Maleriets historie - History of painting

Maleriets historie
Lubang Jeriji Saléh -grotten i Kalimantan , Indonesien , et af de ældste kendte figurative malerier i verden, en skildring af en tyr, er dateret til at være 40.000 år gammel.
Johannes Vermeer , c. 1660
Kunsthistorie
Perioder
Regioner
Mellemøstens kunst

Asiens kunst

Europas kunst

Afrikas kunst

Americas kunst

Australiens kunst

Oceaniens kunst
Religioner
Teknikker
Typer

Den maleriets historie rækker tilbage i tiden til artefakter fra forhistorisk mennesker, og spændvidder alle kulturer. Det repræsenterer en kontinuerlig, men periodisk forstyrret, tradition fra antikken. På tværs af kulturer og over kontinenter og årtusinder er maleriets historie en løbende flod af kreativitet, der fortsætter ind i det 21. århundrede. Indtil begyndelsen af ​​det 20. århundrede baserede den sig primært på repræsentative , religiøse og klassiske motiver, hvorefter mere rent abstrakte og konceptuelle tilgange fik fordel.

Udviklingen i det østlige maleri er historisk parallelt med det inden for det vestlige maleri generelt et par århundreder tidligere. Afrikansk kunst , jødisk kunst , islamisk kunst , indonesisk kunst , indisk kunst , kinesisk kunst og japansk kunst havde hver især betydelig indflydelse på vestlig kunst og omvendt.

Oprindeligt tjente utilitaristisk formål, efterfulgt af kejserlig, privat, borgerlig og religiøs protektion, østlige og vestlige malerier fandt senere publikum i aristokratiet og middelklassen. Fra den moderne æra arbejdede middelalderen gennem renæssancens malere for kirken og et velhavende aristokrati. Fra baroktiden modtog kunstnere private kommissioner fra en mere uddannet og velstående middelklasse. Endelig i Vesten begyndte ideen om " kunst for kunstens skyld " at komme til udtryk i de romantiske malers arbejde som Francisco de Goya , John Constable og JMW Turner . Det 19.  århundrede oplevede fremkomsten af ​​det kommercielle kunstgalleri , som gav beskyttelse i det 20. århundrede.

Forhistorik

Hovedartikler: Forhistorisk kunst , Kunst fra den øvre paleolitiske , Mellemste palæolitiske kunst og Liste over kunst fra stenalderen
Pettakere Cave er mere end 44.000 år gamle, Maros , South Sulawesi , Indonesien

De ældste kendte malerier er cirka 40.000 år gamle, fundet i både den fransk-kantabriske region i Vesteuropa og i hulerne i distriktet Maros ( Sulawesi , Indonesien ). Den ældste type hulemalerier er håndstenciler og enkle geometriske former; de ældste ubestridte eksempler på figurative hulemalerier er noget yngre, tæt på 35.000 år gamle. I november 2018 rapporterede forskere opdagelsen af den daværende ældste kendte figurativ kunst maleri over 40.000 (måske lige så gammel som 52.000) år, af en ukendt dyr, i hulen af Lubang Jeriji Saleh på indonesiske ø af Borneo ( Kalimantan ). I december 2019 blev figurative hulemalerier, der forestiller grisejagt i Maros-Pangkep karst i Sulawesi, anslået til at være endnu ældre, mindst 43.900 år gamle. Fundet blev bemærket at være "den ældste billedlige historie om historiefortælling og de tidligste figurative kunstværker i verden". Og for nylig, i 2021, er der blevet rapporteret om grottekunst af en gris fundet på en indonesisk ø og dateret til over 45.500 år. Der er eksempler på hulemalerier over hele verden - i Indonesien, Frankrig, Indien, Spanien, Sydafrika , Kina, Australien osv.

Der er gjort forskellige formodninger om, hvilken betydning disse malerier havde for de mennesker, der lavede dem. Forhistoriske kunstnere kan have malet dyr for at "fange" deres sjæl eller ånd for lettere at jage dem, eller malerierne kan repræsentere en animistisk vision og hyldest til den omgivende natur . De kan være resultatet af et grundlæggende udtryksbehov, der er medfødt for mennesker, eller de kunne have været til overførsel af praktiske oplysninger.

I paleolitisk tid var repræsentationen af ​​mennesker i hulemalerier sjælden. For det meste blev dyr malet, ikke kun dyr, der blev brugt som mad, men også dyr, der repræsenterede styrke som næsehorn eller store felidae , som i Chauvet Cave. Nogle gange blev der tegnet tegn som prikker. Sjældne menneskelige repræsentationer omfatter håndaftryk og stenciler og figurer, der viser menneskelige / dyrehybrider. Chauvet -grotten i Ardèche -afdelingerne i Frankrig indeholder de vigtigste bevarede hulemalerier fra den paleolitiske æra, malet omkring 31.000 f.Kr. De Altamira hulemalerier i Spanien blev udført 14.000 til 12.000 f.Kr. og viser blandt andet, bisonokser . Tyrehallen i Lascaux , Dordogne, Frankrig, er et af de mest kendte hulemalerier og stammer fra omkring 15.000 til 10.000 f.Kr.

Hvis der er mening med malerierne, er det stadig ukendt. Grotterne var ikke i et beboet område, så de kan have været brugt til sæsonbestemte ritualer. Dyrene ledsages af tegn, der tyder på en mulig magisk brug. Pilelignende symboler i Lascaux tolkes undertiden som anvendt som kalendere eller almanakker , men beviserne er fortsat utydelige. Det vigtigste værk i den mesolitiske æra var de marcherende krigere , et klippemaleri ved Cingle de la Mola, Castellón , Spanien dateret til omkring 7000 til 4000 f.Kr. Den anvendte teknik var sandsynligvis at spytte eller blæse pigmenterne på klippen. Malerierne er ganske naturalistiske, men stiliserede. Figurerne er ikke tredimensionelle, selvom de overlapper hinanden.

De tidligste kendte indiske malerier var stenmalerier fra forhistorisk tid, helleristningerne som fundet på steder som klippeskytterne i Bhimbetka , og nogle af dem er ældre end 5500 f.Kr. Sådanne værker fortsatte, og efter flere årtusinder, i det 7. århundrede, udskårne søjler i Ajanta , præsenterer Maharashtra -staten et godt eksempel på indiske malerier. Farverne, for det meste forskellige nuancer af rød og orange, stammer fra mineraler.

Østlig

Se også: Historie om østlig kunst
Vægmalerier af hofliv i Xu Xianxius grav, Northern Qi -dynastiet , 571 e.Kr., beliggende i Taiyuan , Shanxi -provinsen, Kina
Silkemaleri, der skildrer en mand, der kører på en drage , maler på silke , dateret til 5. – 3. århundrede f.Kr., Warring States periode, fra Zidanku grav nr. 1 i Changsha , Hunan -provinsen

Historien om det østlige maleri omfatter en lang række påvirkninger fra forskellige kulturer og religioner. Udviklingen i det østlige maleri er historisk parallelt med det inden for det vestlige maleri generelt et par århundreder tidligere. Afrikansk kunst , jødisk kunst , islamisk kunst , indonesisk kunst , indisk kunst , kinesisk kunst , koreansk kunst og japansk kunst havde hver især betydelig indflydelse på vestlig kunst og omvendt.

Kinesisk maleri er en af ​​de ældste kontinuerlige kunstneriske traditioner i verden. De tidligste malerier var ikke repræsentative, men dekorative; de bestod af mønstre eller designs frem for billeder. Tidlig keramik blev malet med spiraler, zigzags, prikker eller dyr. Det var kun i perioden med de stridende stater (403-221 f.Kr.), at kunstnere begyndte at repræsentere verden omkring dem. Japansk maleri er et af de ældste og mest raffinerede af de japanske kunstarter og omfatter en lang række genrer og stilarter. Historien om japansk maleri er en lang historie med syntese og konkurrence mellem indfødt japansk æstetik og tilpasning af importerede ideer. Koreansk maleri, som en uafhængig form, begyndte omkring 108 f.Kr., omkring Gojoseons fald , hvilket gjorde det til et af de ældste i verden. Den tidsperiodes kunstværker udviklede sig til de forskellige stilarter, der kendetegnede perioden Three Kingdoms of Korea , især malerierne og kalkmalerierne, der pryder gravene til Goguryeos kongelige. I perioden med de tre kongedømme og gennem Goryeo-dynastiet blev koreansk maleri primært præget af en kombination af landskaber i koreansk stil, ansigtstræk, buddhistisk centrerede temaer og en vægt på himmelsk observation, der blev lettet af den hurtige udvikling af koreansk astronomi.

Østasiatisk

Se også kinesisk maleri , japansk maleri , koreansk maleri .

En kinesisk malet krukke fra den vestlige Han -æra (202 fvt - 9 e.Kr.)

Kina, Japan og Korea har en stærk tradition inden for maleri, som også er meget knyttet til kunsten at kalligrafi og printmaking (så meget, at det almindeligvis ses som maleri). Fjernøsten traditionelt maleri er kendetegnet ved vandbaserede teknikker, mindre realisme, "elegante" og stiliserede emner, grafisk tilgang til skildring, betydningen af hvidt rum (eller negativt rum ) og en præference for landskab (i stedet for den menneskelige figur) som en emne. Ud over blæk og farve på silke- eller papirruller var guld på lak også et almindeligt medie i malede østasiatiske kunstværker. Selvom silke tidligere var et noget dyrt medium at male på, gav opfindelsen af ​​papir i det 1. århundrede e.Kr. af Han -hofdommeren Cai Lun ikke kun et billigt og udbredt medie til at skrive, men også et billigt og udbredt medium til at male (gør det mere tilgængeligt for offentligheden).

Konfucianismens , daoismenes og buddhismens ideologier spillede vigtige roller i den østasiatiske kunst. Middelalderlige Song -dynastimalere som Lin Tinggui og hans Luohan -hvidvaskning (placeret i Smithsonian Freer Gallery of Art ) fra 1100 -tallet er fremragende eksempler på buddhistiske ideer smeltet ind i klassisk kinesisk kunstværk. I sidstnævnte maleri på silke (billede og beskrivelse i linket) er skaldethovedet buddhistisk Luohan afbildet i en praktisk indstilling til vask af tøj ved en flod. Selve maleriet er imidlertid visuelt fantastisk, med Luohan skildret i rige detaljer og lyse, uigennemsigtige farver i modsætning til et diset, brunt og intetsigende skovklædt miljø. Trætoppene er også indhyllet i hvirvlende tåge, hvilket giver det fælles "negative rum", der er nævnt ovenfor i østasiatisk kunst.

I Japonisme , slutningen af det 19. århundrede postimpressionister som Van Gogh og Henri de Toulouse-Lautrec , og tonalists såsom James McNeill Whistler , beundret begyndelsen af det 19. århundrede japanske Ukiyo-e kunstnere som Hokusai (1760-1849) og Hiroshige (1797- 1858) og blev påvirket af dem.

Panorama af langs floden Under Qing Ming Festival , genindspilning fra det 18. århundrede af det originale Song-dynasti fra det 12. århundrede af den kinesiske kunstner Zhang Zeduan . Det originale maleri af Zhang er æret af forskere som "et af den kinesiske civilisations største mesterværker." Bemærk: rulle starter fra højre.

kinesisk

Hovedartikel: kinesisk maleri
Yderligere information: Kinesisk kunsthistorie , Tang -dynastiets kunst og Ming -dynastiets maleri
Forårsmorgen i Han-paladset , af kunstneren fra Ming-æraen Qiu Ying (1494–1552 e.Kr.)

