visse instrumenter, som i tilfældet med Mannheim-orkestret , eller virtuose solopartier for særligt dygtige violinister eller fløjtenister. Hertil kommer, at publikums appetit på en konstant forsyning af ny musik er overført fra barokken. Det betød, at værker i bedste fald skulle kunne opføres med en eller to øvelser. Selv efter 1790 skriver Mozart om "prøven", med den implikation, at hans koncerter kun ville have én prøve.

Da der var større vægt på en enkelt melodisk linje, var der større vægt på at notere den linje for dynamik og frasering. Dette står i kontrast til barokkens æra, hvor melodier typisk blev skrevet uden dynamik, fraseringsmærker eller ornamenter, da det blev antaget, at udøveren ville improvisere disse elementer på stedet. I den klassiske æra blev det mere almindeligt for komponister at angive, hvor de ville have udøvende til at spille ornamenter såsom triller eller drejninger. Forenklingen af ​​tekstur gjorde sådanne instrumentelle detaljer vigtigere, og gjorde også brugen af ​​karakteristiske rytmer, såsom opmærksomhedsskabende åbningsfanfarer, begravelsesmarch-rytmen eller menuetgenren, vigtigere for at etablere og forene tonen i en enkelt sats. .

Den klassiske periode så også den gradvise udvikling af sonateform , et sæt af strukturelle principper for musik, der forenede den klassiske præference for melodisk materiale med harmonisk udvikling, som kunne anvendes på tværs af musikgenrer. Selve sonaten fortsatte med at være hovedformen for solo- og kammermusik, mens strygekvartetten senere i den klassiske periode blev en fremtrædende genre. Symfoniformen for orkester blev skabt i denne periode (dette tilskrives populært Joseph Haydn ). Concerto grosso ( en koncert for mere end én musiker), en meget populær form i barokken, begyndte at blive erstattet af solokoncerten , med kun én solist. Komponister begyndte at lægge større vægt på den særlige solists evne til at vise virtuose færdigheder med udfordrende, hurtige skala- og arpeggioløb. Ikke desto mindre var der nogle concerti grossi tilbage, hvoraf den mest berømte er Mozarts Sinfonia Concertante for violin og bratsch i Es-dur .

En moderne strygekvartet. I 2000'erne er strygekvartetter fra den klassiske æra kernen i kammermusiklitteraturen. Fra venstre mod højre: violin 1, violin 2, cello, bratsch

Hovedkarakteristika

I den klassiske periode består temaet af fraser med kontrasterende melodiske figurer og rytmer . Disse sætninger er relativt korte, typisk fire takter i længden og kan nogle gange virke sparsomme eller kortfattede. Teksturen er hovedsageligt homofonisk med en klar melodi over et underordnet akkordakkompagnement , for eksempel en Alberti-bas . Dette står i kontrast til praksis i barokmusik , hvor et stykke eller en sats typisk kun ville have ét musikalsk emne, som så ville blive bearbejdet i en række stemmer efter kontrapunkts principper , samtidig med at en konsistent rytme eller meter hele vejen igennem bevares. Som et resultat har klassisk musik en tendens til at have en lettere, klarere tekstur end barokken. Den klassiske stil trækker på stilen galant , en musikalsk stil, der understregede let elegance i stedet for barokkens værdige seriøsitet og imponerende storhed.

Strukturelt har klassisk musik generelt en klar musikalsk form , med en veldefineret kontrast mellem tonic og dominant , introduceret af klare kadencer . Dynamik bruges til at fremhæve stykkets strukturelle karakteristika. Især sonateformen og dens varianter blev udviklet i den tidlige klassiske periode og blev hyppigt brugt. Den klassiske tilgang til struktur står igen i kontrast til barokken, hvor en komposition normalt ville bevæge sig mellem tonisk og dominant og tilbage igen, men gennem en kontinuerlig fremgang af akkordskift og uden en følelse af "ankomst" til den nye toneart. Mens kontrapunkt blev mindre fremhævet i den klassiske periode, blev det på ingen måde glemt, især senere i perioden, og komponister brugte stadig kontrapunkt i "seriøse" værker som symfonier og strygekvartetter, såvel som religiøse stykker, såsom messer.

Den klassiske musikstil blev understøttet af tekniske udviklinger inden for instrumenter. Den udbredte adoption af lige temperament gjorde klassisk musikalsk struktur mulig ved at sikre, at kadencer i alle tonearter lød ens. Fortepianoet og derefter pianoforte erstattede cembaloen , hvilket muliggjorde mere dynamisk kontrast og mere vedvarende melodier. I løbet af den klassiske periode blev keyboardinstrumenter rigere, mere klangfulde og mere kraftfulde.

