Asiatisk kunsthistorie - History of Asian art

Li Cheng , buddhistisk tempel i bjergene , 11. århundrede, Kina, blæk på silke, Nelson-Atkins Museum of Art , Kansas City, Missouri

Den historie af asiatisk kunst omfatter en bred vifte af kunst fra forskellige kulturer, regioner og religioner i hele det asiatiske kontinent. De store regioner i Asien omfatter Central- , Øst- , Syd- , Sydøst- og Vestasien .

Centralasiatisk kunst består primært af værker af de tyrkiske folk i den eurasiske steppe , mens østasiatisk kunst omfatter værker fra Kina, Japan og Korea. Sydasiatisk kunst omfatter kunsten i det indiske subkontinent , med sydøstasiatisk kunst, herunder kunsten i Thailand, Laos, Vietnam, Indonesien og Filippinerne. Vestasiatisk kunst omfatter kunsten i Mellemøsten , herunder den gamle kunst i Mesopotamien , og blev for nylig domineret af islamisk kunst .

På mange måder er kunsthistorien i Asien parallel med udviklingen af vestlig kunst . Asiens og Europas kunsthistorier hænger stærkt sammen, idet asiatisk kunst i høj grad påvirker europæisk kunst og omvendt; kulturerne blandet gennem metoder som f.eks. silkevejstransmission af kunst , kulturel udveksling af opdagelsesalderen og koloniseringen og gennem internettet og moderne globalisering .

Eksklusive forhistoriske kunst , den kunst Mesopotamien repræsenterer de ældste former for kunst i Asien.

Centralasiatisk kunst

Kvindelig statue af BMAC (3.-2. Årtusinde f.Kr.), en græsk-baktrisk statuette fra Ai-Khanoum (2. århundrede f.Kr.), en statuette fra Kosh-Agach (8.-10. Århundrede e.Kr.).

Kunst i Centralasien er billedkunst skabt af de stort set tyrkiske folk i nutidens Kirgisistan , Kasakhstan , Usbekistan , Turkmenistan , Aserbajdsjan , Tadsjikistan , Mongoliet , Tibet , Afghanistan og Pakistan samt dele af Kina og Rusland. I de seneste århundreder har kunst i regionen været stærkt påvirket af islamisk kunst . Tidligere centralasiatisk kunst var påvirket af kinesisk, græsk og persisk kunst via Silk Road -transmissionen af ​​kunst .

Nomadisk folkekunst

Nomad Folkekunst fungerer som et vigtigt aspekt af centralasiatisk kunst. Kunsten afspejler kernen i livsstilen for nomadiske grupper, der bor i regionen. Man er nødt til at blive forbløffet over skønheden i halvædelsten, quilt, udskårne døre og broderede tæpper, som denne kunst afspejler.

Musik og musikinstrument

Centralasien er beriget med klassisk musik og instrumenter. Nogle af de berømte klassiske musikinstrumenter stammer fra den centralasiatiske region. Rubab , Dombra og Chang er nogle af de musikinstrumenter, der bruges i musikalsk kunst i Centralasien.

Genoplivning af centralasiatisk kunst

Centralasiatiske menneskers liv drejede sig om nomadisk livsstil. Derved er de fleste centralasiatiske kunstarter i den moderne tid også inspireret af nomadisk liv, der viser guldtiden. Faktisk fungerer berøring af tradition og kultur i centralasiatisk kunst som en stor attraktionsfaktor for de internationale kunstfora. Den globale anerkendelse over for den centralasiatiske kunst har helt sikkert øget sit værd.

Østasiatisk kunst

Kopi af et portræt af Zhao Mengfu (趙孟頫), Metropolitan Museum of Art

Kinesisk kunst

Kinesisk kunst (kinesisk: 中國 藝術/中国 艺术) har varieret gennem sin gamle historie , opdelt i perioder af de regerende dynastier i Kina og skiftende teknologi. Forskellige former for kunst er blevet påvirket af store filosoffer, lærere, religiøse figurer og endda politiske ledere. Kinesisk kunst omfatter kunst , folkekunst og performancekunst . Kinesisk kunst er kunst, hvad enten den er moderne eller gammel, der stammer fra eller praktiseres i Kina eller af kinesiske kunstnere eller kunstnere.

I Song -dynastiet var poesi præget af en lyrisk poesi kendt som Ci (詞), som udtrykte følelser af lyst, ofte i en adopteret person. Også i Song -dynastiet dukkede malerier op med mere subtilt udtryk af landskaber med slørede konturer og bjergkonturer, der formidlede afstand gennem en impressionistisk behandling af naturfænomener. Det var i denne periode, at der i maleriet blev lagt vægt på åndelige snarere end følelsesmæssige elementer, som i den foregående periode. Kunqu , den ældste eksisterende form for kinesisk opera udviklet under Song-dynastiet i Kunshan , nær nutidens Shanghai. I Yuan -dynastiet påvirkede maleri af den kinesiske maler Zhao Mengfu (趙孟頫) senere kinesisk landskabsmaleri, og Yuan -dynastiets opera blev en variant af kinesisk opera, der fortsætter i dag som kantonesisk opera .

Kinesisk maleri og kalligrafi kunst

Kinesisk maleri

Gongbi og Xieyi er to malestile i kinesisk maleri.

Gongbi betyder "omhyggelig", de rige farver og detaljer i billedet er dets hovedtræk, dets indhold skildrer hovedsageligt portrætter eller fortællinger. Xieyi betyder 'frihånd', dens form er ofte overdrevet og uvirkelig med vægt på forfatterens følelsesmæssige udtryk og bruges normalt til at skildre landskaber.

Ud over papir og silke er der også udført traditionelle malerier på væggene, f.eks. Mogao Grottoes i Gansu -provinsen. Den Dunhuang Mogao grotterne blev bygget i det nordlige Wei-dynastiet (386-534 e.Kr.). Den består af mere end 700 huler, hvoraf 492 huler har vægmalerier på væggene, i alt mere end 45.000 kvadratmeter. Vægmalerierne er meget brede i indhold, omfatter Buddha -statuer, paradis, engle, vigtige historiske begivenheder og endda donorer. Malestilen i den tidlige hule modtog indflydelse fra Indien og Vesten. Fra Tang -dynastiet (618–906 CE) begyndte vægmalerierne at afspejle den unikke kinesiske malestil.