De tidligste overlevende eksempler på kinesisk malede kunstværker stammer fra perioden Warring States (481–221 f.Kr.) med malerier på silke eller gravmalerier på klipper, mursten eller sten. De var ofte i forenklet stiliseret format og i mere eller mindre rudimentære geometriske mønstre. De skildrede ofte mytologiske skabninger, hjemlige scener, arbejdsscener eller paladsagtige scener fyldt med embedsmænd ved retten. Kunstværker i denne periode og det efterfølgende Qin -dynasti (221–207 f.Kr.) og Han -dynastiet (202 f.Kr. - 220 e.Kr.) blev ikke lavet som et middel i sig selv eller til et højere personligt udtryk; snarere blev kunstværker skabt til at symbolisere og ære begravelsesritualer, repræsentationer af mytologiske guder eller forfædres ånde osv. Der kunne findes malerier på silke fra domstolsembedsmænd og indenlandske scener under Han -dynastiet sammen med scener af mænd, der jagter på hesteryg eller deltager i militær parade. Der blev også malet på tredimensionelle kunstværker som figurer og statuer, såsom de originalmalede farver, der dækker soldat- og hestestatuerne i Terracotta-hæren . Under det sociale og kulturelle klima i det gamle østlige Jin -dynasti (316 -420 e.Kr.) baseret på Nanjing i syd blev maleri et af de officielle tidsfordriv for konfuciansklærte bureaukratiske embedsmænd og aristokrater (sammen med musik spillet af guqin -citeren, skriver fantasifuld kalligrafi og skriver og reciterer poesi). Maleri blev en almindelig form for kunstnerisk selvudtryk, og i løbet af denne periode blev malere ved hoffet eller blandt elite sociale kredsløb bedømt og rangeret af deres jævnaldrende.

Den Sakyamuni Buddha , som Zhang Shengwen , 1173-1176 e.Kr., Song-dynastiet periode.

Etableringen af ​​det klassiske kinesiske landskabsmaleri er stort set akkrediteret til kunstneren i det østlige Jin -dynasti Gu Kaizhi (344 - 406 e.Kr.), en af ​​de mest berømte kunstnere i kinesisk historie. Ligesom de langstrakte rullescener i Kaizhi malede Tang -dynastiet (618–907 e.Kr.) kinesiske kunstnere som Wu Daozi levende og meget detaljerede kunstværker på lange vandrette håndruller (som var meget populære under Tang), såsom hans Eighty Seven Celestial People . Malede kunstværker i Tang -perioden vedrørte virkningerne af et idealiseret landskabsmiljø med sparsomt antal objekter, personer eller mængde aktivitet samt monokromatisk i naturen (eksempel: vægmalerierne på Price Yides grav i Qianling -mausoleet). Der var også figurer som den tidlige Tang-æra maler Zhan Ziqian , der malede fantastiske landskabsmalerier, der var langt forud for hans dag i fremstilling af realisme. Landskabskunsten nåede imidlertid ikke et større niveau af modenhed og realisme i almindelighed før perioden fem dynastier og ti kongeriger (907–960 e.Kr.). I løbet af denne tid var der usædvanlige landskabsmalere som Dong Yuan (se denne artikel for et eksempel på hans kunstværker) og dem, der malede mere levende og realistiske skildringer af hjemlige scener, som Gu Hongzhong og hans Night Revels of Han Xizai .

Loquats and Mountain Bird , anonym kunstner fra det sydlige Song -dynasti ; malerier i bladalbumstil som denne var populære i Southern Song (1127–1279).

Under det kinesiske Song -dynasti (960–1279 e.Kr.) blev der ikke kun forbedret landskabskunst, men portrætmaleriet blev mere standardiseret og sofistikeret end før (henvis f.eks. Til kejser Huizong af sangen ) og nåede sin klassiske alder modenhed i løbet af Ming -dynastiet (1368–1644 e.Kr.). I slutningen af det 13. århundrede og første halvdel af det 14. århundrede, kinesisk under mongolske -kontrollerede Yuan-dynastiet fik ikke lov til at komme ind højere stillinger i regeringen (reserveret til mongolerne eller andre etniske grupper fra Centralasien), og den kejserlige undersøgelse blev ophørt til foreløbig. Mange konfuciansk-uddannede kinesere, der nu manglede erhverv, vendte sig i stedet til malerkunst og teater i stedet, da Yuan-perioden blev en af ​​de mest livlige og rigelige epoker for kinesiske kunstværker. Et eksempel på sådan ville være Qian Xuan (1235–1305 e.Kr.), der var embedsmand fra Song -dynastiet, men af ​​patriotisme nægtede at tjene Yuan -hoffet og dedikerede sig til at male. Eksempler på fremragende kunst fra denne periode omfatter de rige og detaljerede malede vægmalerier i Yongle -paladset, eller "Dachunyang Longevity Palace", fra 1262 e.Kr., som er opført på UNESCOs verdensarvsliste. Inden for paladset dækker malerier et område på mere end 1000 kvadratmeter og rummer for det meste daoistiske temaer. Det var under Song -dynastiet, at malere også ville samles i sociale klubber eller møder for at diskutere deres kunst eller andres kunstværker, hvis ros ofte førte til overtalelser om at handle og sælge dyrebare kunstværker. Der var imidlertid også mange hårde kritikere af andres kunst, der også viste forskellen i stil og smag blandt forskellige malere. I 1088 e.Kr. skrev polymatforskeren og statsmanden Shen Kuo engang om kunstværket af en Li Cheng , som han kritiserede som følger:

... Så var der Li Cheng, der, når han skildrede pavilloner og loger midt i bjerge, etagebygninger, pagoder og lignende, altid plejede at male tagskægget set nedefra. Hans idé var, at 'man skulle se opad nedenunder, ligesom en mand, der står på plant underlag og kigger op på en pagodes takfod, kan se dens spær og dens udliggningsbjælker'. Alt dette er forkert. Generelt er den korrekte måde at male et landskab på at se det lille fra det store synspunkt ... ligesom man ser på kunstige bjerge i haver (mens man går rundt). Hvis man anvender (Li's metode) på maleriet af rigtige bjerge og kigger op på dem nedenfra, kan man kun se en profil ad gangen og ikke rigdom af deres mangfoldige skråninger og profiler for ikke at sige noget om alt det, der sker videre i dalene og kløfterne og i banerne og gårdene med deres boliger og huse. Hvis vi står øst for et bjerg, ville dets vestlige dele ligge på den forsvindende grænse for fjern afstand og omvendt. Dette kunne vel ikke kaldes et vellykket maleri? Li forstod ikke princippet om 'at se det lille ud fra det store'. Han var bestemt fantastisk at formindske højder og afstande nøjagtigt, men skal man tillægge bygningenes vinkler og hjørner en sådan betydning?

Qianlong-kejser, der praktiserer kalligrafi , midten af ​​1700-tallet.

Selvom et højt stiliseringsniveau, mystisk appel og surrealistisk elegance ofte blev foretrukket frem for realisme (f.eks. I shan shui -stil), begyndende med det middelalderlige Song -dynasti var der mange kinesiske malere dengang og bagefter, der skildrede naturscener, der var levende virkelige. Senere ville Ming -dynastiets kunstnere efter dette Song -dynasti lægge vægt på indviklede detaljer og realisme på genstande i naturen, især i skildringer af dyr (såsom ænder, svaner, spurve, tigre osv.) Blandt pletter af farvestrålende blomster og tykkelser af børste og træ (et godt eksempel ville være det anonyme Ming -dynastimaleri Birds and Plum Blossoms , der ligger i Freer Gallery på Smithsonian Museum i Washington, DC). Der var mange kendte kunstnere fra Ming -dynastiet; Qiu Ying er et glimrende eksempel på en altoverskyggende maler fra Ming -æraen (berømt selv i sin egen tid), der i sit kunstværk udnytter indenlandske scener, travle paladsscener og naturscener i floddale og stejle bjerge indhyllet i tåge og hvirvlende skyer. Under Ming -dynastiet var der også forskellige og rivaliserende kunstskoler forbundet med maleri, såsom Wu -skolen og Zhe -skolen .

Klassisk kinesisk maleri fortsatte ind i det tidlige moderne Qing -dynasti med meget realistiske portrætmalerier som set i slutningen af ​​Ming -dynastiet i begyndelsen af ​​1600 -tallet. Portrætterne af Kangxi kejser , Yongzheng kejser og Qianlong kejser er fremragende eksempler på realistisk kinesisk portrætmaleri. I løbet af Qianlong -regeringsperioden og det fortsatte 1800 -tal havde europæiske barokke malestile mærkbar indflydelse på kinesiske portrætmalerier, især med malede visuelle effekter af belysning og skygge. På samme måde var østasiatiske malerier og andre kunstværker (såsom porcelæn og lakvarer) meget værdsat i Europa siden første kontakt i det 16. århundrede.

Kinesiske oliemalerier

Vestlige teknikker til oliemalerier begyndte at komme ind i Kina i det 19. århundrede og blev udbredt blandt kinesiske kunstnere og kunststuderende i begyndelsen af ​​det 20. århundrede, hvilket faldt sammen med Kinas voksende engagement med Vesten. Kunstnere som Li Tiefu , Hong Yi , Xu Beihong , Yan Wenliang , Lin Fengmian , Fang Ganmin , Pang Yuliang drog til udlandet, overvejende til Paris og Tokyo, for at lære vestlig kunst. Gennem dem voksede og trivedes kunstneriske bevægelser som impressionisme , kubisme , fauvisme , post-impressionisme i Kina, kun standset af Anden Verdenskrig og Folkerepublikken Kinas fødsel, da modernistiske kunstneriske stilarter blev anset for at være uforenelige med herskende politiske idealer og realisme var den eneste acceptable kunstneriske form. Ikke desto mindre bestod arven fra det tætte engagement med vestlig kunst i begyndelsen af ​​det 20. århundrede. Oliemalerier overlevede som et vigtigt medie i kinesiske kunstneriske scener; traditionelle kinesiske blækmalerier blev også ændret som følge heraf.

  • Portræt af Madame Liu , (1942) Li Tiefu olie på lærred

  • Portræt af Kang Youwei (1904) Li Tiefu olie på lærred

  • Portræt af Madam Cheng (1941) Olie ombord på Xu Beihong

Muromachi -perioden , Shingei (1431–1485), Se et vandfald , Nezu Museum, Tokyo.

Japansk

Hovedartikler: Japansk maleri og japonisme

Japansk maleri (絵 画) er en af ​​de ældste og mest raffinerede af de japanske kunstarter, der omfatter en lang række genrer og stilarter. Som med japansk kunst generelt udviklede japansk maleri sig gennem en lang historie med syntese og konkurrence mellem indfødt japansk æstetik og tilpasning af importerede ideer. Ukiyo-e , eller "billeder af den flydende verden", er en genre af japanske træstensprint (eller " træsnit ") og malerier produceret mellem det 17. og 20. århundrede med motiver fra landskaber, teater og domstole. Det er den vigtigste kunstneriske genre af japansk træsten . Japansk grafik, især fra Edo -perioden , havde enorm indflydelse på fransk maleri i løbet af 1800 -tallet.

Koreansk

Hovedartikel: Koreansk maleri

Koreansk maleri, som en uafhængig form, begyndte omkring 108 f.Kr., omkring Gojoseons fald , hvilket gjorde det til et af de ældste i verden. Den tidsperiodes kunstværker udviklede sig til de forskellige stilarter, der kendetegnede perioden med tre kongeriger , især malerierne og kalkmalerierne, der pryder gravene til Goguryeos kongelige. I perioden med de tre kongedømme og gennem Goryeo-dynastiet blev koreansk maleri primært præget af en kombination af landskaber i koreansk stil, ansigtstræk, buddhistisk centrerede temaer og en vægt på himmelsk observation, der blev lettet af den hurtige udvikling af koreansk astronomi. Det var først i Joseon -dynastiet, at konfucianske temaer begyndte at slå rod i koreanske malerier, der blev brugt i harmoni med oprindelige aspekter.

Historien om koreansk maleri har været kendetegnet ved brug af monokromatiske sorte penselværker, ofte på morbærpapir eller silke. Denne stil er tydelig i "Min-Hwa" eller farverig folkekunst, gravmalerier og ritual- og festivalkunster, som begge inkorporerede en omfattende brug af farver.