Orkestret voksede i størrelse og rækkevidde og blev mere standardiseret. Cembalo- eller pibeorgel - basso continuo - rollen i orkestret faldt ud af brug mellem 1750 og 1775, hvilket efterlod strygesektionen, hvor træblæsere blev en selvstændig sektion, bestående af klarinetter , oboer , fløjter og fagotter .

Mens vokalmusik som komisk opera var populær, blev der lagt stor vægt på instrumentalmusik. De vigtigste former for instrumentalmusik var sonate , trio , strygekvartet , kvintet , symfoni , koncert (normalt for et virtuost soloinstrument akkompagneret af orkester) og lette stykker som serenader og divertimentoer . Sonateformen udviklede sig og blev den vigtigste form. Den blev brugt til at opbygge førstesatsen af ​​de fleste store værker i symfonier og strygekvartetter . Sonateform blev også brugt i andre satser og i enkeltstående, selvstændige stykker såsom ouverturer .

Historie

Barok/klassisk overgang c. 1730-1760

Gluck, detalje af et portræt af Joseph Duplessis , dateret 1775 ( Kunsthistorisches Museum , Wien)

I sin bog The Classical Style hævder forfatteren og pianisten Charles Rosen , at fra 1755 til 1775 famlede komponister efter en ny stil, der var mere effektivt dramatisk. I højbarokperioden var dramatisk udtryk begrænset til repræsentationen af ​​individuelle affekter ("læren om følelser", eller hvad Rosen betegner "dramatisk følelse"). Eksempelvis i Händels oratorium Jephtha gengiver komponisten fire følelser hver for sig, en for hver karakter, i kvartetten "O, skån din datter". Til sidst kom denne skildring af individuelle følelser til at blive opfattet som forenklet og urealistisk; komponister forsøgte at skildre flere følelser, samtidigt eller progressivt, inden for en enkelt karakter eller bevægelse ("dramatisk handling"). I finalen af ​​2. akt af Mozarts Die Entführung aus dem Serail bevæger de elskende sig således "fra glæde gennem mistænksomhed og forargelse til endelig forsoning."

Musikalsk set krævede denne "dramatiske handling" mere musikalsk variation. Hvor barokmusik var karakteriseret ved et sømløst flow inden for individuelle bevægelser og stort set ensartede teksturer, søgte komponister efter højbarokken at afbryde dette flow med bratte ændringer i tekstur, dynamik, harmoni eller tempo. Blandt de stilistiske udviklinger, der fulgte efter højbarokken, kom den mest dramatiske til at hedde Empfindsamkeit (omtrent " følsom stil "), og dens bedst kendte udøver var Carl Philipp Emanuel Bach . Komponister af denne stil brugte de ovenfor omtalte afbrydelser på den mest abrupte måde, og musikken kan til tider lyde ulogisk. Den italienske komponist Domenico Scarlatti tog denne udvikling videre. Hans mere end 500 enkeltsats keyboardsonater indeholder også bratte ændringer af tekstur, men disse ændringer er organiseret i perioder, afbalancerede sætninger, der blev et kendetegn for den klassiske stil. Scarlattis ændringer i tekstur lyder dog stadig pludselige og uforberedte. Den enestående præstation af de store klassiske komponister (Haydn, Mozart og Beethoven) var deres evne til at få disse dramatiske overraskelser til at lyde logisk motiverede, så "det udtryksfulde og det elegante kunne slå hinanden sammen."

Mellem JS Bachs død og Haydns og Mozarts modenhed (omkring 1750-1770) eksperimenterede komponister med disse nye ideer, hvilket kan ses i Bachs sønners musik. Johann Christian udviklede en stil, som vi nu kalder Roccoco , omfattende enklere teksturer og harmonier, og som var "charmerende, udramatisk og lidt tom." Som tidligere nævnt søgte Carl Philipp Emmanuel at øge dramatik, og hans musik var "voldelig, udtryksfuld, strålende, konstant overraskende og ofte usammenhængende." Og endelig udvidede Wilhelm Friedemann, JS Bachs ældste søn, barokke traditioner på en idiomatisk, utraditionel måde.

Først overtog den nye stil barokke former - den ternære da capo aria , sinfonia og koncerten - men komponeret med enklere partier, mere noteret ornamentik snarere end de improviserede ornamenter, der var almindelige i barokken, og mere eftertrykkelig opdeling af stykker i sektioner. Men over tid forårsagede den nye æstetik radikale ændringer i, hvordan brikker blev sat sammen, og de grundlæggende formelle layouts ændrede sig. Komponister fra denne periode søgte dramatiske effekter, slående melodier og klarere teksturer. En af de store teksturændringer var et skift væk fra barokkens komplekse, tætte polyfoniske stil, hvor flere sammenvævende melodiske linjer blev spillet samtidigt, og hen imod homofoni , en lettere tekstur, der bruger en klar enkelt melodilinje akkompagneret af akkorder.