Panorama over langs floden Under Qingming-festivalen , en gengivelse fra det 18. århundrede af originalen fra det 12. århundrede af den kinesiske kunstner Zhang Zeduan ; Bemærk: rulle starter fra højre

Kinesisk kalligrafi

Om kalligrafi af Mi Fu , Song -dynastiet

Den kinesiske kalligrafi kan spores tilbage til Dazhuan (stort seglskrift), der dukkede op i Zhou -dynastiet . Efter at kejser Qin forenede Kina, indsamlede og sammensatte premierminister Li Si Xiaozhuan (lille segl) som en ny officiel tekst. Det lille seglskrift er meget elegant, men svært at skrive hurtigt. I det østlige Han -dynasti begyndte en type script kaldet Lishu (Official Script) at stige. Fordi den ikke afslører cirkler og meget få buede linjer, er den meget velegnet til hurtig skrivning. Derefter er Kaishu -stilen (traditionelt almindeligt script) dukket op, og dens struktur er enklere og pænere, dette script er stadig meget udbredt i dag.

Gamle kinesiske kunsthåndværk

Blå og hvid porcelænsfad

Jade

Tidlig jade blev brugt som et ornament eller offerredskaber. Det tidligste kinesiske udskårne jadeobjekt dukkede op i Hemudu-kulturen i den tidlige neolitiske periode (ca. 3500-2000 fvt). Under Shang -dynastiet (ca. 1600–1046 f.Kr.) dukkede Bi (cirkulær perforeret jade) og Cong (firkantet jade -rør) op, som blev gættet som offerredskaber, der repræsenterede himlen og jorden. I Zhou -dynastiet (1046–256 fvt.), På grund af brugen af ​​højere hårdhedsgraveringsværktøjer, blev jades udskåret mere delikat og begyndte at blive brugt som vedhæng eller ornament i tøj. Jade blev anset for at være udødelig og kunne beskytte ejeren, så udskårne jadegenstande blev ofte begravet sammen med den afdøde, såsom en jadegravdrag fra graven til Liu Sheng, en prins af det vestlige Han-dynasti .

Porcelæn

Porcelæn er en slags keramik fremstillet af kaolin ved høj temperatur. Den tidligste keramik i Kina optrådte i Shang -dynastiet (ca. 1600–1046 f.Kr.). Og produktionen af ​​keramik lagde grunden til opfindelsen af ​​porcelæn. Historien om kinesisk porcelæn kan spores tilbage til Han -dynastiet (206 f.Kr. - 220 e.Kr.). I Tang -dynastiet blev porcelæn opdelt i celadon og hvidt porcelæn. I Song -dynastiet blev Jingdezhen valgt som det kongelige porcelænsproduktionscenter og begyndte at producere blåt og hvidt porcelæn.

Moderne kinesisk kunst

Efter afslutningen af ​​det sidste feudale dynasti i Kina , med fremkomsten af ​​den nye kulturelle bevægelse , begyndte kinesiske kunstnere at blive påvirket af vestlig kunst og begyndte at integrere vestlig kunst i kinesisk kultur. Påvirket af amerikansk jazz begyndte den kinesiske komponist Li Jinhui (kendt som faderen til kinesisk popmusik) at skabe og promovere populærmusik, hvilket gjorde en enorm sensation. I begyndelsen af ​​det 20. århundrede blev oliemalerier introduceret til Kina, og flere og flere kinesiske malere begyndte at røre vestlige maleteknikker og kombinere dem med traditionelt kinesisk maleri. I mellemtiden er en ny form for maleri, tegneserier, også begyndt at stige. Det var populært blandt mange mennesker og blev den mest overkommelige måde at underholde på det tidspunkt.

Tibetansk kunst

Jina Buddha Ratnasambhava, det centrale Tibet, Kadampa -klosteret, 1150–1225.

Tibetansk kunst refererer til kunsten i Tibet ( Tibet autonome region i Kina) og andre nuværende og tidligere Himalaya -kongeriger ( Bhutan , Ladakh , Nepal og Sikkim ). Tibetansk kunst er først og fremmest en form for hellig kunst , der afspejler den tibetanske buddhismes overordnede indflydelse på disse kulturer. Sandmandalaen ( Tib : kilkhor ) er en tibetansk buddhistisk tradition, der symboliserer tingenes forbigående natur. Som en del af buddhistisk kanon ses alt materielt som forbigående. En sandmandala er et eksempel på dette, da den først er blevet bygget, og dens ledsagende ceremonier og visning er færdig, ødelægges den systematisk .

Da Mahayana -buddhismen opstod som en separat skole i det 4. århundrede f.Kr., understregede den rollen som bodhisattvas , medfølende væsener, der opgiver deres personlige flugt til Nirvana for at hjælpe andre. Fra en tidlig tid var forskellige bodhisattvaer også emner for statuary art. Tibetansk buddhisme, som et afkom fra Mahayana -buddhismen, arvede denne tradition. Men den yderligere dominerende tilstedeværelse af Vajrayana (eller buddhistisk tantra) kan have haft en altoverskyggende betydning i den kunstneriske kultur. En almindelig bodhisattva afbildet i tibetansk kunst er guddommen Chenrezig (Avalokitesvara), der ofte skildres som en tusindarmet helgen med et øje i midten af ​​hver hånd, der repræsenterer den altseende seende medfølende, der hører vores anmodninger. Denne guddom kan også forstås som en Yidam , eller 'meditations -Buddha ' til Vajrayana -praksis.

Tibetansk buddhisme indeholder tantrisk buddhisme , også kendt som Vajrayana buddhisme for sin fælles symbolik for vajraen , diamant tordenbolten (kendt på tibetansk som dorje ). Det meste af den typiske tibetanske buddhistiske kunst kan ses som en del af udøvelsen af ​​tantra. Vajrayana -teknikker inkorporerer mange visualiseringer/fantasi under meditation, og det meste af den udførlige tantriske kunst kan ses som hjælpemidler til disse visualiseringer; fra repræsentationer af meditationsguddomme ( yidams ) til mandalas og alle former for rituelle redskaber.

I Tibet hugger mange buddhister mantraer ind i klipper som en form for hengivenhed.

Et visuelt aspekt af tantrisk buddhisme er den almindelige repræsentation af vredes guder , der ofte skildres med vrede ansigter, flammekredse eller med dødes kranier. Disse billeder repræsenterer beskyttere ( Skt . Dharmapala ) og deres frygtindgydende bærer tro på deres sande medfølende natur. Faktisk repræsenterer deres vrede deres dedikation til beskyttelsen af dharma -undervisningen såvel som til beskyttelsen af ​​den specifikke tantriske praksis for at forhindre korruption eller afbrydelse af praksis. De bruges vigtigst af alt som vredes psykologiske aspekter, der kan bruges til at erobre udøverens negative holdninger.

Historikere bemærker, at kinesisk maleri havde en dybtgående indflydelse på tibetansk maleri generelt. Fra det 14. og 15. århundrede havde tibetansk maleri inkorporeret mange elementer fra kineserne, og i løbet af 1700-tallet havde kinesisk maleri en dyb og vidtstrakt indvirkning på tibetansk billedkunst. Ifølge Giuseppe Tucci , på tidspunktet for Qing -dynastiet, "blev der så udviklet en ny tibetansk kunst, som i en vis forstand var et provinsielt ekko af det kinesiske 1700 -tals jævn udsmykkede præcision."