Sydasiatisk

Indisk

Rock Shelters of Bhimbetka , klippemaleri , stenalder , Indien
Hovedartikler: Indisk maleri og Mughal -maleri

Indiske malerier kredsede historisk omkring de religiøse guder og konger. Indisk kunst er en samlebetegnelse for flere forskellige kunstskoler, der fandtes i det indiske subkontinent . Malerierne varierede fra store freskomalerier i Ajanta til de indviklede Mughal -miniaturemalerier til metalpyntede værker fra Tanjore -skolen . Malerierne fra Gandhar - Taxila er påvirket af de persiske værker i vest. Den østlige malerstil blev for det meste udviklet omkring Nalanda kunstskole. Værkerne er for det meste inspireret af forskellige scener fra indisk mytologi .

Historie

De tidligste indiske malerier var klippemalerier fra forhistorisk tid, helleristningerne som fundet på steder som klippeskytterne i Bhimbetka , og nogle af dem er ældre end 5500 f.Kr. Sådanne værker fortsatte, og efter flere årtusinder, i det 7. århundrede, præsenterede udskårne søjler i Ajanta , Maharashtra -staten et fint eksempel på indiske malerier, og farverne, for det meste forskellige nuancer af rød og orange, stammer fra mineraler.

Ajanta Caves i Maharashtra, Indien er klippeskårne hule-monumenter tilbage til det 2. århundrede fvt og indeholder malerier og skulpturer, der anses for at være mesterværker af både buddhistisk religiøs kunst og universel billedkunst.

En kalkmaleri fra Cave 1 i Ajanta.
Madhubani maleri

Madhubani -maleri er en stil med indisk maleri, der praktiseres i Mithila -regionen i staten Bihar, Indien. Madhubani -maleriets oprindelse er indhyllet i antikken.

Moder gudinde Et miniaturemaleri af Pahari -stil, der stammer fra det attende århundrede. Pahari og Rajput miniaturer deler mange fælles træk.
Mughal
To skriftlærde siddende med bøger og et skrivebord Fragment af en dekorativ margen Nordindien (Mughal -skole), ca. 1640–1650

Mughal -maleri er en særlig stil for indisk maleri , generelt begrænset til illustrationer på bogen og udført i miniaturer, og som dukkede op, udviklede og tog form i perioden med Mughal Empire 16. -19. Århundrede.

Rajput

Rajput -maleriet udviklede sig og blomstrede i løbet af 1700 -tallet ved de kongelige domstole i Rajputana , Indien. Hvert Rajput -rige udviklede en særskilt stil, men med visse fælles træk. Rajput -malerier skildrer en række temaer, episke begivenheder som Ramayana og Mahabharata, Krishnas liv, smukke landskaber og mennesker. Miniaturer var det foretrukne medium for Rajput -maleri, men flere manuskripter indeholder også Rajput -malerier, og malerier blev endda udført på vægge i paladser, indre kamre i forterne, havelies, især havelis of Shekhawait.

Farverne ekstraheret fra visse mineraler, plantekilder, konkylier og blev endda afledt ved forarbejdning af ædelsten, guld og sølv blev brugt. Fremstillingen af ​​de ønskede farver var en langvarig proces, der undertiden tog uger. Brugte børster var meget fine.

Tanjore

Tanjore -maleri er en vigtig form for klassisk sydindisk maleri hjemmehørende i byen Tanjore i Tamil Nadu. Kunstformen går tilbage til begyndelsen af ​​det 9. århundrede, en periode domineret af Chola -herskere, der tilskyndede til kunst og litteratur. Disse malerier er kendt for deres elegance, rige farver og opmærksomhed på detaljer. Temaerne for de fleste af disse malerier er hinduistiske guder og gudinder og scener fra hinduistisk mytologi . I moderne tid er disse malerier blevet en meget eftertragtet souvenir under festlige lejligheder i Sydindien.

Processen med at lave et Tanjore -maleri involverer mange faser. Den første fase involverer at lave den foreløbige skitse af billedet på basen. Basen består af en klud klistret over en træbund. Derefter blandes kridtpulver eller zinkoxid med vandopløseligt klæbemiddel og påføres på bunden. For at gøre basen glattere bruges der undertiden et mildt slibemiddel . Efter tegningen er udført, udsmykkes smykkerne og beklædningerne på billedet med halvædelsten. Snørebånd eller tråde bruges også til at dekorere smykkerne. Oven på dette indsættes guldfolierne. Endelig bruges farvestoffer til at tilføje farver til figurerne i malerierne.

Madras Skole

Under britisk styre i Indien fandt kronen ud af, at Madras havde nogle af de mest talentfulde og intellektuelle kunstneriske sind i verden. Da briterne også havde etableret en enorm bosættelse i og omkring Madras, blev Georgetown valgt til at etablere et institut, der ville imødekomme de kunstneriske forventninger fra kongefamilien i London. Dette er blevet kendt som Madras -skolen . Først blev traditionelle kunstnere ansat til at producere udsøgte møbler, metalarbejde og kuriositeter, og deres arbejde blev sendt til dronningens kongelige paladser.

I modsætning til den bengalske skole, hvor 'kopiering' er normen for undervisning, blomstrer Madras -skolen med at 'skabe' nye stilarter, argumenter og tendenser.

Bengalske skole
Hovedartikel: Bengalsk kunstskole
Bharat Mata af Abanindranath Tagore (1871–1951), en nevø af digteren Rabindranath Tagore og en pioner i bevægelsen

Den bengalske kunstskole var en indflydelsesrig kunststil, der blomstrede i Indien under den britiske Raj i begyndelsen af ​​det 20. århundrede. Det var forbundet med indisk nationalisme, men blev også fremmet og støttet af mange britiske kunstadministratorer.

Bengalskolen opstod som en avantgarde og nationalistisk bevægelse, der reagerede mod de akademiske kunststilarter , der tidligere blev fremmet i Indien, både af indiske kunstnere som Raja Ravi Varma og i britiske kunstskoler. Efter den udbredte indflydelse af indiske åndelige ideer i Vesten forsøgte den britiske kunstlærer Ernest Binfield Havel at reformere undervisningsmetoderne på Calcutta School of Art ved at tilskynde eleverne til at efterligne Mughal -miniaturer. Dette forårsagede enorme kontroverser, hvilket førte til en strejke af studerende og klager fra den lokale presse, herunder fra nationalister, der anså det for at være et retrogressivt træk. Havel blev støttet af kunstneren Abanindranath Tagore , en nevø af digteren Rabindranath Tagore . Tagore malede en række værker påvirket af Mughal -kunst, en stil, som han og Havel mente var udtryk for Indiens særskilte åndelige kvaliteter, i modsætning til "materialismen" i Vesten. Tagores mest kendte maleri, Bharat Mata (Moder Indien), afbildede en ung kvinde, portrætteret med fire arme på samme måde som hinduistiske guder, der havde objekter, der symboliserer Indiens nationale ambitioner. Tagore forsøgte senere at udvikle forbindelser til japanske kunstnere som et led i et ønske om at konstruere en pan-asiatisk kunstmodel .

Bengalskolens indflydelse i Indien faldt med spredningen af modernistiske ideer i 1920'erne. I perioden efter uafhængigheden viste indiske kunstnere mere tilpasningsevne, da de lånte frit fra europæiske stilarter og blandede dem frit med de indiske motiver til nye kunstformer. Mens kunstnere som Francis Newton Souza og Tyeb Mehta var mere vestlige i deres tilgang, var der andre som Ganesh Pyne og Maqbool Fida Husain, der udviklede grundigt oprindelige arbejdsstile. I dag efter liberaliseringsprocessen for markedet i Indien, oplever kunstnerne mere eksponering for den internationale kunstscene, der hjælper dem med at komme frem med nyere kunstformer, der hidtil ikke var set i Indien. Jitish Kallat havde skudt berømmelse i slutningen af ​​1990'erne med sine malerier, der både var moderne og uden for omfanget af generisk definition. Mens kunstnere i Indien i det nye århundrede prøver nye stilarter, temaer og metaforer, havde det imidlertid ikke været muligt at få så hurtig anerkendelse uden hjælp fra de forretningshuse, der nu kommer ind på kunstfeltet, som de aldrig havde før .

Moderne indianer
Hovedartikel: Moderne indisk maleri

Amrita Sher-Gil var en indisk maler, undertiden kendt som Indiens Frida Kahlo , og betragtes i dag som en vigtig kvindemaler i det 20. århundredes Indien, hvis arv står på niveau med den fra Masters of Bengal Renaissance ; hun er også den 'dyreste' kvindemaler i Indien.

I dag er hun blandt Nine Masters , hvis arbejde blev erklæret som kunstskatte af The Archaeological Survey of India i 1976 og 1979, og over 100 af hendes malerier vises nu på National Gallery of Modern Art , New Delhi.

I kolonitiden begyndte vestlige påvirkninger at få indflydelse på indisk kunst. Nogle kunstnere udviklede en stil, der brugte vestlige ideer om komposition, perspektiv og realisme til at illustrere indiske temaer. Andre, som Jamini Roy , hentede bevidst inspiration fra folkekunst.

Ved uafhængighedstiden i 1947 gav flere kunstskoler i Indien adgang til moderne teknikker og ideer. Gallerier blev etableret for at fremvise disse kunstnere. Moderne indisk kunst viser typisk indflydelsen fra vestlige stilarter, men er ofte inspireret af indiske temaer og billeder. Store kunstnere begynder at vinde international anerkendelse, i første omgang blandt den indiske diaspora, men også blandt ikke-indiske publikummer.

Den progressive kunstnergruppe , etableret kort efter Indien blev selvstændigt i 1947, havde til formål at etablere nye måder at udtrykke Indien i den post-kolonitiden. Grundlæggerne var seks eminente kunstnere - KH Ara , SK Bakre , HA Gade , MF Husain , SH Raza og FN Souza , selvom gruppen blev opløst i 1956, var den dybt indflydelsesrig i at ændre formen for indisk kunst. Næsten alle Indiens store kunstnere i 1950'erne var tilknyttet gruppen. Nogle af dem, der er velkendte i dag, er Bal Chabda, Manishi Dey , Mukul Dey , VS Gaitonde , Ram Kumar , Tyeb Mehta og Akbar Padamsee . Andre berømte malere som Jahar Dasgupta , Prokash Karmakar, John Wilkins , Narayanan Ramachandran og Bijon Choudhuri berigede kunstkulturen i Indien. De er blevet ikonerne for moderne indisk kunst. Kunsthistorikere som professor Rai Anand Krishna har også henvist til de moderne kunstneres værker, der afspejler indisk etos. Geeta Vadhera har fået anerkendelse ved at oversætte komplekse, indiske åndelige temaer til lærred som Sufi -tanke, Upanishaderne og Bhagwad Geeta.

Indisk kunst fik et løft med den økonomiske liberalisering af landet siden begyndelsen af ​​1990'erne. Kunstnere fra forskellige felter begyndte nu at indbringe forskellige arbejdsstilarter. I post-liberaliseringen Indien har mange kunstnere etableret sig på det internationale kunstmarked som den abstrakte maler Natvar Bhavsar , figurativ kunstner Devajyoti Ray og billedhugger Anish Kapoor, hvis enorme postminimalistiske kunstværker har fået opmærksomhed for deres store størrelse. Mange kunsthuse og gallerier er også åbnet i USA og Europa for at vise indiske kunstværker.

Sydøstasien

Indonesisk

Hovedartikler: Indonesisk maleri og Liste over indonesiske malere
Se også: Balinesisk kunst og indonesisk kultur
Håndstenciler i hulet "Tree of Life" i Gua Tewet, Kalimantan , Indonesien
En kamp mellem Bima og Krishna, et eksempel på moderne indonesisk traditionelt maleri.

De ældste kendte hulemalerier er mere end 44.000-50.000 år gamle, fundet i hulerne i distriktet Maros ( Sulawesi , Indonesien). Den ældste type hulemalerier er håndstenciler og enkle geometriske former; de ældste ubestridte eksempler på figurative hulemalerier er noget yngre, tæt på 35.000 år gamle.

Opdagelsen af ​​det dengang ældste kendte figurative kunstmaleri, over 40.000 (måske så gammelt som 52.000) år gammelt, af et ukendt dyr, i hulen Lubang Jeriji Saléh på den indonesiske ø Borneo . I december 2019 blev figurative hulemalerier, der forestiller grisejagt i Maros-Pangkep karst i Sulawesi , anslået til at være endnu ældre, mindst 43.900 år gamle. Fundet blev bemærket at være "den ældste billedlige historie om historiefortælling og de tidligste figurative kunstværker i verden".