Barokmusik bruger generelt mange harmoniske fantasier og polyfoniske sektioner, der fokuserer mindre på strukturen af ​​det musikalske stykke, og der var mindre vægt på klare musikalske fraser. I den klassiske periode blev harmonierne enklere. Stykkets struktur, fraserne og små melodiske eller rytmiske motiver blev dog meget vigtigere end i barokken.

Muzio Clementis Sonate i g-mol, nr. 3, op. 50, "Didone abbandonata", adagiosats

Et andet vigtigt brud med fortiden var den radikale overhaling af operaen af ​​Christoph Willibald Gluck , der skar en stor del af lagdelingen og improvisationsornamenterne væk og fokuserede på modulerings- og overgangspunkterne. Ved at gøre disse øjeblikke, hvor harmonien skifter mere til et fokus, muliggjorde han kraftige dramatiske skift i musikkens følelsesmæssige farve. For at fremhæve disse overgange brugte han ændringer i instrumentering ( orkestrering ), melodi og mode . Blandt de mest succesrige komponister på sin tid affødte Gluck mange emulatorer, herunder Antonio Salieri . Deres vægt på tilgængelighed bragte store succeser inden for opera og i anden vokalmusik såsom sange, oratorier og omkvæd. Disse blev betragtet som de vigtigste musiktyper til fremførelse og nød derfor størst offentlig succes.

Fasen mellem barokken og fremkomsten af ​​den klassiske (omkring 1730) var hjemsted for forskellige konkurrerende musikstile. Mangfoldigheden af ​​kunstneriske veje er repræsenteret i Johann Sebastian Bachs sønner : Wilhelm Friedemann Bach , som videreførte baroktraditionen på en personlig måde; Johann Christian Bach , der forenklede barokkens teksturer og tydeligst påvirkede Mozart; og Carl Philipp Emanuel Bach , der komponerede passioneret og til tider voldsomt excentrisk musik af Empfindsamkeit- bevægelsen. Musikkulturen blev fanget ved en skillevej: mestrene i den ældre stil havde teknikken, men offentligheden hungrede efter det nye. Dette er en af ​​grundene til, at CPE Bach blev afholdt så højt: han forstod de ældre former ganske godt og vidste, hvordan man præsenterede dem i ny dragt, med en forbedret variation af former.

1750–1775

Haydn portræt af Thomas Hardy , 1792

I slutningen af ​​1750'erne var der blomstrende centre for den nye stil i Italien, Wien, Mannheim og Paris; snesevis af symfonier blev komponeret, og der var bands af spillere med tilknytning til musikteatre. Opera eller anden vokalmusik akkompagneret af orkester var kendetegnet ved de fleste musikalske begivenheder, hvor koncerter og symfonier (opstået fra ouverturen ) tjente som instrumentale mellemspil og introduktioner til operaer og gudstjenester. I løbet af den klassiske periode udviklede symfonier og koncerter sig og blev præsenteret uafhængigt af vokalmusik.

Mozart skrev en række divertimentoer, lette instrumentale stykker designet til underholdning. Dette er 2. sats af hans Divertimento i Es-dur, K. 113.

Det "normale" orkester-ensemble - en krop af strygere suppleret med blæsere - og bevægelser af særlig rytmisk karakter blev etableret i slutningen af ​​1750'erne i Wien. Længden og vægten af ​​stykker var dog stadig sat med nogle barokke karakteristika: individuelle satser fokuserede stadig på én "affekt" (musikalsk stemning) eller havde kun én skarpt kontrasterende midtersektion, og deres længde var ikke væsentligt større end baroksatser. Der var endnu ikke en klart udtalt teori om, hvordan man komponerer i den nye stil. Det var et øjeblik modent til et gennembrud.

Stilens første store mester var komponisten Joseph Haydn . I slutningen af ​​1750'erne begyndte han at komponere symfonier, og i 1761 havde han komponeret en triptykon ( Morgen , middag og aften ) solidt i den nutidige mode. Som vice -Kapellmeister og senere Kapellmeister udvidede hans produktion: han komponerede over fyrre symfonier alene i 1760'erne. Og mens hans berømmelse voksede, efterhånden som hans orkester blev udvidet og hans kompositioner blev kopieret og udbredt, var hans stemme kun én blandt mange.