Japansk kunst

Fire fra et sæt på seksten glideværelsesskillevægge ( Birds and Flower of the Four Seasons ) lavet til en japansk abbed fra 1500-tallet. Typisk for senere japanske landskaber er hovedfokus på en funktion i forgrunden.

Japansk kunst og arkitektur er kunstværker produceret i Japan fra begyndelsen på menneskelig beboelse der, engang i det 10. årtusinde f.Kr., til i dag. Japansk kunst dækker en lang række kunststile og medier, herunder ældgamelt keramik, skulptur i træ og bronze, blækmaleri på silke og papir og et utal af andre typer kunstværker; fra oldtiden til det nutidige 21. århundrede.

Kunstformen steg til stor popularitet i storbykulturen i Edo (Tokyo) i anden halvdel af 1600-tallet, med oprindelse i Hishikawa Moronobus enkeltfarvede værker i 1670'erne. Først blev der kun brugt blæk fra Indien , derefter blev nogle udskrifter manuelt farvet med en pensel, men i det 18. århundrede udviklede Suzuki Harunobu teknikken til polykrom udskrivning til fremstilling af nishiki-e .

Hiroshige , sne der falder på en by , ca. 1833, ukiyo-e print

Japansk maleri (絵 画, Kaiga ) er en af ​​de ældste og mest raffinerede af de japanske kunstarter , der omfatter en lang række genrer og stilarter. Som med historien om japansk kunst generelt, er det japanske maleris historie en lang historie med syntese og konkurrence mellem indfødt japansk æstetik og tilpasning af importerede ideer.

Maleriets oprindelse stammer langt tilbage fra Japans forhistoriske periode . Enkle pindfigurer og geometriske designs kan findes på Jōmon -periodeens keramik og Yayoi -perioden (300 f.Kr. - 300 e.Kr.) dōtaku bronzeklokker . Der er fundet vægmalerier med både geometriske og figurative designs i talrige tumulus fra Kofun -perioden (300–700 e.Kr.).

Gammel japansk skulptur stammer for det meste fra idol tilbedelse i buddhismen eller animistiske ritualer af shinto -guddom. Især skulptur blandt alle kunstarter blev mest stærkt centreret omkring buddhismen. Materialer, der traditionelt blev brugt, var metal - især bronze - og mere almindeligt træ, ofte lakeret , forgyldt eller lyst malet. Ved afslutningen af Tokugawa -perioden var sådan en traditionel skulptur - bortset fra miniaturiserede værker - stort set forsvundet på grund af tabet af protektion fra buddhistiske templer og adelen.

Ukiyo , der betyder "flydende verden", refererer til den heftige unge kultur, der blomstrede i bymidterne i Edo (nutidens Tokyo), Osaka og Kyoto, der var en verden for sig selv. Det er en ironisk hentydning til det homofoniske udtryk "Sorrowful World" (憂 き 世), det jordiske plan for død og genfødsel, som buddhister søgte frigivelse fra.

Koreansk kunst

Jeong Seon , General View of Mt. Geumgang (금강 전도, 金剛 全 圖), Korea, c.1734

Koreansk kunst er kendt for sine traditioner inden for keramik, musik, kalligrafi, maleri, skulptur og andre genrer, ofte præget af brug af fed farve, naturlige former, præcis form og skala og overflade dekoration.

Selvom der er klare og tydelige forskelle mellem tre uafhængige kulturer, er der betydelige og historiske ligheder og interaktioner mellem Korea , Kina og Japans kunst .

Studiet og påskønnelsen af koreansk kunst er stadig på et dannelsesstadium i Vesten. På grund af Koreas position mellem Kina og Japan blev Korea betragtet som en ren kanal af kinesisk kultur til Japan. Nylige forskere er imidlertid begyndt at anerkende Koreas egen unikke kunst, kultur og vigtige rolle i ikke kun at overføre kinesisk kultur, men også at assimilere den og skabe en unik kultur. En kunst født og udviklet af en nation er dens egen kunst.

Generelt er historien om koreansk maleri dateret til cirka 108 e.Kr., da det første gang fremstår som en uafhængig form. Mellem den tid og de malerier og kalkmalerier, der vises på Goryeo -dynastiets grave, har der været lidt forskning. Det er tilstrækkeligt at sige, at indtil Joseon -dynastiet var den primære indflydelse kinesisk maleri, men skabt med koreanske landskaber, ansigtstræk, buddhistiske emner og vægt på himmelsk observation i overensstemmelse med den hurtige udvikling af koreansk astronomi.

Gennem historien om koreansk maleri har der været en konstant adskillelse af monokratiske værker af sort pensel på meget ofte morbærpapir eller silke; og den farverige folkekunst eller min-hwa , rituelle kunst, gravmalerier og festivalkunster, der havde omfattende brug af farver.

Denne sondring var ofte klassebaseret: lærde, især inden for konfuciansk kunst, mente, at man kunne se farve i monokromatiske malerier inden for graderingerne og mente, at den faktiske brug af farve forstærkede malerierne og begrænsede fantasien. Koreansk folkekunst og maleri af arkitektoniske rammer blev set som at lysne visse udvendige trærammer, og igen inden for traditionen med kinesisk arkitektur, og de tidlige buddhistiske påvirkninger af voldsomme rige thalo og primære farver inspireret af Art of India .

Samtidskunst i Korea: Det første eksempel på oliemaleri i vestlig stil i koreansk kunst var i selvportrætterne af den koreanske kunstner Ko Hu i-dong (1886–1965). Kun tre af disse værker er stadig tilbage i dag. disse selvportrætter giver en forståelse af medie, der rækker langt ud over bekræftelsen af ​​stilistisk og kulturel forskel. I begyndelsen af ​​det tyvende århundrede havde beslutningen om at male med olie og lærred i Korea to forskellige fortolkninger. Den ene er en følelse af oplysning på grund af vestlige ideer og kunststile. Denne oplysning stammer fra en intellektuel bevægelse i det syttende og attende århundrede. Ko havde malet med denne metode i en periode med Japans annektering af Korea. I løbet af denne tid hævdede mange, at hans kunst kunne have været politisk, men han erklærede selv, at han var en kunstner og ikke en politiker. Ko udtalte "Mens jeg var i Tokyo, skete der en meget nysgerrig ting. På det tidspunkt var der færre end hundrede koreanske studerende i Tokyo. Vi drak alle sammen den nye luft og gik i gang med nye studier, men der var nogle, der spottede min valg om at studere kunst. En nær ven sagde, at det ikke var rigtigt for mig at studere maleri i en tid som denne. "

Koreansk keramik blev anerkendt allerede i 6000 fvt. Denne keramik blev også omtalt som kam-mønstret keramik på grund af de dekorative linjer udskåret på ydersiden. de tidlige koreanske samfund var hovedsageligt afhængige af fiskeri. Så de brugte keramikken til at opbevare fisk og andre ting, der blev indsamlet fra havet, såsom skaldyr. Keramik havde to regionale regionale forskelle. Dem fra østkysten har en tendens til at have en flad base, mens keramik på sydkysten havde en rund base.