Andre eksempler på indonesiske malerier er Kenyahs dekorative kunst, baseret på endemiske naturlige motiver som bregner og hornbills, der er fundet dekorere væggene i Kenyah langhuse. Anden bemærkelsesværdig traditionel kunst er de geometriske Toraja -udskæringer. Balinesiske malerier er oprindeligt de narrative billeder for at skildre scener af balinesiske sagn og religiøse manuskripter. De klassiske balinesiske malerier dekorerer ofte lontar -manuskripterne og også lofterne på templets pavillon.

  • Traditionelt balinesisk maleri, der skildrer hanekamp .

  • Indfangelse af prins Diponegoro , 1857.

  • Javanesisk landskab , hvor tigre lytter til lyden af ​​en rejsegruppe, 1849.

  • Livets hjul, I Ketut Murtika (f. 1952), Gouache på lærred

  • Kamasan Palindon - maleridetaljer før 1920 , et eksempel på klassisk maleri i Kamasan-stil.

  • Mask Dancer (af AA Gde Anom Sukawati) i Puri Lukisan Museum.

  • Legong danser.

  • Indonesisk tempelmaleri .

Filippinsk

Hovedartikel: Arts of the Philippines
Se også: Kvinder i filippinsk kunst
Juan Luna , La Bulaqueña , 1895
Juan Luna , Det parisiske liv , 1892

Det filippinske maleri som helhed kan ses som en sammenlægning af mange kulturelle påvirkninger, selvom det plejer at være mere vestligt i sin nuværende form med østlige rødder.

Tidligt filippinsk maleri kan findes i røde slip (ler blandet med vand) designs udsmykket på Filippinernes rituelle keramik, såsom den anerkendte Manunggul Jar . Bevis for filippinsk keramikfremstilling dateret så tidligt som 6000  f.Kr. er fundet i Sanga-sanga Cave, Sulu og Laurente Cave, Cagayan. Det er blevet bevist, at der i 5000  f.Kr. blev fremstillet keramik i hele landet. Tidlige filippinere begyndte at lave keramik før deres cambodjanske naboer og på omtrent samme tid som thaierne som en del af det, der ser ud til at være en udbredt istidens udvikling af keramikteknologi. Yderligere beviser på maleri manifesteres i tatoveringstraditionen fra de tidlige filippinere, som den portugisiske opdagelsesrejsende omtalte som Pintados eller 'malede mennesker' i Visayas. Forskellige designs, der refererer til flora og fauna med himmelske kroppe, dekorerer deres kroppe i forskellige farvede pigmenteringer. Måske kan nogle af de mest omfattende maleri udført af tidlige filippinere, der overlever til i dag manifesteres blandt kunst og arkitektur af Maranao som er velkendte for Naga Drager og Sarimanok udskåret og malet i den smukke Panolong deres Torogan eller kongens hus.

Filippinerne begyndte at skabe malerier i den europæiske tradition i løbet af 1600-tallets spanske periode. De tidligste af disse malerier var kirkefresker, religiøse billeder fra bibelske kilder samt indgraveringer, skulpturer og litografier med kristne ikoner og europæisk adel. De fleste malerier og skulpturer mellem det 19. og 20. århundrede frembragte en blanding af religiøse, politiske og landskabskunstværker med sødme, mørke og lys. Tidlige modernistiske malere som Damián Domingo var forbundet med religiøse og sekulære malerier. Kunsten Juan Luna og Félix Hidalgo viste en tendens til politisk udsagn. Kunstner som Fernando Amorsolo brugte post-modernisme til at producere malerier, der illustrerede filippinsk kultur, natur og harmoni. Mens andre kunstnere som Fernando Zóbel brugte realiteter og abstrakt på sit arbejde.

Vestlig

Se også: Vestlig maleri og gammel kunst

Egypten, Grækenland og Rom

Yderligere information: Romersk vægmaleri (200 f.Kr.-79 e.Kr.) og pompeiske stilarter
Hellenistisk græsk terracotta begravelse vægmaleri , 3. århundrede f.Kr.

Det gamle Egypten , en civilisation med meget stærke traditioner for arkitektur og skulptur (begge oprindeligt malet i lyse farver) havde også mange vægmalerier i templer og bygninger, og malede illustrationer på papyrus manuskripter . Egyptisk vægmaleri og dekorativt maleri er ofte grafisk, nogle gange mere symbolsk end realistisk. Egyptisk maleri viser figurer med fed kontur og flad silhuet , hvor symmetri er en konstant egenskab. Egyptisk maleri har tæt forbindelse med sit skriftsprog - kaldet egyptiske hieroglyfer . Malede symboler findes blandt de første former for skriftsprog. Ægypterne malede også på linned , hvis rester overlever i dag. Gamle egyptiske malerier overlevede på grund af det ekstremt tørre klima. De gamle egyptere skabte malerier for at gøre afdødes efterliv til et behageligt sted. Temaerne omfattede rejse gennem efterverdenen eller deres beskyttende guder, der introducerede den afdøde til underverdenens guder. Nogle eksempler på sådanne malerier er malerier af guderne og gudinderne Ra , Horus , Anubis , Nut , Osiris og Isis . Nogle gravmalerier viser aktiviteter, som den afdøde var involveret i, da de var i live og ønskede at fortsætte med at gøre det for evigt. I det nye rige og senere blev de dødes bog begravet sammen med den gravlagte person. Det blev anset for vigtigt for en introduktion til efterlivet.

Nord for Egypten var den minoiske civilisation centreret på øen Kreta . Vægmalerierne, der findes i paladset i Knossos , ligner egypternes, men meget mere fri i stilen. Mykenæisk Grækenland , der begyndte omkring 1600 f.Kr., producerede lignende kunst som minoisk Kreta. Gammel græsk kunst i den græske mørke alder blev langt mindre kompleks, men fornyelsen af ​​den græske civilisation i hele Middelhavet under det arkaiske Grækenland medførte nye former for græsk kunst med den orientaliserende stil .

En kalkmaleri, der viser Hades og Persephone, der kører i en vogn , fra graven til dronning Eurydike I fra Makedonien i Vergina , Grækenland, 4. århundrede f.Kr.

Det antikke Grækenland havde dygtige malere, billedhuggere (selvom begge bestræbelser blev betragtet som blot manuelt arbejde på det tidspunkt) og arkitekter. Den Parthenon er et eksempel på deres arkitektur, der har varet til moderne dage. Græsk marmorskulptur beskrives ofte som den højeste form for klassisk kunst. Maleri på keramik i det antikke Grækenland og keramik giver et særligt informativt indblik i, hvordan samfundet i det antikke Grækenland fungerede. Sort-figur vasemaleri og rød-figur vasemaling giver mange overlevende eksempler på, hvad græsk maleri var. Nogle berømte græske malere på træpaneler, der er nævnt i tekster, er Apelles , Zeuxis og Parrhasius , dog overlever ingen eksempler på gammelt græsk panelmaleri, kun skriftlige beskrivelser af deres samtidige eller senere romere. Zeuxis levede i 5-6  f.Kr. og siges at være den første til at bruge sfumato . Ifølge Plinius den Ældre var realismen i hans malerier sådan, at fugle forsøgte at spise de malede druer. Apelles beskrives som antikkens største maler for perfekt teknik i tegning, strålende farver og modellering.

Romersk kunst var påvirket af Grækenland og kan delvist tages som en efterkommer af det antikke græske maleri. Imidlertid har romersk maleri vigtige unikke egenskaber. Overlevende romerske malerier omfatter vægmalerier og kalkmalerier , mange fra villaer i Campania , i Syditalien på steder som Pompeji og Herculaneum . Et sådant maleri kan grupperes i fire hovedstilarter eller perioder og kan indeholde de første eksempler på trompe-l'œil , pseudoperspektiv og rent landskab. Næsten de eneste malede portrætter, der overlever fra den antikke verden, er et stort antal kisteportrætter af busteform, der findes på den senantikke kirkegård i Al-Fayum . Selvom disse hverken var af den bedste periode eller den højeste kvalitet, er de imponerende i sig selv og giver en idé om den kvalitet, det fineste gamle værk må have haft. Et meget lille antal miniaturer fra sent antikke illustrerede bøger overlever også, og et ret større antal kopier af dem fra den tidlige middelalder.

Middelalderen

Hovedartikler: Middelalderkunst , byzantinsk kunst , belyst manuskript , middelalder , mørk middelalder (historiografi) , ø-kunst , karolingisk kunst , angelsaksisk kunst , romansk kunst og gotisk kunst

Kristendommens fremgang gav en anden ånd og mål for malestilarter. Byzantinsk kunst , når dens stil blev etableret af det 6. århundrede, lagt stor vægt på at fastholde traditionelle ikonografi og stil, og gradvist udviklet sig i løbet af de tusind år af det byzantinske rige og de levende traditioner græsk og russisk -ortodokse ikon -Malearbejde. Byzantinsk maleri har en hieratisk følelse, og ikoner blev og ses stadig som en repræsentation af guddommelig åbenbaring. Der var mange kalkmalerier , men færre af disse har overlevet end mosaikker . Byzantinsk kunst er blevet sammenlignet med samtidens abstraktion i sin fladhed og stærkt stiliserede skildringer af figurer og landskab. Nogle perioder med byzantinsk kunst, især den såkaldte makedonske kunst fra omkring det 10. århundrede, har en mere fleksibel tilgang. Fresker fra den palæologiske renæssance i begyndelsen af ​​1300 -tallet overlever i Chora -kirken i Istanbul.

Timebog

I det postantikke katolske Europa opstod den første særprægede kunstneriske stil, der omfattede maleri, de insulære kunst på de britiske øer, hvor de eneste overlevende eksempler er miniaturer i belyste manuskripter som Kells Book . Disse er mest berømte for deres abstrakte dekoration, selvom figurer og nogle gange scener også blev afbildet, især i evangeliske portrætter . Karolingisk og ottonisk kunst overlever også mest i manuskripter, selvom der er nogle vægmalerier tilbage, og mere er dokumenteret. Kunsten i denne periode kombinerer insulær og "barbarisk" påvirkning med en stærk byzantinsk indflydelse og et ønske om at genoprette klassisk monumentalitet og stil.

Vægge af romanske og gotiske kirker blev dekoreret med kalkmalerier samt skulptur, og mange af de få tilbageværende vægmalerier har stor intensitet og kombinerer den dekorative energi fra insulær kunst med en ny monumentalitet i behandlingen af ​​figurer. Langt flere miniaturer i belyste manuskripter overlever fra perioden og viser de samme egenskaber, som fortsætter ind i den gotiske periode .

Panelmaleri bliver mere almindeligt i den romanske periode under kraftig indflydelse af byzantinske ikoner. Mod midten af ​​1200 -tallet blev middelalderkunst og gotisk maleri mere realistiske med begyndelsen af ​​interesse for skildring af volumen og perspektiv i Italien med Cimabue og derefter hans elev Giotto . Fra Giotto af blev behandlingen af ​​komposition af de bedste malere også meget mere fri og innovativ. De betragtes som de to store middelalderlige malermestre i vestlig kultur. Cimabue brugte inden for den byzantinske tradition en mere realistisk og dramatisk tilgang til sin kunst. Hans elev, Giotto, tog disse innovationer til et højere niveau, hvilket igen lagde grundlaget for den vestlige malerietradition. Begge kunstnere var pionerer på vej mod naturalisme.

Kirker blev bygget med flere og flere vinduer, og brugen af ​​farverigt farvet glas blev en hæfteklammer i dekoration. Et af de mest berømte eksempler på dette findes i katedralen Notre Dame de Paris . I det 14. århundrede var de vestlige samfund både rigere og mere kultiverede, og malere fandt nye lånere i adelen og endda i borgerskabet . Belyste manuskripter fik en ny karakter, og slanke, moderigtigt klædte hofkvinder blev vist i deres landskaber. Denne stil blev hurtigt kendt som international stil og tempera panelmalerier og altertavler fik betydning.