Mens nogle forskere antyder, at Haydn blev overskygget af Mozart og Beethoven, ville det være svært at overvurdere Haydns centralitet i den nye stil og derfor for fremtiden for vestlig kunstmusik som helhed. På det tidspunkt, før Mozarts eller Beethovens fremtræden, og med Johann Sebastian Bach, der primært var kendt af kendere af keyboardmusik, nåede Haydn en plads i musikken, der satte ham over alle andre komponister undtagen måske barokkens George Frideric Handel . Haydn tog eksisterende ideer og ændrede radikalt, hvordan de fungerede - hvilket gav ham titlerne " symfoniens far" og " strygekvartettens far ".

En af de kræfter, der virkede som drivkraften til at presse ham fremad, var den første omrøring af det, der senere ville blive kaldt romantikken - Sturm und Drang -fasen eller "storm og stress"-fasen i kunsten, en kort periode, hvor åbenlys og dramatisk følelsesmæssighed var en stilistisk præference. Haydn ønskede derfor mere dramatisk kontrast og mere følelsesmæssigt tiltalende melodier med skærpet karakter og individualitet i sine stykker. Denne periode forsvandt i musik og litteratur: den påvirkede dog, hvad der kom bagefter og ville i sidste ende være en del af æstetisk smag i de senere årtier.

Afskedssymfonien , nr. 45 i f - mol, eksemplificerer Haydns integration af den nye stils forskellige krav med overraskende skarpe vendinger og en lang langsom adagio til at afslutte værket. I 1772 færdiggjorde Haydn sit Opus 20-sæt på seks strygekvartetter, hvori han anvendte de polyfoniske teknikker, han havde samlet fra den tidligere barok-æra, for at give strukturel sammenhæng, der var i stand til at holde sammen på hans melodiske ideer. For nogle markerer dette begyndelsen på den "modne" klassiske stil, hvor perioden med reaktion mod senbarok kompleksitet gav efter for en periode med integration af barokke og klassiske elementer.

1775–1790

Wolfgang Amadeus Mozart, posthumt maleri af Barbara Krafft i 1819

Haydn, der havde arbejdet i over et årti som musikdirektør for en prins, havde langt flere ressourcer og muligheder for at komponere end de fleste andre komponister. Hans position gav ham også evnen til at forme de kræfter, der ville spille hans musik, da han kunne udvælge dygtige musikere. Denne mulighed blev ikke spildt, da Haydn, der startede ret tidligt på sin karriere, søgte at presse teknikken til at bygge og udvikle ideer i sin musik frem. Hans næste vigtige gennembrud var i Opus 33 strygekvartetterne (1781), hvor de melodiske og de harmoniske roller skilles mellem instrumenterne: Det er ofte et øjeblik uklart, hvad der er melodi og hvad der er harmoni. Dette ændrer måden, ensemblet arbejder på mellem dramatiske overgangsmomenter og klimaksektioner: musikken flyder jævnt og uden åbenlys afbrydelse. Han tog derefter denne integrerede stil og begyndte at anvende den til orkester- og vokalmusik.

Åbningstakterne i Commendatores arie i Mozarts opera Don Giovanni . Orkestret starter med en dissonant formindsket septim -akkord (G# dim7 med et B i bassen), der bevæger sig til en dominerende septim-akkord (A7 med et C# i bassen), før det løses til toniske akkord (D-mol) ved sangerens indgang.

Haydns gave til musikken var en måde at komponere på, en måde at strukturere værker på, som samtidig var i overensstemmelse med den nye stils styrende æstetik. Imidlertid bragte en yngre samtidige, Wolfgang Amadeus Mozart , sit geni til Haydns ideer og anvendte dem på to af datidens store genrer: operaen og den virtuose koncert. Mens Haydn tilbragte meget af sit arbejdsliv som hofkomponist, ønskede Mozart offentlig succes i byernes koncertliv, idet han spillede for den brede offentlighed. Det betød, at han skulle skrive operaer og skrive og opføre virtuose stykker. Haydn var ikke en virtuos på internationalt touring-niveau; han søgte heller ikke at skabe operaværker, der kunne spille mange nætter foran et stort publikum. Mozart ønskede at opnå begge dele. Desuden havde Mozart også smag for mere kromatiske akkorder (og større kontraster i harmonisk sprog generelt), en større kærlighed til at skabe et væld af melodier i et enkelt værk og en mere italiensk sensibilitet i musikken som helhed. Han fandt, i Haydns musik og senere i hans undersøgelse af JS Bachs polyfoni , midlerne til at disciplinere og berige hans kunstneriske gaver.

Mozart-familien ca. 1780. Portrættet på væggen er af Mozarts mor.