Sydasiatisk kunst

Buddhistisk kunst

Mandala of Chandra, Moon of Moon , Nepal (Kathmandu Valley) via Metropolitan Museum of Art

Buddhistisk kunst opstod i det indiske subkontinent i århundrederne efter den historiske Gautama Buddhas liv i det 6. til 5. århundrede fvt, før den udviklede sig gennem sin kontakt med andre kulturer og dens spredning gennem resten af ​​Asien og verden. Buddhistisk kunst rejste med troende, da dharmaen spredte sig, tilpassede og udviklede sig i hvert nyt værtsland. Det udviklede sig mod nord gennem Centralasien og ind i Østasien for at danne den nordlige gren af ​​buddhistisk kunst og mod øst til Sydøstasien for at danne den sydlige gren af ​​buddhistisk kunst. I Indien blomstrede buddhistisk kunst og påvirkede endda udviklingen af hinduistisk kunst, indtil buddhismen næsten forsvandt i Indien omkring det 10. århundrede e.Kr. på grund af den kraftige udvidelse af islam sammen med hinduismen .

En almindelig visuel enhed i buddhistisk kunst er mandalaen . Fra en seers perspektiv repræsenterer det skematisk det ideelle univers. I forskellige åndelige traditioner kan mandalas bruges til at fokusere aspiranter og adeptes opmærksomhed, et åndeligt undervisningsværktøj, til etablering af et helligt rum og som et hjælpemiddel til meditation og transinduktion . Dens symbolske natur kan hjælpe en "til at få adgang til gradvist dybere niveauer af det ubevidste og i sidste ende hjælpe meditatoren til at opleve en mystisk følelse af enhed med den ultimative enhed, hvorfra kosmos i alle sine mangfoldige former opstår." Den psykoanalytiker Carl Jung så mandala som "en repræsentation af midten af det ubevidste selv" og troede hans malerier af mandalas gjorde ham i stand til at identificere følelsesmæssige forstyrrelser og arbejde hen imod helhed i personlighed.

Bhutansk kunst

Bhutanesisk thanksa fra Mount Meru og det buddhistiske univers, 1800 -tallet , Trongsa Dzong , Trongsa, Bhutan

Bhutansk kunst ligner kunsten i Tibet . Begge er baseret på Vajrayana -buddhismen med dens panteon af guddommelige væsener.

Buddhismens største ordener i Bhutan er Drukpa Kagyu og Nyingma . Førstnævnte er en gren af Kagyu -skolen og er kendt for malerier, der dokumenterer afstamningen af ​​buddhistiske mestre og de 70 Je Khenpo (ledere for det bhutanske klosteranlæg). Nyingma -ordenen er kendt for billeder af Padmasambhava , der krediteres med at have introduceret buddhismen i Bhutan i det 7. århundrede. Ifølge legenden skjulte Padmasambhava hellige skatte, som fremtidige buddhistiske mestre, især Pema Lingpa , skulle finde. De skattekister finderne ( tertön ) er også hyppige emner af Nyingma teknik.

Hvert guddommeligt væsen tildeles særlige former, farver og/eller identificerende objekter, såsom lotus, konkylie, tordenbolt og tiggerskål. Alle hellige billeder er lavet til præcise specifikationer, der har været bemærkelsesværdigt uændrede i århundreder.

Bhutansk kunst er særligt rig på bronzer af forskellig art, der samlet er kendt under navnet Kham-so (fremstillet i Kham ), selvom de er fremstillet i Bhutan, fordi teknikken til fremstilling oprindeligt blev importeret fra den østlige provins i Tibet kaldet Kham . Vægmalerier og skulpturer i disse regioner er formuleret på de vigtigste tidløse idealer for buddhistiske kunstformer. Selvom deres vægt på detaljer stammer fra tibetanske modeller, kan deres oprindelse let skelnes på trods af de voldsomt broderede beklædningsgenstande og glitrende ornamenter, som disse figurer er overdådigt dækket med. I dæmonernes groteske verden havde kunstnerne tilsyneladende større handlefrihed end når de modellerede billeder af guddommelige væsener.

Bhutans kunst og kunsthåndværk, der repræsenterer den eksklusive "ånd og identitet i Himalaya -riget ", defineres som Zorig Chosums kunst , hvilket betyder "tretten kunst og kunsthåndværk i Bhutan"; de tretten håndværk er tømrerarbejde, maleri, papirfremstilling, smedearbejde, vævning, skulptur og mange andre håndværk. Institute of Zorig Chosum i Thimphu er den førende institution for traditionel kunst og kunsthåndværk oprettet af regeringen i Bhutan med det ene formål at bevare den rige kultur og tradition i Bhutan og oplære studerende i alle traditionelle kunstformer; der er en anden lignende institution i det østlige Bhutan kendt som Trashi Yangtse. Det bhutanske liv i landdistrikterne vises også i ' Folk Heritage Museum ' i Thimphu. Der er også et 'Voluntary Artists Studio' i Thimphu for at opmuntre og fremme kunstformerne blandt Thimphus unge. De tretten kunsthåndværk i Bhutan og institutionerne etableret i Thimphu for at fremme disse kunstformer er:

Indisk kunst

Balustrade-holdende Yaksha , Madhya Pradesh, Indien, Shunga-perioden (2. – 1. århundrede f.Kr. ). Musée Guimet .
Fresco fra Ajanta Caves , ca. 450–500

Indisk kunst kan klassificeres i bestemte perioder, der hver afspejler visse religiøse, politiske og kulturelle udviklinger. De tidligste eksempler er helleristningerne som dem, der findes i Bhimbetka , nogle af dem stammer fra før 5500 f.Kr. Produktionen af ​​sådanne værker fortsatte i flere årtusinder.

Kunsten i Indus Valley Civilization fulgte. Senere eksempler omfatter de udskårne søjler i Ellora , staten Maharashtra . Andre eksempler er kalkmalerierne i Ajanta og Ellora Caves .

Mughal -imperiets bidrag til indisk kunst omfatter Mughal -maleri , en stil af miniaturemaleri stærkt påvirket af persiske miniaturer og Mughal -arkitektur .

Under britiske Raj , moderne indisk maleri udviklet sig som et resultat af at kombinere traditionelle indiske og europæiske stilarter. Raja Ravi Varma var en pioner i denne periode. Den bengalske skole for kunst udviklet i løbet af denne periode, ledet af Abanidranath Tagore , Gaganendranath Tagore , Jamini Roy , Mukul Dey og Nandalal Bose .