Renæssance og manisme

Hovedartikler: renæssancemaleri , tidligt nederlandsk maleri , italiensk renæssancemaleri , manisme og højrenæssance

Renæssancen (fransk for 'genfødsel'), en kulturel bevægelse, der stort set spænder over det 14. til midten af ​​1600-tallet, indvarslede studiet af klassiske kilder samt fremskridt inden for videnskab, der havde stor indflydelse på det europæiske intellektuelle og kunstneriske liv. I de lave lande , især i moderne Flandern , blev der etableret en ny måde at male på i begyndelsen af ​​1400 -tallet. I fodsporene på udviklingen i belysningen af ​​manuskripter , især af Limbourg -brødrene , blev kunstnere fascineret af det håndgribelige i den synlige verden og begyndte at repræsentere objekter på en ekstremt naturalistisk måde. Vedtagelsen af oliemaleri, hvis opfindelse traditionelt, men fejlagtigt blev krediteret Jan van Eyck , muliggjorde en ny sandhed i skildringen af ​​denne naturalisme. Mediet af oliemaling var allerede til stede i Melchior Broederlams arbejde , men malere som Jan van Eyck og Robert Campin bragte brugen til nye højder og brugte det til at repræsentere den naturalisme, de sigtede efter. Med dette nye medium var malerne i denne periode i stand til at skabe rigere farver med en dyb intens tonalitet. Illusionen af ​​glødende lys med en porcelænlignende finish karakteriserede tidligt nederlandsk maleri og var en stor forskel for den matte overflade af tempera- maling, der blev brugt i Italien. I modsætning til italienerne, hvis arbejde trak stærkt fra kunsten i det antikke Grækenland og Rom, beholdt nordboerne en stilistisk rest af skulpturen og belyste manuskripter fra middelalderen (især dens naturalisme). Den vigtigste kunstner på denne tid var Jan van Eyck , hvis værk er blandt de fineste lavet af kunstnere, der nu er kendt som tidlige nederlandske malere eller flamske primitiver (da de fleste kunstnere var aktive i byer i moderne Flandern). Den første maler i denne periode var mesteren i Flémalle , i dag identificeret som Robert Campin , hvis værk følger kunsten i International Gothic . En anden vigtig maler i denne periode var Rogier van der Weyden , hvis kompositioner understregede menneskelige følelser og drama, for eksempel demonstreret i hans afstamning fra korset , der er blandt de mest berømte værker i 1400 -tallet og var det mest indflydelsesrige nederlandske maleri af Kristi korsfæstelse. Andre vigtige kunstnere fra denne periode er Hugo van der Goes (hvis arbejde havde stor indflydelse i Italien), Dieric Bouts (som var blandt de første nordlige malere, der demonstrerede brugen af ​​et enkelt forsvindingspunkt), Petrus Christus , Hans Memling og Gerard David .

I Italien inspirerede kunsten i klassisk antik en malerstil, der understregede idealet. Kunstnere som Paolo Uccello , Masaccio , Fra Angelico , Piero della Francesca , Andrea Mantegna , Filippo Lippi , Sandro Botticelli , Leonardo da Vinci , Michelangelo Buonarroti og Raphael tog maleriet til et højere niveau ved hjælp af perspektiv , studiet af menneskelig anatomi og proportion, og gennem deres udvikling af en hidtil uset forfining i tegne- og maleteknikker. En noget mere naturalistisk stil opstod i Venedig . Malere fra den venetianske skole , såsom Giovanni Bellini , Giorgione , Titian , Tintoretto og Veronese , var mindre optaget af præcision i deres tegning end af den rigdom af farve og enhed, der kunne opnås ved en mere spontan tilgang til maleri.

Flamske, hollandske og tyske renæssancemaler som Hans Holbein den Yngre , Albrecht Dürer , Lucas Cranach , Matthias Grünewald , Hieronymous Bosch og Pieter Bruegel repræsenterer en anden tilgang end deres italienske kolleger, en der er mere realistisk og mindre idealiseret. Genremaleri blev et populært formsprog blandt de nordlige malere som Pieter Bruegel .

Renæssancemaleri afspejler revolutionen af ​​ideer og videnskab ( astronomi , geografi ), der fandt sted i denne periode, reformationen og opfindelsen af trykpressen . Dürer, der betragtes som en af ​​de største printmakere, udtaler, at malere ikke kun er håndværkere, men også tænkere . Med udviklingen af staffeli -maleri i renæssancen blev maleriet uafhængigt af arkitekturen. Eamel malerier - bevægelige billeder, der let kunne hænges på vægge - blev et populært alternativ til malerier fastgjort til møbler, vægge eller andre strukturer. Efter århundreder domineret af religiøse billeder vendte sekulære emner langsomt tilbage til det vestlige maleri. Kunstnere inkluderede visioner om verden omkring dem eller produkterne fra deres egen fantasi i deres malerier. Dem, der havde råd til udgiften, kunne blive lånere og bestille portrætter af sig selv eller deres familie.

Den Højrenæssancen gav anledning til en stiliseret kunst kaldet Manierisme . I stedet for de afbalancerede kompositioner og rationelle tilgang til perspektiv, der karakteriserede kunsten ved begyndelsen af ​​1500 -tallet, søgte manisteristerne ustabilitet, kunstfærdighed og tvivl. Piero della Francescas uforstyrrede ansigter og fagter og de rolige jomfruer i Raphael erstattes af Pontormos urolige udtryk og El Grecos følelsesmæssige intensitet . Rastløse og ustabile kompositioner, ofte ekstreme eller disjunktive effekter af perspektiv og stiliserede stillinger er karakteristiske for italienske manisterister som Tintoretto , Pontormo og Bronzino , og dukkede senere op i værket fra Northern Mannerists som Hendrick Goltzius , Bartholomeus Spranger og Joachim Wtewael .

Barok og rokoko

Hovedartikler: Barok , barokmaleri , rokoko , Quadratura , hollandsk guldaldermaleri og flamsk barokmaleri

Barokmaleri er forbundet med den barokke kulturelle bevægelse , en bevægelse, der ofte identificeres med absolutisme og modreformation eller katolsk genoplivning; eksistensen af ​​vigtigt barokmaleri i ikke-absolutistiske og protestantiske stater understreger imidlertid også dens popularitet, da stilen spredte sig til hele Vesteuropa.

Barokmaleri er præget af stort drama, rig, dyb farve og intens lys og mørke skygger. Barokkunst var beregnet til at fremkalde følelser og lidenskab i stedet for den rolige rationalitet, der var blevet værdsat under renæssancen. I perioden, der begyndte omkring 1600 og fortsatte i hele det 17. århundrede, er maleriet karakteriseret som barok. Blandt de største malere i barokken er Caravaggio , Rembrandt , Frans Hals , Rubens , Velázquez , Poussin og Johannes Vermeer . Caravaggio er arving til det humanistiske maleri fra højrenæssancen . Hans realistiske tilgang til menneskeskikkelsen, malet direkte fra livet og dramatisk spotlight mod en mørk baggrund, chokerede hans samtidige og åbnede et nyt kapitel i maleriets historie. Barokmaleri dramatiserer ofte scener ved hjælp af lyseffekter; dette kan ses i værker af Rembrandt, Vermeer, Le Nain , La Tour og Jusepe de Ribera .

Rembrandt van Rijn , Den jødiske brud , ca. 1665–1669

I Italien er barokstilen præget af religiøse og mytologiske malerier på Grand Manner af kunstnere som Carracci , Guido Reni og Luca Giordano . Illusionistiske kirkeloftfresker af Pietro da Cortona syntes at åbne sig mod himlen. En meget mere støjsvag baroktype opstod i den hollandske republik , hvor staffeli-malerier af dagligdags emner var populære hos middelklassens samlere, og mange malere blev specialister i genre , andre inden for landskab eller havlandskab eller stilleben. Vermeer, Gerard ter Borch og Pieter de Hooch bragte stor teknisk forfining til maleriet af hjemlige scener, ligesom Willem Claesz. Heda til stilleben. Derimod udmærkede Rembrandt sig i at male alle emner og udviklede en individuel malerisk stil, hvor chiaroscuro og mørke baggrunde fra Caravaggio og Utrecht Caravaggists mister deres teatrale kvalitet.

I løbet af 1700 -tallet fulgte rokoko som en lettere forlængelse af barok, ofte useriøs og erotisk. Rokoko udviklede sig først inden for dekorativ kunst og indretning i Frankrig. Ludvig XVs succession medførte en ændring i hofkunstnerne og den generelle kunstneriske måde. 1730'erne repræsenterede højden af ​​rokokoudviklingen i Frankrig eksemplificeret ved værkerne fra Antoine Watteau og François Boucher . Rokoko fastholdt stadig den barokke smag for komplekse former og indviklede mønstre, men på dette tidspunkt var det begyndt at integrere en række forskellige egenskaber, herunder en smag for orientalske designs og asymmetriske kompositioner.

Rokokostilen spredte sig med franske kunstnere og indgraverede publikationer. Det blev let modtaget i de katolske dele af Tyskland, Bøhmen og Østrig , hvor det blev fusioneret med de livlige tyske baroktraditioner. Tysk rokoko blev anvendt med entusiasme på kirker og paladser, især i syd, mens fredericiansk rokoko udviklede sig i kongeriget Preussen .

De franske mestre Watteau , Boucher og Fragonard repræsenterer stilen, ligesom Giovanni Battista Tiepolo og Jean-Baptiste-Siméon Chardin, der af nogle blev betragtet som den bedste franske maler fra 1700-tallet -antirokokoen . Portrætter var en vigtig komponent i maleriet i alle lande, men især i England, hvor lederne var William Hogarth , i en stump realistisk stil, og Francis Hayman , Angelica Kauffman (der var schweizisk), Thomas Gainsborough og Joshua Reynolds i mere flatterende stilarter påvirket af Anthony van Dyck . I Frankrig under rokoko-æraen udmærkede Jean-Baptiste Greuze ( Denis Diderots yndlingsmaler ) sig i portrætter og historiemalerier , og Maurice Quentin de La Tour og Élisabeth Vigée-Lebrun var meget dygtige portrætmalere . La Tour specialiserede sig i pastelmaling , som blev et populært medie i denne periode.

William Hogarth hjalp med at udvikle et teoretisk fundament for rokokos skønhed. Selvom han ikke bevidst henviste til bevægelsen, argumenterede han i sin analyse af skønhed (1753), at de bølgende linjer og S-kurver fremtrædende i rokoko var grundlaget for nåde og skønhed i kunst eller natur (i modsætning til den lige linje eller cirklen i klassicisme ) . Begyndelsen på enden for Rokoko kom i begyndelsen af ​​1760'erne, da figurer som Voltaire og Jacques-François Blondel begyndte at ytre deres kritik af kunstens overfladiske og degenerering. Blondel afviste det "latterlige virvar af skaller, drager, siv, palmetræer og planter" i moderne interiør.

I 1785 var Rokoko gået af mode i Frankrig, erstattet af orden og alvor af neoklassiske kunstnere som Jacques-Louis David .

1800-tallet: nyklassicisme, historiemaleri, romantik, impressionisme, postimpressionisme, symbolik

Hovedartikler: nyklassicisme , historiemaleri , romantik , impressionisme , postimpressionisme og symbolisme (kunst)

Efter Rokoko opstod der i slutningen af ​​1700-tallet, i arkitekturen og derefter i maleriet af alvorlig nyklassicisme , bedst repræsenteret af kunstnere som David og hans arving Ingres . Ingres 'arbejde indeholder allerede meget af sensualiteten, men ingen af ​​spontaniteten, der skulle karakterisere romantikken . Denne bevægelse vendte sin opmærksomhed mod landskab og natur samt menneskeskikkelsen og den naturlige ordens overlegenhed over menneskehedens vilje. Der er en panteistisk filosofi (se Spinoza og Hegel ) inden for denne opfattelse, der modarbejder oplysningsidealer ved at se menneskehedens skæbne i et mere tragisk eller pessimistisk lys. Tanken om, at mennesker ikke er over naturens kræfter, er i modstrid med antikke græske og renæssancesidealer, hvor menneskeheden var frem for alt og ejede hans skæbne. Denne tankegang fik romantiske kunstnere til at skildre de sublime , ødelagte kirker, skibsvrag, massakrer og galskab.