Mozart kom hurtigt til Haydns opmærksomhed, som hyldede den nye komponist, studerede hans værker og betragtede den yngre mand som sin eneste sande jævnaldrende inden for musik. I Mozart fandt Haydn et større udvalg af instrumentering, dramatisk effekt og melodisk ressource. Læringsrelationen bevægede sig i begge retninger. Mozart havde også stor respekt for den ældre, mere erfarne komponist og søgte at lære af ham.

Mozarts ankomst til Wien i 1780 bragte en acceleration i udviklingen af ​​den klassiske stil. Der absorberede Mozart fusionen af ​​italiensk glans og germansk sammenhængskraft, som havde været under opsejling i de foregående 20 år. Hans egen smag for prangende brillanser, rytmisk komplekse melodier og figurer, lange cantilena- melodier og virtuose opblomstringer blev smeltet sammen med en forståelse for formel sammenhæng og indre sammenhæng. Det er på dette tidspunkt, at krig og økonomisk inflation standsede en tendens til større orkestre og tvang opløsning eller reduktion af mange teaterorkestre. Dette pressede den klassiske stil indad: mod at søge større ensemble og tekniske udfordringer - for eksempel at sprede melodien på tværs af træblæsere eller bruge en melodi harmoniseret i tredjedele. Denne proces satte en præmie på små ensemblemusik, kaldet kammermusik. Det førte også til en tendens til mere offentlig optræden, hvilket gav et yderligere boost til strygekvartetten og andre små ensemblegrupperinger.

Det var i løbet af dette årti, at den offentlige smag i stigende grad begyndte at erkende, at Haydn og Mozart havde nået en høj standard for komposition. Da Mozart ankom som 25-årig, i 1781, var de dominerende stilarter i Wien genkendeligt forbundet med fremkomsten i 1750'erne af den tidlige klassiske stil. I slutningen af ​​1780'erne var ændringer i opførelsespraksis , instrumental- og vokalmusikkens relative status, tekniske krav til musikere og stilistisk enhed blevet etableret hos de komponister, der efterlignede Mozart og Haydn. I løbet af dette årti komponerede Mozart sine mest berømte operaer, sine seks sene symfonier, der hjalp med at omdefinere genren, og en perlerække af klaverkoncerter, der stadig står på toppen af ​​disse former.

En komponist, der var indflydelsesrig i at sprede den mere seriøse stil, som Mozart og Haydn havde dannet, er Muzio Clementi , en begavet virtuos pianist, der bandt med Mozart i en musikalsk "duel" før kejseren, hvor de hver især improviserede på klaveret og fremførte deres kompositioner . Clementis sonater for klaver cirkulerede bredt, og han blev den mest succesrige komponist i London i løbet af 1780'erne. Også i London på dette tidspunkt var Jan Ladislav Dussek , der ligesom Clementi opfordrede klavermagere til at udvide rækkevidden og andre funktioner ved deres instrumenter, og derefter fuldt ud udnyttede de nyåbnede muligheder. Londons betydning i den klassiske periode bliver ofte overset, men det fungerede som hjemsted for Broadwoods fabrik for klaverfremstilling og som base for komponister, der, selv om de var mindre bemærkelsesværdige end "Wien-skolen", havde en afgørende indflydelse på, hvad der kom. senere. De var komponister af mange fine værker, bemærkelsesværdige i deres egen ret. Londons smag for virtuositet kan meget vel have opmuntret det komplekse passagearbejde og udvidede udsagn om tonic og dominant.

Omkring 1790-1820

Da Haydn og Mozart begyndte at komponere, blev symfonier spillet som enkelte satser – før, mellem eller som mellemspil i andre værker – og mange af dem varede kun ti eller tolv minutter; instrumentalgrupper havde forskellige spillestandarder, og continuo var en central del af musikfremstillingen.

I de mellemliggende år havde musikkens sociale verden set dramatiske ændringer. International udgivelse og turné var vokset eksplosivt, og koncertselskaber blev dannet. Notation blev mere specifik, mere beskrivende - og skemaer for værker var blevet forenklet (og blev dog mere varierede i deres nøjagtige udformning). I 1790, lige før Mozarts død, hvor hans ry bredte sig hurtigt, var Haydn klar til en række succeser, især hans sene oratorier og London-symfonier . Komponister i Paris, Rom og over hele Tyskland henvendte sig til Haydn og Mozart for deres idéer om form.