En af de mest populære kunstformer i Indien hedder Rangoli . Det er en form for sandmalingsdekoration, der bruger fintmalet hvidt pulver og farver, og bruges almindeligt uden for hjem i Indien.

Billedkunsten (skulptur, maleri og arkitektur) er tæt forbundet med den ikke-visuelle kunst. Ifølge Kapila Vatsyayan , "Klassisk indisk arkitektur, skulptur, maleri, litteratur (kaavya), musik og dans udviklede deres egne regler betinget af deres respektive medier, men de delte med hinanden ikke kun de underliggende åndelige overbevisninger fra den indiske religionsfilosofiske sind, men også de procedurer, ved hvilke relationerne mellem symbolet og de åndelige tilstande blev udarbejdet i detaljer. "

Indblik i de unikke kvaliteter ved indisk kunst opnås bedst ved at forstå kunstfilosofiens tankegang, den brede kulturhistorie, sociale, religiøse og politiske baggrund for kunstværkerne.

Specifikke perioder:

  • Hinduisme og buddhisme i den antikke periode (3500 fvt. - nu)
  • Islamisk opstigning (712–1757 CE )
  • Kolonialtiden (1757–1947)
  • Moderne og postmoderne kunst i Indien
  • Uafhængighed og den postkoloniale periode (Post-1947)

Nepalesisk kunst

Den gamle og raffineret traditionel kultur af Kathmandu , for den sags skyld i hele Nepal , er en uafbrudt og enestående møde i hinduistiske og buddhistiske etos praktiseres af sin meget religiøse mennesker. Det har også i sin fold omfavnet den kulturelle mangfoldighed, der tilbydes af de andre religioner som jainisme , islam og kristendom .

Sydøstasiatisk kunst

Cambodiansk kunst

Stenudskæring i Banteay Srei ( Angkor )

Cambodiansk kunst og kulturen i Cambodja har haft en rig og varieret historie, der går mange århundreder tilbage og har været stærkt påvirket af Indien . Til gengæld påvirkede Cambodja i høj grad Thailand , Laos og omvendt. Gennem Cambodjas lange historie var en vigtig inspirationskilde fra religion. Gennem næsten to årtusinder udviklede en cambodjanere en enestående Khmer -tro fra synkretismen af ​​indfødte animistiske overbevisninger og de indiske religioner buddhisme og hinduisme . Indisk kultur og civilisation, herunder dets sprog og kunst, nåede fastlandet Sydøstasien omkring det 1. århundrede CE. Det menes generelt, at søfarende købmænd bragte indisk skik og kultur til havne langs Thailands golf og Stillehavet, mens de handlede med Kina. Den første stat, der fik fordel af dette, var Funan . På forskellige tidspunkter absorberede Cambodjas kultur også elementer fra javanesisk , kinesisk , lao og thailandsk kultur.

Billedkunst i Cambodja

Stenbasrelief ved Bayon- templet, der skildrer Khmer- hæren i krig med Cham , udskåret ca. 1200 CE

Historien om billedkunst i Cambodja strækker sig århundreder tilbage til gammelt håndværk; Khmer -kunst nåede sit højdepunkt i Angkor -perioden. Traditionelle cambodjanske håndværk indbefatter tekstiler, ikke-tekstil vævning , silversmithing , sten udskæring , lacquerware , keramik , wat vægmalerier , og kite -gør. Begyndende i midten af ​​det 20. århundrede begyndte en tradition for moderne kunst i Cambodja, men i det senere 20. århundrede faldt både traditionel og moderne kunst af flere årsager, herunder drabet på kunstnere af Røde Khmer . Landet har oplevet en nylig kunstnerisk genoplivning på grund af øget støtte fra regeringer, NGO'er og udenlandske turister.

Khmer -skulptur refererer til stenskulpturen i Khmer -imperiet , der styrede et område baseret på moderne Cambodja, men ret større, fra det 9. til det 13. århundrede. De mest berømte eksempler findes i Angkor , der fungerede som imperiets sæde.

I det 7. århundrede begynder Khmer-skulpturen at glide væk fra dens hinduistiske påvirkninger-pre-Gupta for de buddhistiske figurer, Pallava for hinduistiske figurer-og gennem konstant stilistisk udvikling kommer den til at udvikle sin egen originalitet, som i det 10. århundrede kan betragtes som fuldstændig og absolut. Khmer -skulpturen går snart ud over religiøs repræsentation, hvilket næsten bliver et påskud for at skildre hoffigurer i guder og gudinder. Men derudover kommer det også til at udgøre et middel og mål i sig selv for udførelsen af ​​stilistisk forfining, ligesom en slags testplads. Vi har allerede set, hvordan den sociale kontekst i Khmer -kongeriget udgør en anden nøgle til forståelse af denne kunst. Men vi kan også forestille os, at på et mere eksklusivt niveau var små grupper af intellektuelle og kunstnere på arbejde, der konkurrerede indbyrdes om mestring og forfining, da de forfulgte en hypotetisk perfektion af stil.

Lettelse fra Angkor

Guderne, vi finder i Khmer -skulpturen, er de af de to store religioner i Indien, buddhisme og hinduisme . Og de er altid repræsenteret med stor ikonografisk præcision, hvilket tydeligt angiver, at lærde præster overvågede udførelsen af ​​værkerne. Ikke desto mindre, i modsætning til de hinduistiske billeder, der gentager en idealiseret stereotype, behandles disse billeder med stor realisme og originalitet, fordi de skildrer levende modeller: kongen og hans hof. Khmer -kunstens sande sociale funktion var faktisk forherligelsen af aristokratiet gennem disse gudebilleder, der er legemliggjort i fyrsterne. Faktisk krævede kulten af ​​"deva-raja" udviklingen af ​​en særdeles aristokratisk kunst, hvor folket skulle se det håndgribelige bevis på suverænens guddommelighed, mens aristokratiet nød at se sig selv-hvis det er sandt, i idealiseret form - udødeliggjort i pragt af indviklede udsmykninger, elegante kjoler og ekstravagante smykker.

Skulpturerne er beundringsværdige billeder af en gud, kongelige og imponerende tilstedeværelser, men ikke uden feminin sensualitet, får os til at tænke på vigtige personer ved domstolene, personer med betydelig magt. Kunstnerne, der skulpturerede stenene, opfyldte uden tvivl de primære mål og forudsætninger, som de personer, der bestilte dem, krævede. Skulpturerne repræsenterer den valgte guddommelighed på den ortodokse måde og lykkes med stor dygtighed og ekspertise at skildre høje figurer fra domstolene i al deres pragt, i påklædningen, udsmykningerne og smykkerne af en sofistikeret skønhed.