I midten af ​​1800-tallet blev malere befriet fra kravene fra deres protektion for kun at skildre scener fra religion, mytologi, portrætter eller historie. Ideen "kunst for kunstens skyld" begyndte at komme til udtryk i malernes arbejde som Francisco de Goya, John Constable og JMW Turner. Romantiske malere så landskabsmaleri som en vigtig genre for at udtrykke menneskehedens forfængelighed i modsætning til naturens storhed. Indtil da blev landskabsmaleri ikke betragtet som den vigtigste genre for malere (som portrætter eller historiemaleri). Men malere som JMW Turner og Caspar David Friedrich formåede at hæve landskabsmaleri til et eminent rivaliserende historiemaleri. Nogle af de store malere i denne periode er Eugène Delacroix , Théodore Géricault , JMW Turner , Caspar David Friedrich og John Constable . Francisco de Goya 's sene arbejde viser den romantiske interesse i det irrationelle, mens arbejdet i Arnold Böcklin fremkalder mystik og malerier af æstetiske bevægelse kunstner James McNeill Whistler fremkalde både raffinement og dekadence . I USA var den romantiske tradition for landskabsmaleri kendt som Hudson River School : eksponenter omfatter Thomas Cole , Frederic Edwin Church , Albert Bierstadt , Thomas Moran og John Frederick Kensett . Luminisme var en bevægelse i amerikansk landskabsmaleri relateret til Hudson River School .

Ung mor syr , Mary Cassatt

Den førende Barbizon School -maler Camille Corot malede i både en romantisk og en realistisk vene; hans arbejde præger impressionismen , ligesom malerierne af Eugène Boudin, der var en af ​​de første franske landskabsmalere, der malede udendørs. Boudin var også en vigtig indflydelse på den unge Claude Monet , som han i 1857 introducerede til Plein luftmaleri. En stor kraft i retning mod realisme i midten af ​​århundredet var Gustave Courbet . I den sidste tredjedel af århundredet arbejdede impressionister som Édouard Manet , Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir , Camille Pissarro , Alfred Sisley , Berthe Morisot , Mary Cassatt og Edgar Degas i en mere direkte tilgang end tidligere havde været udstillet offentligt. De undgik allegori og fortælling til fordel for individualiserede reaktioner på den moderne verden, nogle gange malet med lidt eller ingen forberedende undersøgelse, der var afhængige af tegningens dygtighed og en meget kromatisk pallette. Manet, Degas, Renoir, Morisot og Cassatt koncentrerede sig primært om det menneskelige emne. Både Manet og Degas genfortolkede klassiske figurative kanoner inden for nutidige situationer; i Manets tilfælde mødtes genopfattelserne med fjendtlig offentlig modtagelse. Renoir, Morisot og Cassatt henvendte sig til hjemmelivet for at få inspiration, idet Renoir fokuserede på den kvindelige nøgen. Monet, Pissarro og Sisley brugte landskabet som deres primære motiv, lysets og vejrets forgængelighed spillede en stor rolle i deres arbejde. Mens Sisley nærmest holdt sig til de oprindelige principper for den impressionistiske opfattelse af landskabet, søgte Monet udfordringer under stadig mere kromatiske og foranderlige forhold, der kulminerede i sin serie af monumentale værker af åkander malet i Giverny .

Edvard Munch , 1893, tidligt eksempel på ekspressionisme

Pissarro vedtog nogle af eksperimenterne med postimpressionisme . Lidt yngre postimpressionister som Vincent van Gogh , Paul Gauguin og Georges Seurat sammen med Paul Cézanne førte kunsten til kanten af modernismen ; for Gauguin -impressionismen gav plads til en personlig symbolik; Seurat forvandlede impressionismens brudte farve til et videnskabeligt optisk studie, struktureret på friselignende kompositioner; Van Goghs turbulente metode til maling, kombineret med en klangfuld brug af farver, forudsagde ekspressionisme og fauvisme , og Cézanne, der ønskede at forene klassisk komposition med en revolutionær abstraktion af naturlige former, ville blive betragtet som en forløber for det 20. århundredes kunst . Impressionismens magi blev mærket i hele verden, herunder i USA, hvor den blev en integreret del af maleriet af amerikanske impressionister som Childe Hassam , John Twachtman og Theodore Robinson ; og i Australien, hvor malere fra Heidelberg -skolen som Arthur Streeton , Frederick McCubbin og Charles Conder malede en plein air og var særligt interesserede i det australske landskab og lys. Det havde også indflydelse på malere, der ikke primært var impressionistiske i teorien, ligesom portræt- og landskabsmaleren John Singer Sargent . På samme tid i Amerika ved begyndelsen af ​​det 20. århundrede eksisterede der en indfødt og næsten insular realisme, som rigt legemliggøres i det figurative arbejde af Thomas Eakins , Ashcan School og landskaberne og landskaberne i Winslow Homer , hvis malerier alle sammen var dybt investeret i soliditeten af ​​naturlige former. Det visionære landskab, et motiv, der i vid udstrækning afhænger af nattens tvetydighed, fandt sine fortalere hos Albert Pinkham Ryder og Ralph Albert Blakelock .

I slutningen af ​​1800 -tallet var der også flere, temmelig forskellige grupper af symbolistiske malere, hvis værker gav genklang hos yngre kunstnere i det 20. århundrede, især hos fauvisterne og surrealisterne . Blandt dem var Gustave Moreau , Odilon Redon , Pierre Puvis de Chavannes , Henri Fantin-Latour , Arnold Böcklin , Edvard Munch , Félicien Rops og Jan Toorop og Gustave Klimt blandt andre inklusive de russiske symbolister som Mikhail Vrubel .

Symbolistiske malere udvindede mytologi og drømmebilleder for et visuelt sprog i sjælen og søgte stemningsfulde malerier, der fik tanken om en statisk stilhedens stil. Symbolerne, der bruges i symbolismen, er ikke de velkendte symboler for almindelig ikonografi, men intenst personlige, private, uklare og tvetydige referencer. De symbolistiske malere var mere en filosofi end en egentlig kunststil og påvirkede den samtidige art nouveau -bevægelse og Les Nabis . I deres udforskning af drømmeagtige emner findes symbolistiske malere på tværs af århundreder og kulturer, som de stadig er i dag; Bernard Delvaille har beskrevet René Magrittes surrealisme som "Symbolisme plus Freud ".

Moderne og nutidigt fra det 20. århundrede

Hovedartikler: Moderne kunst , modernisme og samtidskunst

Arven efter malere som Van Gogh , Cézanne , Gauguin og Seurat var afgørende for udviklingen af ​​moderne kunst. I begyndelsen af ​​det 20. århundrede revolutionerede Henri Matisse og flere andre unge kunstnere Paris kunstverden med "vilde", flerfarvede, udtryksfulde, landskaber og figurmalerier, som kritikerne kaldte Fauvisme . Pablo Picasso lavede sine første kubistiske malerier baseret på Cézannes idé om, at al skildring af naturen kan reduceres til tre faste stoffer: terning , kugle og kegle .

Pionerer i det 20. århundrede

Henri Matisse 1909, sent Fauvisme

Arven efter malere som Van Gogh , Cézanne , Gauguin og Seurat var afgørende for udviklingen af ​​moderne kunst. I begyndelsen af ​​det 20. århundrede revolutionerede Henri Matisse og flere andre unge kunstnere, herunder førkubisten Georges Braque , André Derain , Raoul Dufy og Maurice de Vlaminck revolutionerede Paris kunstverden med "vilde", flerfarvede, udtryksfulde, landskaber og figur malerier, som kritikerne kaldte Fauvisme . Henri Matisses anden version af The Dance betegner et centralt punkt i hans karriere og i udviklingen af ​​moderne maleri. Det afspejler Matisses begyndende fascination af primitiv kunst : de intense varme farver mod den kølige blågrønne baggrund og den rytmiske række af dansende nøgenbilleder formidler følelserne af følelsesmæssig frigørelse og hedonisme . Pablo Picasso lavede sine første kubistiske malerier baseret på Cézannes idé om, at al skildring af naturen kan reduceres til tre faste stoffer: terning , kugle og kegle . Med maleriet Les Demoiselles d'Avignon 1907 skabte Picasso dramatisk et nyt og radikalt billede, der skildrer en rå og primitiv bordelscene med fem prostituerede, voldsomt malede kvinder, der minder om afrikanske stammasker og hans egne nye kubistiske opfindelser. analytisk kubisme blev udviklet i fællesskab af Pablo Picasso og Georges Braque , eksemplificeret ved Violin and Candlestick, Paris , fra omkring 1908 til 1912. Analytisk kubisme, den første klare manifestation af kubisme, blev efterfulgt af syntetisk kubisme , praktiseret af Braque, Picasso, Fernand Léger , Juan Gris , Albert Gleizes , Marcel Duchamp og utallige andre kunstnere ind i 1920'erne. Syntetisk kubisme er kendetegnet ved introduktionen af ​​forskellige teksturer, overflader, collageelementer , papier collé og en lang række fusionerede emner.

Pierre Bonnard , 1913, europæisk modernistisk fortællemaleri

Les Fauves (fransk for The Wild Beasts ) var malere fra begyndelsen af ​​det 20. århundrede og eksperimenterede med ytringsfrihed gennem farve. Navnet blev givet, humoristisk og ikke som et kompliment, til gruppen af ​​kunstkritiker Louis Vauxcelles . Fauvisme var en kortvarig og løs gruppe af kunstnere fra begyndelsen af ​​det 20. århundrede, hvis værker understregede maleriske kvaliteter og den fantasifulde brug af dyb farve over de repræsentative værdier. Fauvister gjorde emnet for maleriet letlæseligt, overdrevne perspektiver og en interessant forudgående forudsigelse af Fauves blev udtrykt i 1888 af Paul Gauguin til Paul Sérusier ,

Hvordan ser du disse træer? De er gule. Så sæt i gult; denne skygge, temmelig blå, maler den med ren ultramarine ; disse røde blade? Kom i vermilion .

Bevægelsens ledere var Henri Matisse og André Derain - venlige rivaler af en slags, hver med sine egne tilhængere. I sidste ende Matisse blev yang til Picasso 's yin i det 20. århundrede. Fauvist malere omfattede Albert Marquet , Charles Camoin , Maurice de Vlaminck , Raoul Dufy , Othon Friesz , den hollandske maler Kees van Dongen og Picassos partner i kubisme, Georges Braque blandt andre.

Giorgio de Chirico 1914, før- surrealisme

Fauvisme havde som en bevægelse ingen konkrete teorier og var kortvarig, begyndende i 1905 og slutte i 1907, de havde kun tre udstillinger. Matisse blev set som leder af bevægelsen på grund af hans anciennitet i alder og forudgående selvetablering i den akademiske kunstverden. Hans portræt af Mme fra 1905. Matisse The Green Line , (ovenfor), vakte en sensation i Paris, da den første gang blev udstillet. Han sagde, at han ville skabe kunst til glæde; kunst som dekoration var hans formål, og det kan siges, at hans brug af lyse farver forsøger at opretholde ro i kompositionen. I 1906 efter forslag fra sin forhandler Ambroise Vollard tog André Derain til London og producerede en række malerier som Charing Cross Bridge, London (ovenfor) i Fauvist -stil, og omskriver den berømte serie af den impressionistiske maler Claude Monet . Mestre som Henri Matisse og Pierre Bonnard fortsatte med at udvikle deres fortællestile uafhængigt af enhver bevægelse gennem det 20. århundrede.