Portræt af Beethoven af ​​Joseph Karl Stieler , 1820

I 1790'erne opstod en ny generation af komponister, født omkring 1770. Mens de var vokset op med de tidligere stilarter, hørte de i de seneste værker af Haydn og Mozart et middel til større udtryk. I 1788 slog Luigi Cherubini sig ned i Paris og komponerede i 1791 Lodoiska , en opera, der gjorde ham kendt. Dens stil afspejler tydeligt den modne Haydn og Mozart, og dens instrumentering gav den en vægt, der endnu ikke havde kunnet mærkes i den store opera . Hans samtidige Étienne Méhul udvidede instrumentelle effekter med sin opera Euphrosine et Coradin fra 1790 , hvorfra en række succeser fulgte. Det sidste skub mod forandring kom fra Gaspare Spontini , som var dybt beundret af fremtidige romantiske komponister som Weber, Berlioz og Wagner. Det innovative harmoniske sprog i hans operaer, deres raffinerede instrumentering og deres "sammenkædede" lukkede numre (et strukturelt mønster, som senere blev overtaget af Weber i Euryanthe og fra ham overleveret, gennem Marschner, til Wagner), dannede grundlaget, hvorfra fransk og Tysk romantisk opera havde sin begyndelse.

Hummel i 1814

Den mest skæbnesvangre af den nye generation var Ludwig van Beethoven , som lancerede sine nummererede værker i 1794 med et sæt på tre klavertrioer, som forbliver i repertoiret. Noget yngre end de andre, skønt han var lige så dygtig på grund af hans ungdommelige studier under Mozart og hans indfødte virtuositet, var Johann Nepomuk Hummel . Hummel studerede også under Haydn; han var ven med Beethoven og Franz Schubert . Han koncentrerede sig mere om klaveret end noget andet instrument, og hans tid i London i 1791 og 1792 skabte kompositionen og udgivelsen i 1793 af tre klaversonater, opus 2, som idiomatisk brugte Mozarts teknikker til at undgå den forventede kadence, og Clementis undertiden modal. usikker virtuos figuration. Tilsammen kan disse komponister ses som fortrop for en bred stilændring og musikkens centrum. De studerede hinandens værker, kopierede hinandens bevægelser i musik og opførte sig nogle gange som stridbare rivaler.

De afgørende forskelle med den forrige bølge kan ses i det nedadgående skift i melodier, stigende varighed af bevægelser, accepten af ​​Mozart og Haydn som paradigmatiske, den større brug af keyboard-ressourcer, skiftet fra "vokal" skrivning til "pianistisk" skrivning , den voksende tiltrækning af mol og modal flertydighed, og den stigende betydning af varierende akkompagnement figurer for at bringe "tekstur" frem som et element i musikken. Kort sagt søgte den sene klassiske musik, der internt var mere kompleks. Væksten af ​​koncertforeninger og amatørorkestre, der markerer vigtigheden af ​​musikken som en del af middelklassens liv, bidrog til et blomstrende marked for klaverer, klavermusik og virtuoser til at tjene som eksempler. Hummel, Beethoven og Clementi var alle kendt for deres improvisation.

Barokkens direkte indflydelse blev ved med at falme: den figurerede bas blev mindre fremtrædende som et middel til at holde forestillingen sammen, opførelsespraksisen fra midten af ​​1700-tallet fortsatte med at dø ud. Men samtidig begyndte komplette udgaver af barokmestre at blive tilgængelige, og indflydelsen fra barokstilen fortsatte med at vokse, især i den stadig mere ekspansive brug af messing. Et andet træk ved perioden er det stigende antal opførelser, hvor komponisten ikke var til stede. Dette førte til øget detaljering og specificitet i notation; for eksempel var der færre "valgfri" dele, der stod adskilt fra hovedpartituret.

Kraften af ​​disse skift blev tydelig med Beethovens 3. symfoni, givet navnet Eroica , som er italiensk for "heroisk", af komponisten. Som med Stravinskys The Rite of Spring , var den måske ikke den første i alle dens innovationer, men dens aggressive brug af alle dele af den klassiske stil adskilte den fra dens nutidige værker: også i længde, ambition og harmoniske ressourcer .

Første wienerskole

Udsigt over Wien i 1758, af Bernardo Bellotto

Den første wienerskole er et navn, der oftest bruges til at henvise til tre komponister fra den klassiske periode i slutningen af ​​1700-tallets Wien : Haydn, Mozart og Beethoven. Franz Schubert tilføjes lejlighedsvis til listen.

I tysktalende lande bruges betegnelsen Wiener Klassik (lit. wienerklassisk æra/kunst ). Dette udtryk anvendes ofte mere bredt på den klassiske æra i musikken som helhed, som et middel til at skelne det fra andre perioder, der i daglig tale omtales som klassisk , nemlig barok og romantisk musik .