Indonesisk kunst

Balinesisk maleri af prins Panji, der møder tre kvinder i junglen

Indonesisk kunst og kultur er blevet formet af lang interaktion mellem oprindelige oprindelige skikke og flere udenlandske påvirkninger. Indonesien er centralt langs gamle handelsruter mellem Fjernøsten og Mellemøsten, hvilket resulterer i, at mange kulturelle praksisser bliver stærkt påvirket af et væld af religioner , herunder hinduisme , buddhisme , konfucianisme og islam, der alle er stærke i de store handelsbyer. Resultatet er en kompleks kulturblanding, der er meget forskellig fra de oprindelige oprindelige kulturer. Indonesien er ikke generelt kendt for malerier bortset fra de indviklede og udtryksfulde balinesiske malerier, der ofte udtrykker naturlige scener og temaer fra de traditionelle danse.

Kenyah vægmaleri i Long Nawang, East Kalimantan .

Andre undtagelser omfatter indfødte Kenyah -malingsdesign baseret på, som almindeligt forekommende blandt austronesiske kulturer, endemiske naturlige motiver som bregner, træer, hunde, hornbills og menneskelige figurer. Disse er stadig til at dekorere væggene i Kenyah Dayak langhuse i East Kalimantans Apo Kayan -region.

Indonesien har en lang bronze- og jernalder , men kunstformen blomstrede især fra det 8. århundrede til det 10. århundrede, både som enkeltstående kunstværker og også inkorporeret i templer.

Reliefskulptur fra Borobudur -templet, ca. 760–830 e.Kr.

Mest bemærkelsesværdig er de hundredvis af meter reliefskulptur i templet Borobudur i det centrale Java . Cirka to miles af udsøgt reliefskulptur fortæller historien om Buddhas liv og illustrerer hans lære. Templet var oprindeligt hjemsted for 504 statuer af den siddende Buddha. Dette websted, som med andre i det centrale Java, viser en klar indisk indflydelse.

Kalligrafi, hovedsagelig baseret på Koranen , bruges ofte som dekoration, da islam forbyder naturalistiske skildringer. Nogle udenlandske malere har også bosat sig i Indonesien . Moderne indonesiske malere bruger en lang række stilarter og temaer.

Balinesisk kunst

Balinesisk maleri af Ramayana -scenen fra Kerta Gosha, der skildrer Rama versus Dasamukha (Ravana).

Balinesisk kunst er kunst af hinduistisk - javansk oprindelse, der voksede fra værkerne fra håndværkerne i Majapahit Kingdom , med deres ekspansion til Bali i slutningen af ​​1200 -tallet. Fra det 16. til det 20. århundrede var landsbyen Kamasan, Klungkung (østlige Bali), centrum for klassisk balinesisk kunst. I løbet af den første del af det 20. århundrede udviklede nye sorter af balinesisk kunst sig. Siden slutningen af ​​det tyvende århundrede har Ubud og dets nabolandsbyer etableret et ry som centrum for balinesisk kunst. Ubud og Batuan er kendt for deres malerier, Mas for deres træskæringer, Celuk for guld og sølvsmede og Batubulan for deres stenudskæringer. Covarrubias beskriver balinesisk kunst som, "... en højt udviklet, om end uformel barok -folkekunst, der kombinerer bondens livlighed med forfining af klassicisme i hinduisistisk Java, men fri for de konservative fordomme og med en ny vitalitet affyret af den overdrevne den tropiske primitives dæmoniske ånd ". Eiseman påpegede korrekt, at balinesisk kunst faktisk er hugget, malet, vævet og forberedt til genstande beregnet til daglig brug snarere end som genstand for kunst.

I 1920'erne, med ankomsten af ​​mange vestlige kunstnere, blev Bali en kunstnerenklave (som Tahiti var for Paul Gauguin ) for avantgarde-kunstnere som Walter Spies (tysk), Rudolf Bonnet (hollandsk), Adrien-Jean Le Mayeur ( Belgisk), Arie Smit (hollandsk) og Donald Friend (australier) i de senere år. De fleste af disse vestlige kunstnere havde meget ringe indflydelse på balineserne indtil perioden efter Anden Verdenskrig, selvom nogle beretninger overbetonede den vestlige tilstedeværelse på bekostning af anerkendelse af balinesisk kreativitet.

Denne banebrydende kreativitetsperiode nåede et højdepunkt i slutningen af ​​1930'erne. En strøm af berømte besøgende, herunder Charlie Chaplin og antropologerne Gregory Bateson og Margaret Mead , opmuntrede de talentfulde lokale til at skabe yderst originale værker. Under deres ophold på Bali i midten af ​​1930'erne samlede Bateson og Mead over 2000 malerier, overvejende fra landsbyen Batuan, men også fra kystlandsbyen Sanur. Blandt vestlige kunstnere krediteres Spies og Bonnet ofte for moderniseringen af ​​traditionelle balinesiske malerier. Fra 1950'erne og fremefter indarbejdede Baliese -kunstnere aspekter af perspektiv og anatomi fra disse kunstnere. Endnu vigtigere fungerede de som agenter for forandring ved at opmuntre til eksperimentering og fremmede afvigelser fra traditionen. Resultatet var en eksplosion af individuelt udtryk, der øgede forandringshastigheden i balinesisk kunst.

Laotisk kunst

Lan Xang bronze Buddha, 17. århundrede Laos
Stenudskæringer , kaldet Chaityas , set selv i gadehjørner og gårde i Kathmandu

Laotisk kunst omfatter keramik , lao -buddhistisk skulptur og lao -musik .

Lao buddhistiske skulpturer blev skabt i et stort udvalg af materialer, herunder guld, sølv og oftest bronze . Mursten og mørtel var også et medium, der blev brugt til kolossale billeder, et berømt af disse er billedet af Phya Vat (16. århundrede) i Vientiane , selvom en renovering fuldstændigt ændrede skulpturens udseende, og det ikke længere ligner en Lao Buddha . Træ er populært for små, votive buddhistiske billeder, der ofte efterlades i huler. Træ er også meget almindeligt for store stående billeder af Buddha i naturlig størrelse. De mest berømte to skulpturer udskåret i halvædelsten er Phra Keo (The Emerald Buddha ) og Phra Phuttha Butsavarat. Phra Keo, der sandsynligvis er af Xieng Sen ( Chiang Saen ) oprindelse, er hugget ud af en solid jadeblok. Den hvilede i Vientiane i to hundrede år, før siameserne bar den med som bytte i slutningen af ​​1700 -tallet. I dag fungerer det som palladium i Kongeriget Thailand og bor på Grand Palace i Bangkok. Phra Phuttha Butsavarat er ligesom Phra Keo også nedfældet i sit eget kapel ved Grand Palace i Bangkok. Før siameserne greb det i begyndelsen af ​​1800 -tallet, var dette krystalbillede palladium i Laos kongerige Champassack .