I 1907 var Fauvisme ikke længere en chokerende ny bevægelse, snart blev den erstattet af kubisme på kritikernes radarskærm som den seneste nye udvikling i samtidens samtidskunst . I 1907 sagde Appolinaire , der kommenterede Matisse i en artikel, der blev offentliggjort i La Falange, "Vi er ikke her i nærværelse af en ekstravagant eller en ekstremistisk virksomhed: Matisses kunst er yderst rimelig." Analytisk kubisme blev udviklet i fællesskab af Pablo Picasso og Georges Braque fra omkring 1908 til 1912. Analytisk kubisme, den første klare manifestation af kubisme, blev efterfulgt af syntetisk kubisme , praktiseret af Braque, Picasso, Fernand Léger , Juan Gris , Albert Gleizes , Marcel Duchamp og utallige andre kunstnere ind i 1920'erne. Syntetisk kubisme er kendetegnet ved introduktionen af ​​forskellige teksturer, overflader, collageelementer , papier collé og en lang række fusionerede emner.

I årene mellem 1910 og slutningen af ​​første verdenskrig og efter kubismens storhedstid opstod flere bevægelser i Paris. Giorgio De Chirico flyttede til Paris i juli 1911, hvor han sluttede sig til sin bror Andrea (digteren og maleren kendt som Alberto Savinio ). Gennem sin bror mødte han Pierre Laprade, medlem af juryen på Salon d'Automne, hvor han udstillede tre af sine drømmeagtige værker: Enigma of the Oracle , Enigma of a Afternoon og Self-Portrait . I løbet af 1913 udstillede han sit arbejde på Salon des Indépendants og Salon d'Automne, hans arbejde blev bemærket af Pablo Picasso og Guillaume Apollinaire og flere andre. Hans overbevisende og mystiske malerier betragtes som medvirkende til surrealismens tidlige begyndelse . I løbet af første halvdel af det 20. århundrede i Europa fortsatte mestre som Georges Braque , André Derain og Giorgio De Chirico med at male uafhængigt af enhver bevægelse.

Pionerer inden for moderne kunst

I de første to årtier af det 20. århundrede og efter kubismen opstod flere andre vigtige bevægelser; futurisme ( Balla ), abstrakt kunst ( Kandinsky ), Der Blaue Reiter ), Bauhaus , ( Kandinsky ) og ( Klee ), Orphism , ( Robert Delaunay og František Kupka ), Synchromism ( Morgan Russell ), De Stijl ( Mondrian ), Suprematisme ( Malevich ), konstruktivisme ( Tatlin ), dadaisme ( Duchamp , Picabia , Arp ) og surrealisme ( De Chirico , André Breton , Miró , Magritte , Dalí , Ernst ). Moderne maleri påvirkede al billedkunsten, fra modernistisk arkitektur og design, til avantgardefilm , teater og moderne dans og blev et eksperimentelt laboratorium for udtryk for visuel oplevelse, fra fotografering og konkret poesi til reklamekunst og mode. Van Goghs maleri havde stor indflydelse på ekspressionismen i det 20. århundrede , som det kan ses i Fauves 'arbejde , Die Brücke (en gruppe ledet af den tyske maler Ernst Kirchner ) og ekspressionismen af Edvard Munch , Egon Schiele , Marc Chagall , Amedeo Modigliani , Chaim Soutine og andre ..

Wassily Kandinsky, en russisk maler, grafiker og kunstteoretiker, en af ​​de mest berømte kunstnere fra det 20. århundrede betragtes generelt som den første vigtige maler i moderne abstrakt kunst. Som en tidlig modernist, på jagt efter nye former for visuelt udtryk og åndeligt udtryk, teoretiserede han ligesom samtidige okkultister og teosofer , at ren visuel abstraktion havde følgeskader med lyd og musik. De fremførte, at ren abstraktion kunne udtrykke ren spiritualitet. Hans tidligste abstraktioner blev generelt tituleret som eksemplet i (ovenstående galleri) Komposition VII , hvilket gjorde forbindelse til værket af musikkomponister. Kandinsky inkluderede mange af sine teorier om abstrakt kunst i sin bog Om det åndelige i kunsten. Robert Delaunay var en fransk kunstner, der er forbundet med Orphism (minder om en forbindelse mellem ren abstraktion og kubisme). Hans senere værker var mere abstrakte og mindede om Paul Klee . Hans vigtigste bidrag til abstrakt maleri refererer til hans dristige brug af farve og en klar kærlighed til at eksperimentere med både dybde og tone. På opfordring af Wassily Kandinsky , Delaunay og hans kone kunstneren Sonia Delaunay , sluttede The Blue Rider ( Der Blaue Reiter ), en München -baserede gruppe af abstrakte kunstnere, i 1911, og hans kunst tog en tur til det abstrakte.

Andre store pionerer inden for tidlig abstraktion omfatter den russiske maler Kasimir Malevich , der efter den russiske revolution i 1917 og efter pres fra det stalinistiske regime i 1924 vendte tilbage til at male billedsprog og bønder og arbejdere i marken , og den schweiziske maler Paul Klee, hvis mesterlige farveeksperimenter gjorde ham til en vigtig pioner inden for abstrakt maleri i Bauhaus . Endnu andre vigtige pionerer inden for det abstrakte maleri inkluderer den svenske kunstner Hilma af Klint , den tjekkiske maler František Kupka samt amerikanske kunstnere Stanton MacDonald-Wright og Morgan Russell, der i 1912 grundlagde Synchromism , en kunstbevægelse, der ligner Orphism meget .

Ekspressionisme og symbolisme er brede rubrikker, der involverer flere vigtige og beslægtede bevægelser i det 20. århundredes maleri, der dominerede meget af den avantgarde-kunst, der laves i Vest-, Øst- og Nordeuropa. Ekspressionistiske værker blev stort set malet mellem første verdenskrig og anden verdenskrig, mest i Frankrig, Tyskland, Norge, Rusland, Belgien og Østrig. Ekspressionistiske kunstnere er relateret til både surrealisme og symbolisme og er hver især unikke og noget excentrisk personlige. Fauvisme , Die Brücke og Der Blaue Reiter er tre af de mest kendte grupper af ekspressionistiske og symbolistiske malere.

Kunstnere så interessante og mangfoldige som Marc Chagall , hvis maleri I and the Village , (ovenfor) fortæller en selvbiografisk historie, der undersøger forholdet mellem kunstneren og hans oprindelse, med et leksikon for kunstnerisk symbolik . Gustav Klimt , Egon Schiele , Edvard Munch , Emil Nolde , Chaim Soutine , James Ensor , Oskar Kokoschka , Ernst Ludwig Kirchner , Max Beckmann , Franz Marc , Käthe Schmidt Kollwitz , Georges Rouault , Amedeo Modigliani og nogle af amerikanerne i udlandet som Marsden Hartley , og Stuart Davis , blev betragtet som indflydelsesrige ekspressionistiske malere. Selvom Alberto Giacometti primært betragtes som en intens surrealistisk billedhugger, lavede han også intense ekspressionistiske malerier.

Abstraktionens pionerer

Piet Mondrians kunst var også relateret til hans åndelige og filosofiske studier. I 1908 blev han interesseret i den teosofiske bevægelse, der blev lanceret af Helena Petrovna Blavatsky i slutningen af ​​1800 -tallet. Blavatsky mente, at det var muligt at opnå en kendskab til naturen mere dybtgående end den, der blev leveret af empiriske midler, og meget af Mondrians arbejde resten af ​​hans liv blev inspireret af hans søgen efter den åndelige viden.

Piet Mondrian , "Komposition nr. 10" 1939–1942, De Stijl

De Stijl, også kendt som neoplasticism , var en hollandsk kunstnerisk bevægelse grundlagt i 1917. Udtrykket De Stijl bruges til at referere til et værk fra 1917 til 1931 grundlagt i Holland.

De Stijl er også navnet på et tidsskrift, der blev udgivet af den hollandske maler, designer, forfatter og kritiker Theo van Doesburg, der spredte gruppens teorier. Ved siden af ​​van Doesburg var gruppens vigtigste medlemmer malerne Piet Mondrian , Vilmos Huszár og Bart van der Leck og arkitekterne Gerrit Rietveld , Robert van 't Hoff og JJP Oud . Den kunstneriske filosofi, der dannede grundlag for gruppens arbejde, er kendt som neoplasticisme - den nye plastik (eller Nieuwe Beelding på hollandsk).

Morgan Russell , Cosmic Synchromy (1913–14), Synchromism

Tilhængere af De Stijl søgte at udtrykke et nyt utopisk ideal om åndelig harmoni og orden. De gik ind for ren abstraktion og universalitet ved at reducere det væsentlige i form og farve; de forenklede visuelle kompositioner til de lodrette og vandrette retninger og brugte kun primære farver sammen med sort og hvid. Ifølge Tate Gallerys online artikel om neoplasticisme fremlægger Mondrian selv disse afgrænsninger i sit essay "Neo-plasticisme i billedkunst". Han skriver, "... denne nye plastiske idé vil ignorere detaljerne i udseende, det vil sige naturlig form og farve. Tværtimod bør den finde sit udtryk i abstraktionen af ​​form og farve, det vil sige, i den lige linje og den klart definerede primære farve. " Tate-artiklen opsummerer yderligere, at denne kunst tillader "kun primære farver og ikke-farver, kun firkanter og rektangler, kun lige og vandret eller lodret linje." Den Guggenheim-museet 's online artikel om De Stijl opsummerer disse træk i lignende vendinger: "Det [De Stijl] blev postuleret på det grundlæggende princip om geometri lige linje, pladsen, og rektanglet, kombineret med en stærk asymmetricality; den dominerende brug af rene primærfarver med sort og hvid; og forholdet mellem positive og negative elementer i et arrangement af ikke-objektive former og linjer. "

De Stijl -bevægelsen var påvirket af kubistisk maleri såvel som af mystikken og ideerne om "ideelle" geometriske former (såsom den "perfekte lige linje") i matematiker M. HJ Schoenmaekers neoplatoniske filosofi . De Stijls værker ville påvirke Bauhaus -stilen og den internationale arkitekturstil samt tøj og indretning. Det fulgte imidlertid ikke de generelle retningslinjer for en "isme" (kubisme, futurisme, surrealisme), og det overholdt heller ikke principperne for kunstskoler som Bauhaus; det var et kollektivt projekt, en fælles virksomhed.

Dada og surrealisme

Hovedartikler: Dada og surrealisme
Francis Picabia , (Venstre) Le saint des saints c'est de moi qu'il s'agit dans ce portræt , 1. juli 1915; (i midten) Portrait d'une jeune fille americaine dans l'état de nudité , 5. juli 1915: (højre) J'ai vu et c'est de toi qu'il s'agit, De Zayas! De Zayas! Je suis venu sur les rivages du Pont-Euxin , New York, 1915
Marcel Duchamp , nøgen faldende en trappe, nr. 2 , 1912, Philadelphia Museum of Art
Joan Miró , Hest, rør og rød blomst , 1920, abstrakt surrealisme, Philadelphia Museum of Art

Marcel Duchamp , blev internationalt fremtrædende i kølvandet på hans berygtede succes ved New York City Armory Show i 1913 (kort tid efter han fordømte kunstfremstilling for skak ). Efter at Duchamps nøgen faldende en trappe blev den internationale årsag til celebre ved Armory -showet i New York i 1913, skabte han The Bride Stripped Bare af hendes ungkarl, Even , Large Glass . Det store glas skubbede malerkunsten til radikale nye grænser: delmaleri, delcollage, delkonstruktion. Duchamp blev tæt forbundet med Dada -bevægelsen, der begyndte i det neutrale Zürich , Schweiz, under første verdenskrig og toppede fra 1916 til 1920. Bevægelsen involverede primært billedkunst, litteratur (poesi, kunstmanifest, kunstteori), teater og grafisk design , og koncentrerede sin antikrigspolitiske gennem en afvisning af de gældende standarder inden for kunst gennem kunstværker uden kunst . Francis Picabia , Man Ray , Kurt Schwitters , Tristan Tzara , Hans Richter , Jean Arp , Sophie Taeuber-Arp , sammen med Duchamp og mange andre er forbundet med den dadaistiske bevægelse. Duchamp og flere dadaister er også forbundet med surrealisme, den bevægelse, der dominerede europæisk maleri i 1920'erne og 1930'erne.