Udtrykket "Wienerskole" blev første gang brugt af den østrigske musikforsker Raphael Georg Kiesewetter i 1834, selvom han kun regnede Haydn og Mozart som medlemmer af skolen. Andre forfattere fulgte trop, og til sidst blev Beethoven føjet til listen. Betegnelsen "først" tilføjes i dag for at undgå forveksling med den anden wienerskole .

Selvom disse komponister, bortset fra Schubert, bestemt kendte hinanden (hvor Haydn og Mozart endda var lejlighedsvise kammermusikpartnere), er der ingen mening i, at de var engageret i et samarbejde i den forstand, at man ville forbinde med det 20. århundredes skoler såsom den anden wienerskole eller Les Six . Der er heller ingen betydningsfuld betydning for, at en komponist blev "skolet" af en anden (på den måde, som Berg og Webern blev undervist af Schoenberg), selvom det er rigtigt, at Beethoven i en periode modtog undervisning af Haydn.

Forsøg på at udvide den første wienerskole til at omfatte senere personer som Anton Bruckner , Johannes Brahms og Gustav Mahler er blot journalistiske og er aldrig stødt på i akademisk musikvidenskab.

Klassisk indflydelse på senere komponister

1875 oliemaleri af Franz Schubert af Wilhelm August Rieder , efter hans eget akvarelportræt fra 1825

Musikalske epoker og deres fremherskende stilarter, former og instrumenter forsvinder sjældent på én gang; i stedet udskiftes funktioner over tid, indtil den gamle tilgang simpelthen føles som "gammeldags". Den klassiske stil "døde" ikke pludseligt; snarere blev det gradvist udfaset under vægten af ​​ændringer. For blot at give et eksempel, mens det generelt siges, at den klassiske æra holdt op med at bruge cembalo i orkestre, skete dette ikke pludselig ved begyndelsen af ​​den klassiske æra i 1750. I stedet holdt orkestre langsomt op med at bruge cembalo til at spille basso continuo indtil praksis blev indstillet i slutningen af ​​1700-tallet.

Felix Mendelssohn
Portræt af Mendelssohn af James Warren Childe , 1839

En afgørende ændring var skiftet i retning af harmonier centreret om "flade" tangenter: skift i den subdominante retning. I den klassiske stil var dur-toneart langt mere almindelig end mol, kromatikken blev modereret gennem brugen af ​​"skarp" modulation (f.eks. et stykke i C-dur, der modulerede til G-dur, D-dur eller A-dur, som alle er tonearter med flere skarpe). Desuden blev sektioner i den mindre tilstand ofte brugt til kontrast. Begyndende med Mozart og Clementi begyndte der en snigende kolonisering af den subdominante region (ii- eller IV-akkorden, som i tonearten C-dur ville være tangenterne i d-mol eller F-dur). Hos Schubert blomstrede subdominante modulationer efter at være blevet introduceret i sammenhænge, ​​hvor tidligere komponister ville have begrænset sig til dominante skift (modulationer til dominantakkorden , f.eks. i tonearten C-dur, modulerende til G-dur). Dette introducerede mørkere farver til musik, styrkede minor-tilstanden og gjorde struktur sværere at vedligeholde. Beethoven bidrog til dette ved sin stigende brug af den fjerde som konsonans og modal tvetydighed - for eksempel åbningen af ​​symfoni nr. 9 i d-mol .

Ludwig van Beethoven , Franz Schubert , Carl Maria von Weber og John Field er blandt de mest fremtrædende i denne generation af "proto-romantikere", sammen med den unge Felix Mendelssohn . Deres formsans var stærkt påvirket af den klassiske stil. Selvom de endnu ikke var "lærde" komponister (imiterede regler, som blev kodificeret af andre), reagerede de direkte på værker af Haydn, Mozart, Clementi og andre, efterhånden som de stødte på dem. De instrumentelle kræfter til deres rådighed i orkestre var også ret "klassiske" i antal og variation, hvilket tillod lighed med klassiske værker.

Men de kræfter, der skulle gøre en ende på den klassiske stils greb, samlede styrke i mange af de ovennævnte komponisters værker, især Beethoven. Den mest almindeligt nævnte er harmonisk innovation. Også vigtigt er det stigende fokus på at have en kontinuerlig og rytmisk ensartet ledsagende figuration: Beethovens Moonlight Sonata var modellen for hundredvis af senere stykker – hvor den skiftende bevægelse af en rytmisk figur giver meget af værkets dramatik og interesse, mens en melodi driver over det. Større kendskab til værker, større instrumental ekspertise, stigende variation af instrumenter, væksten af ​​koncertselskaber og den ustoppelige dominans af det stadigt mere magtfulde klaver (som fik en dristigere, højere tone af teknologiske udviklinger som brugen af ​​stålstrenge, tunge støbejernsrammer og sympatisk vibrerende strenge) skabte alt sammen et stort publikum til sofistikeret musik. Alle disse tendenser bidrog til skiftet til den "romantiske" stil .