Mange smukke lao -buddhistiske skulpturer er hugget lige ind i Pak Ou -hulerne . I nærheden af Pak Ou (mundingen af ​​Ou -floden) er Tham Ting (nedre hule) og Tham Theung (øvre grotte) i nærheden af Luang Prabang , Laos. De er en storslået gruppe huler, der kun er tilgængelige med båd, cirka to timer opstrøms fra centrum af Luang Prabang , og som for nylig er blevet mere kendt og besøgt af turister. Grotterne er kendt for deres imponerende buddhistiske og lao -stil skulpturer hugget ind i hulens vægge, og hundredvis af kasserede buddhistiske figurer lagt ud over gulve og væghylder. De blev sat der, da deres ejere ikke ønskede at ødelægge dem, så der foretages en vanskelig rejse til hulerne for at placere deres uønskede statue der.

Thai kunst

Buen af Royal Barge Suphannahong i Thailand.

Thai kunst og billedkunst var traditionelt og primært buddhistisk og kongelig kunst. Skulpturen var næsten udelukkende af Buddha -billeder , mens maleriet var begrænset til illustration af bøger og dekoration af bygninger, primært paladser og templer. Thai Buddha -billeder fra forskellige perioder har en række særprægede stilarter. Moderne thailandsk kunst kombinerer ofte traditionelle thailandske elementer med moderne teknikker.

Traditionelle thailandske malerier viste emner i to dimensioner uden perspektiv . Størrelsen af ​​hvert element i billedet afspejlede dets grad af betydning. Den primære kompositionsteknik er fordeling af områder: hovedelementerne er isoleret fra hinanden af ​​rumtransformatorer. Dette eliminerede den mellemliggende grund, som ellers ville indebære perspektiv. Perspektiv blev kun introduceret som et resultat af vestlig indflydelse i midten af ​​1800-tallet.

De hyppigste narrative emner for malerier var eller er: Jataka -historierne, episoder fra Buddhas liv , de buddhistiske himle og helvede og scener i dagligdagen.

Sukhothai -perioden begyndte i 1300 -tallet i Sukhothai -riget . Buddhabilleder fra Sukhothai -perioden er elegante med bugtede kroppe og slanke, ovale ansigter. Denne stil understregede Buddhas åndelige aspekt ved at udelade mange små anatomiske detaljer. Effekten blev forstærket af den almindelige praksis med at støbe billeder i metal frem for at skære dem. Denne periode introducerede "walking Buddha" -posen.

Sukhothai -kunstnere forsøgte at følge de kanoniske definerende mærker for en Buddha, som de er beskrevet i gamle Pali -tekster:

  • Huden er så glat, at støv ikke kan klæbe til den;
  • Ben som et rådyr;
  • Lår som et banyantræ ;
  • Skulder så massive som en elefants hoved;
  • Arme runde som en elefants stamme og lange nok til at røre ved knæene;
  • Hænder som lotusblomster er ved at blomstre;
  • Fingerspidserne vendte tilbage som kronblade;
  • hoved som et æg;
  • Hår som skorpionstikkere;
  • Hage som en mangosten;
  • Næse som en papegøjes næb;
  • Earobes forlænget af øreringe af royalty;
  • Øjenvipper som en ko;
  • Øjenbryn som tegnede buer.

Sukhothai producerede også en stor mængde glaseret keramik i Sawankhalok -stil, som blev handlet i hele Sydøstasien.

Vietnamesisk kunst

Ngoc Lu bronze tromles overflade, 2. til 3. århundrede fvt

Vietnamesisk kunst er fra en af ​​de ældste af sådanne kulturer i regionen Sydøstasien. En rig kunstnerisk arv, der stammer fra forhistorisk tid og omfatter: silkemaleri, skulptur, keramik, keramik, træstensprint, arkitektur, musik, dans og teater.

Tô Ngọc Vân, Thiếu nữ bên hoa huệ (Ung kvinde med lilje) , 1943, olie

Traditionel vietnamesisk kunst er kunst, der udøves i Vietnam eller af vietnamesiske kunstnere, fra oldtiden (herunder de udførlige Đông Sơn-trommer ) til efterkinesisk dominans- kunst, der var stærkt påvirket af kinesisk buddhistisk kunst , blandt andre filosofier som taoisme og konfucianisme . Kunsten Champa og fransk kunst spillede også en mindre rolle senere.

Den kinesiske indflydelse på vietnamesisk kunst strækker sig til vietnamesisk keramik og keramik , kalligrafi og traditionel arkitektur. I øjeblikket har vietnamesiske lakmalerier vist sig at være ret populære.

Den Nguyễn dynasti , den sidste regerende dynasti af Vietnam (c. 1802-1945), så en fornyet interesse for keramik og porcelæn kunst. Kejserlige domstole i hele Asien importerede vietnamesisk keramik.

På trods af hvor højt udviklet scenekunsten (såsom kejserlig hofmusik og dans) blev under Nguyễn -dynastiet, ser nogle andre kunstområder som begyndt at falde i løbet af den sidste del af Nguyễn -dynastiet.

Fra 1800 -tallet spredte moderne kunst og fransk kunstnerisk indflydelse sig til Vietnam. I begyndelsen af ​​det 20. århundrede blev École Supérieure des Beaux Arts de l'Indochine (Indochina College of Arts) grundlagt for at undervise i europæiske metoder og udøvede indflydelse mest i de større byer, såsom Hanoi og Ho Chi Minh City .

Rejsebegrænsninger pålagt vietnameserne under Frankrigs 80-årige styre i Vietnam og den lange periode med krig om national uafhængighed betød, at meget få vietnamesiske kunstnere var i stand til at træne eller arbejde uden for Vietnam. Et lille antal kunstnere med velhavende baggrunde havde mulighed for at tage til Frankrig og gøre deres karriere der for det meste. Eksempler omfatter Le Thi Luu, Le Pho, Mai Trung Thu, Le Van De, Le Ba Dang og Pham Tang.

Moderne vietnamesiske kunstnere begyndte at udnytte franske teknikker med mange traditionelle medier, såsom silke, lak osv., Hvilket skabte en unik blanding af østlige og vestlige elementer.

Vietnamesisk kalligrafi

Kalligrafi har haft en lang historie i Vietnam, tidligere brugte Chữ Hán sammen med Chữ Nôm . De fleste moderne vietnamesiske kalligrafi bruger i stedet den romerske karakterbaserede Chữ Quốc Ngữ , som har vist sig at være meget populær.

Tidligere, hvor læsefærdigheder i de gamle karakterbaserede skrivesystemer i Vietnam var begrænset til lærde og eliter, spillede kalligrafi alligevel stadig en vigtig rolle i vietnamesisk liv. Ved særlige lejligheder som månens nytår gik folk til landsbyens lærer eller lærde for at få dem til at hænge et kalligrafi (ofte poesi, folkesagn eller endda enkelte ord). Mennesker, der ikke kunne læse eller skrive, pålagde også ofte forskere at skrive bønner, som de ville brænde ved tempelhelligdomme.