Det er meget vanskeligt at trække grænsen mellem disse to stilarter: nogle dele af Mozarts senere værker, taget alene, kan ikke skelnes i harmoni og orkestrering fra musik skrevet 80 år senere – og nogle komponister fortsatte med at skrive i normative klassiske stilarter ind i det tidlige 20. århundrede. Allerede før Beethovens død var komponister som Louis Spohr selvskrevne romantikere, der f.eks. inkorporerede mere ekstravagant kromatik i deres værker (f.eks. ved at bruge kromatiske harmonier i et stykkes akkordforløb ). Omvendt udviser værker som Schuberts symfoni nr. 5 , skrevet under den kronologiske afslutning af den clasaiske æra og begyndelsen af ​​den romantiske æra, et bevidst anakronistisk kunstnerisk paradigme, der går tilbage til kompositionsstilen fra flere årtier før.

Wiens fald som det vigtigste musikalske centrum for orkesterkomposition i slutningen af ​​1820'erne, fremkaldt af Beethovens og Schuberts død , markerede den klassiske stils sidste formørkelse - og afslutningen på dens kontinuerlige organiske udvikling af en komponist, der lærte i umiddelbar nærhed af andre. Franz Liszt og Frédéric Chopin besøgte Wien, da de var unge, men de flyttede derefter til andre byer. Komponister som Carl Czerny , mens de var dybt påvirket af Beethoven, søgte også efter nye ideer og nye former for at rumme den større verden af ​​musikalske udtryk og performance, som de levede i.

Fornyet interesse for den formelle balance og tilbageholdenhed i 1700-tallets klassiske musik førte i begyndelsen af ​​det 20. århundrede til udviklingen af ​​såkaldt nyklassisk stil, som talte Stravinsky og Prokofjev blandt sine fortalere, i det mindste på visse tidspunkter i deres karriere.

Klassiske instrumenter

Fortepiano af Paul McNulty efter Walter & Sohn, ca. 1805

Guitar

Barokguitaren, med fire eller fem sæt dobbeltstrenge eller "kurser" og omhyggeligt dekoreret lydhul, var et meget anderledes instrument end den tidlige klassiske guitar , som mere ligner det moderne instrument med standard seks strenge. At dømme efter antallet af instruktionsmanualer udgivet for instrumentet – over tre hundrede tekster blev udgivet af over to hundrede forfattere mellem 1760 og 1860 – markerede den klassiske periode en guldalder for guitaren.

Strenge

I barokken var der mere variation i de buede strengeinstrumenter, der blev brugt i ensembler, med instrumenter som viola d'amore og en række frettede violer , der spændte fra små violer til store basvioler. I den klassiske periode blev strygesektionen af ​​orkestret standardiseret som kun fire instrumenter:

  • Violin (i orkestre og kammermusik er der typisk første violiner og anden violiner, hvor førstnævnte spiller melodien og/eller en højere linje, og sidstnævnte spiller enten en modmelodi, en harmonistemme, en del under den første violinlinje i tonehøjde eller en akkompagnementslinje)
  • Bratsch (altstemmen i orkesterstrygesektionen og strygekvartetten; den udfører ofte "indre stemmer", som er akkompagnementslinjer, der udfylder stykkets harmoni )
  • Cello (celloen spiller to roller i klassisk musik; til tider bruges den til at spille stykkets baslinje , typisk fordoblet af kontrabasserne [Bemærk: Når celloer og kontrabasser læser den samme baslinje, spiller basserne en oktav under celloerne, fordi bassen er et transponerende instrument; og på andre tidspunkter fremfører den melodier og soloer i det nedre register)
  • Kontrabas (bassen udfører typisk de laveste tonehøjder i strygesektionen for at give baslinjen til stykket)

I barokken fik kontrabassisterne normalt ikke en særskilt rolle; i stedet spillede de typisk den samme basso continuo baslinje som celloer og andre lave instrumenter (f.eks. theorbo , slangeblæseinstrument , violer ), omend en oktav under celloerne, fordi kontrabassen er et transponerende instrument, der lyder en oktav lavere end det er skrevet. I den klassiske æra fortsatte nogle komponister med kun at skrive én basstemme til deres symfoni, kaldet "bassi"; denne bas blev spillet af cellister og kontrabassister. Under den klassiske æra begyndte nogle komponister at give kontrabasserne deres egen rolle.

Træblæsere

Percussion

Tastaturer

Messing

Se også

Noter

Yderligere læsning

eksterne links