Filippinsk kunst

Madonna med Child ivory statue.
Lila kirkes loftsmalerier.

Den tidligste kendte filippinske kunst er klippekunsten, hvor den ældste er Angono helleristninger , lavet i den yngre stenalder, dateret mellem 6000 og 2000 f.Kr. Ristningerne blev muligvis brugt som en del af en gammel helbredelsespraksis for syge børn. Dette blev efterfulgt af Alab Petroglyphs , dateret senest 1500 f.Kr., som udviste symboler på frugtbarhed såsom en pudenda. Rockklassen er petrografer, herunder kulsten fra Peñablanca , kulsten fra Singnapan , rød hæmatitkunstAnda og den nyligt opdagede rockart fra Monreal (Ticao) , der viser aber, menneskelige ansigter, orme eller slanger, planter , guldsmede og fugle. Mellem 890 og 710 f.Kr. blev Manunggul -krukken fremstillet i det sydlige Palawan . Det fungerede som en sekundær gravkrukke, hvor topdækslet skildrer sjælens rejse ind i efterlivet gennem en båd med en psykopomp . I 100 f.Kr. blev Kabayan Mummy Burial Caves skåret fra et bjerg. Mellem 5 f.Kr.-225 e.Kr. blev Maitum antropomorfe keramik skabt i Cotabato. Håndværket var sekundære gravkrukker med mange afbildende menneskelige hoveder, hænder, fødder og bryst.

I det 4. århundrede e.Kr., og sandsynligvis før det, har gamle mennesker fra Filippinerne lavet gigantiske krigsskibe, hvor de tidligste kendte arkæologiske beviser er blevet udgravet fra Butuan , hvor skibet blev identificeret som en balangay og dateret til 320 e.Kr. Den ældste, i øjeblikket fundet, artefakt med et skriftligt script på er Laguna Copperplate Inscription , dateret 900 e.Kr. Pladen diskuterer betaling af en gæld. Den Butuan Ivory Seal er den tidligst kendte elfenben kunst i landet, dateret mellem den 9. til 12. århundrede e.Kr.. Seglet indeholder udskæringer af et gammelt skrift. I løbet af denne periode blev der lavet forskellige artefakter, såsom Agusan -billedet , en guldstatue af en guddom, muligvis påvirket af hinduisme og buddhisme. Fra det 12. til 15. århundrede blev Butuan Silver Paleograph lavet. Scriptet på sølvet mangler endnu at blive dechiffreret. Mellem det 13. - 14. århundrede fremstillede de indfødte i Banton Romblon Banton -klædet , det ældste overlevende ikat -tekstil i Sydøstasien. Kluden blev brugt som dødstæppe. I det 16. århundrede, op til slutningen af ​​det 19. århundrede, påvirkede spansk kolonisering forskellige former for kunst i landet.

Fra 1565 til 1815 lavede filippinske håndværkere Manila -galionerne, der blev brugt til handel med Asien til Amerika, hvor mange af varerne går til Europa. I 1565 blev den gamle tradition for tatovering i Filippinerne først registreret gennem Pintados . I 1584 blev Fort San Antonio Abad færdiggjort, mens i 1591 blev Fort Santiago bygget. I 1600 blev Rice Terraces of the Philippine Cordilleras lavet. Fem risterrasklynger er blevet udpeget som verdensarvssteder . I 1607 blev San Agustin -kirken (Manila) bygget. Bygningen er erklæret som et verdensarvssted . Stedet er berømt for sit malede interiør. I 1613 blev den ældste overlevende suyat -skrift på papir skrevet gennem University of Santo Tomas Baybayin Documents . Efter 1621 blev Monreal Stones skabt i Ticao, Masbate. I 1680 blev århundredernes bue lavet. I 1692 blev billedet af Nuestra Senora de la Soledad de Porta Vaga malet.

Manaoag Kirke blev etableret i 1701. I 1710, den World Heritage Site af Paoay Kirke blev bygget. Kirken er kendt for sine kæmpe støtter, en del af jordskælvsbarokarkitekturen. I 1720 blev de religiøse malerier på Camarin de da Virgen i Santa Ana lavet. I 1725 blev den historiske Santa Ana -kirke bygget. I 1765 blev verdensarvstedet Santa Maria Church bygget. Stedet er kendt for sin højlandsstruktur. Bacarra Kirke blev bygget i 1782. I 1783 blev idjangerne , borgens fæstninger i Batanes først registreret. Strukturernes nøjagtige alder er stadig ukendt. I 1797, den World Heritage Site af Miagao Kirke blev bygget. Kirken er berømt for sine facadeudskæringer. Tayum Kirke blev bygget i 1803. I 1807 blev Basi Revolt -malerierne lavet, der skildrer Ilocano -revolutionen mod spansk indblanding i basiproduktion og forbrug. I 1822 blev den historiske Paco Park etableret. I 1824 blev Las Piñas bambusorgel oprettet og blev det første og eneste orgel lavet af bambus. I 1852 var de hellige kunstmalerier i Parish Church of Santiago Apostol færdige. I 1884 vandt både mordet på guvernør Bustamante og hans søn og Spoliarium priser under kunstkonkurrencen i Spanien. I 1890 blev maleriet, Feeding the Chicken , lavet. Det parisiske liv blev malet i 1892, mens La Bulaqueña blev malet i 1895. Lerkunsten , The Triumph of Science over Death , blev udformet i 1890. I 1891 blev den første og eneste stålkirke i Asien, San Sebastian Church ( Manila) , blev bygget. I 1894 blev lerkunsten Mother's Revenge foretaget.

I det 20. århundrede, eller muligvis tidligere, blev Koranen fra Bayang skrevet. I samme tid blev Stone Agricultural Calendar of Guiday, Besao opdaget af udenforstående. I 1913 blev Rizal -monumentet færdigt. I 1927 blev universitetet i Santo Tomas hovedbygning genopbygget, mens dets centrale seminarbygning blev bygget i 1933. I 1931 blev det kongelige palads Darul Jambangan i Sulu ødelagt. Samme år blev Manila Metropolitan Theatre bygget. Medicinens fremskridt i Filippinerne blev afsluttet i 1953. Santo Domingo -kirken blev bygget i 1954. I 1962 blev International Rice Research Institute -maleri færdiggjort, mens Manila -vægmaleriet blev lavet i 1968. I 1993 blev Bonifacio -monumentet oprettet .

Vestasiatisk/nærøstlig kunst

Mesopotamiens kunst

Israels kunst og den jødiske diaspora

Islamisk kunst

Iransk kunst

Arabisk kunst

Kunstgalleri i Asien

Se også

Specifikke emner inden for asiatisk kunst

Generelle kunstemner

Oceanien

Australien

New Zealand

Stillehavsøerne

Referencer

Yderligere læsning

eksterne links