I 1924 udgav André Breton det surrealistiske manifest . Den surrealistiske bevægelse i maleri blev synonym med avantgarden, og som fremhævede kunstnere, hvis værker varierede fra det abstrakte til superrealisten. Med værker på papir som Machine Turn Quickly (ovenfor) fortsatte Francis Picabia sit engagement i Dada -bevægelsen gennem 1919 i Zürich og Paris, inden han brød fra den efter at have udviklet en interesse for surrealistisk kunst. Yves Tanguy , René Magritte og Salvador Dalí er især kendt for deres realistiske skildringer af drømmebilleder og fantastiske manifestationer af fantasien. Joan Miró 's The tilled Field of 1923-1924 rabatter på abstraktion, denne tidlige maleri af et kompleks af objekter og figurer, og arrangementer af seksuelt aktive tegn; var Mirós første surrealistiske mesterværk. Miró's The Tilled Field indeholder også flere paralleller til Bosch's Garden of Earthly Delights : lignende flokke af fugle; puljer, hvorfra levende væsener kommer ud; og overdimensionerede øremodellerede ører afspejler alle den hollandske mesters arbejde, som Miró så som en ung maler i The Prado . Den mere abstrakte Joan Miró , Jean Arp , André Masson og Max Ernst var meget indflydelsesrige, især i USA i løbet af 1940'erne. Gennem 1930'erne blev surrealismen ved med at blive mere synlig for offentligheden som helhed. En surrealistisk gruppe udviklede sig i Storbritannien, og ifølge Breton var deres London International Surrealist Exhibition fra 1936 et højt vandmærke for perioden og blev forbillede for internationale udstillinger. Surrealistiske grupper i Japan, og især i Latinamerika, Caribien og i Mexico producerede innovative og originale værker.

Dalí og Magritte skabte nogle af de mest anerkendte billeder af bevægelsen. Maleriet This Is Not A Pipe fra 1928/1929 af Magritte er genstand for en Michel Foucault -bog fra 1973, This is not a Pipe (engelsk udgave, 1991), der diskuterer maleriet og dets paradoks . Dalí sluttede sig til gruppen i 1929 og deltog i den hurtige etablering af den visuelle stil mellem 1930 og 1935.

Surrealisme som en visuel bevægelse havde fundet en metode: at afsløre psykologisk sandhed ved at fratage almindelige objekter deres normale betydning for at skabe et overbevisende billede, der var uden for almindelig formel organisation og opfattelse, nogle gange fremkalder empati fra beskueren, nogle gange latter og nogle gange forargelse og forvirring.

1931 markerede et år, hvor flere surrealistiske malere producerede værker, der markerede vendepunkter i deres stilistiske udvikling: i et eksempel bliver flydende former varemærket for Dalí, især i hans The Persistence of Memory , der viser billedet af ure, der hænger, som om de smelter. Tidsfremkaldelser og dens overbevisende mystik og absurditet.

Karakteristika ved denne stil - en kombination af det skildrende, det abstrakte og det psykologiske - kom til at stå for den fremmedgørelse, som mange mennesker følte i den modernistiske periode, kombineret med følelsen af ​​at nå dybere ind i psyken, der skulle "gøres" hel med ens individualitet. "

Max Ernst , 1920, tidlig surrealisme

Max Ernst, hvis maleri Murder Airplane fra 1920 studerede filosofi og psykologi i Bonn og var interesseret i de alternative virkeligheder, som de vanvittige oplevede. Hans malerier kan have været inspireret af psykoanalytikeren Sigmund Freuds undersøgelse af vrangforestillinger fra en paranoiak, Daniel Paul Schreber. Freud identificerede Schrebers fantasi om at blive kvinde som et kastrationskompleks . Det centrale billede af to benpar refererer til Schrebers hermafroditiske ønsker. Ernsts indskrift på bagsiden af ​​maleriet lyder: Billedet er nysgerrigt på grund af dets symmetri. De to køn balancerer hinanden.

I løbet af 1920'erne havde André Massons arbejde en enorm indflydelse på at hjælpe de nyankomne i Paris og den unge kunstner Joan Miró finde sine rødder i det nye surrealistiske maleri. Miró erkendte i breve til sin forhandler Pierre Matisse betydningen af ​​Masson som et eksempel for ham i hans tidlige år i Paris.

Længe efter at personlige, politiske og faglige spændinger har fragmenteret den surrealistiske gruppe til tynd luft og æter, fortsætter Magritte, Miró, Dalí og de andre surrealister med at definere et visuelt program inden for kunst. Andre fremtrædende surrealistiske kunstnere omfatter blandt andre Giorgio de Chirico , Méret Oppenheim , Toyen , Grégoire Michonze , Roberto Matta , Kay Sage , Leonora Carrington , Dorothea Tanning og Leonor Fini .

Før og efter krigen

Paul Klee , 1922, Bauhaus

Der Blaue Reiter var en tysk bevægelse, der varede fra 1911 til 1914, grundlæggende for ekspressionismen sammen med Die Brücke, der blev grundlagt det foregående årti i 1905 og var en gruppe tyske ekspressionistiske kunstnere dannet i Dresden i 1905. Grundlæggende medlemmer af Die Brücke var Fritz Bleyl , Erich Heckel , Ernst Ludwig Kirchner og Karl Schmidt-Rottluff . Senere medlemmer omfattede Max Pechstein , Otto Mueller og andre. Gruppen var en af ​​de sædvanlige, som på et tidspunkt havde stor indflydelse på udviklingen af moderne kunst i det 20. århundrede og skabte ekspressionismens stil .

Wassily Kandinsky , Franz Marc , August Macke , Alexej von Jawlensky , hvis psykisk udtryksfulde maleri af den russiske danser Portræt af Alexander Sakharoff , 1909 er i galleriet ovenfor, Marianne von Werefkin , Lyonel Feininger og andre grundlagde Der Blaue Reiter -gruppen som reaktion på afvisningen af ​​Kandinskys maleri Sidste dom fra en udstilling. Der Blaue Reiter manglede et centralt kunstnerisk manifest, men var centreret omkring Kandinsky og Marc. Kunstnerne Gabriele Münter og Paul Klee var også involveret.

Patrick Henry Bruce , amerikansk modernisme , 1924

Navnet på bevægelsen stammer fra et maleri af Kandinsky skabt i 1903. Det hævdes også, at navnet kunne have stammet fra Marcs begejstring for heste og Kandinskys kærlighed til farven blå. For Kandinsky er blå spiritualitetens farve: jo mørkere den blå, jo mere vækker den menneskelig lyst til det evige.

I USA havde malere en tendens til at tage til Europa for at blive anerkendt i perioden mellem første verdenskrig og anden verdenskrig. Kunstnere som Marsden Hartley , Patrick Henry Bruce , Gerald Murphy og Stuart Davis skabte ry i udlandet. I New York City var Albert Pinkham Ryder og Ralph Blakelock indflydelsesrige og vigtige skikkelser i avanceret amerikansk maleri mellem 1900 og 1920. I løbet af 1920'erne udstillede fotograf Alfred Stieglitz Georgia O'Keeffe , Arthur Dove , Alfred Henry Maurer , Charles Demuth , John Marin og andre kunstnere, herunder European Masters Henri Matisse , Auguste Rodin , Henri Rousseau , Paul Cézanne og Pablo Picasso , på hans galleri 291 .

Social bevidsthed

Se også: Social realisme , regionalisme (kunst) og mexicansk muralisme
Diego Rivera , Genskabelse af Man at the Crossroads (omdøbt Man, Controller af Universet ), oprindeligt skabt i 1934, mexicanske muralism bevægelse

I løbet af 1920'erne og 1930'erne og den store depression , surrealisme, sen kubisme, Bauhaus , De Stijl , Dada, tysk ekspressionisme, ekspressionisme og modernistiske og mesterlige farvemalere som Henri Matisse og Pierre Bonnard karakteriserede den europæiske kunstscene. I Tyskland politiserede Max Beckmann , Otto Dix , George Grosz og andre deres malerier og varslede, at Anden Verdenskrig skulle komme. Mens i Amerika dominerede amerikansk scenemaleri og de socialrealistiske og regionalistiske bevægelser, der indeholdt både politiske og sociale kommentarer, kunstverdenen. Kunstnere som Ben Shahn , Thomas Hart Benton , Grant Wood , George Tooker , John Steuart Curry , Reginald Marsh og andre blev fremtrædende. I Latinamerika udover den uruguayanske maler Joaquín Torres García og Rufino Tamayo fra Mexico, begyndte den muralistiske bevægelse med Diego Rivera , David Siqueiros , José Orozco , Pedro Nel Gómez og Santiago Martinez Delgado og symbolistiske malerier af Frida Kahlo en renæssance af kunsten for regionen, med brug af farver og historiske og politiske budskaber. Frida Kahlos symbolistiske værker forholder sig også stærkt til surrealisme og magisk realisme -bevægelse i litteraturen. Det psykologiske drama i mange af Kahlos selvportrætter (ovenfor) understreger vitaliteten og relevansen af ​​hendes malerier for kunstnere i det 21. århundrede.

Grant Wood , 1930, social realisme

American Gothic er et maleri af Grant Wood fra 1930. portrættere en pitchfork -holding landmand og en yngre kvinde foran et hus af Carpenter gotisk stil, det er en af de mest velkendte billeder i det 20. århundredes amerikansk kunst . Kunstkritikere havde gunstige meninger om maleriet, ligesom Gertrude Stein og Christopher Morley , de antog, at maleriet var beregnet til at være en satire over det lille landlige liv i landet. Det blev således ses som en del af tendensen til stadig mere kritiske skildringer af landdistrikterne America, i retning af Sherwood Anderson 's 1919 Winesburg, Ohio , Sinclair Lewis ' 1920 Main Street , og Carl Van Vechten 's Den Tatoverede Grevinde i litteraturen. Men med begyndelsen af ​​den store depression kom maleriet til at blive set som en skildring af standhaftig amerikansk pionerånd.

Diego Rivera er måske bedst kendt af den offentlige verden for sit vægmaleri fra 1933, " Man at the Crossroads ", i lobbyen på RCA -bygningen ved Rockefeller Center . Da hans protektor Nelson Rockefeller opdagede, at vægmaleriet indeholdt et portræt af Vladimir Lenin og andre kommunistiske billeder, fyrede han Rivera, og det ufærdige arbejde blev til sidst ødelagt af Rockefellers personale. Filmen Cradle Will Rock indeholder en dramatisering af kontroversen. Frida Kahlo (Riveras kones) værker er ofte præget af deres stærke skildringer af smerte. Af hendes 143 malerier er 55 selvportrætter , som ofte inkorporerer symbolske skildringer af hendes fysiske og psykologiske sår. Kahlo var dybt påvirket af den indfødte mexicanske kultur, hvilket fremgår af hendes maleriers lyse farver og dramatiske symbolik. Kristne og jødiske temaer er ofte også skildret i hendes arbejde; hun kombinerede elementer fra den klassiske religiøse mexicanske tradition - som ofte var blodige og voldelige - med surrealistiske gengivelser. Selvom hendes malerier ikke er åbenlyst kristne, indeholder de bestemt elementer af den makabre mexicanske kristne stil af religiøse malerier.

Politisk aktivisme var et vigtigt stykke af David Siqueiros 'liv og inspirerede ham ofte til at afsætte sin kunstneriske karriere. Hans kunst var dybt forankret i den mexicanske revolution , en voldelig og kaotisk periode i mexicansk historie, hvor forskellige sociale og politiske fraktioner kæmpede for anerkendelse og magt. Perioden fra 1920'erne til 1950'erne er kendt som den mexicanske renæssance, og Siqueiros var aktiv i forsøget på at skabe en kunst, der på én gang var mexicansk og universel. Han opgav kortvarigt at male for at fokusere på at organisere minearbejdere i Jalisco.

Verdenskonflikt

I løbet af 1930'erne karakteriserede radikal venstreorienteret politik mange af de kunstnere, der havde forbindelse til surrealisme , herunder Pablo Picasso . Den 26. april 1937 under den spanske borgerkrig var den baskiske by Gernika scenen for " Bombing of Gernika " af Condor -legionen i Nazitysklands Luftwaffe. Tyskerne angreb for at støtte Francisco Francos bestræbelser på at vælte den baskiske regering og den spanske republikanske regering. Byen var ødelagt, selvom den biscayanske forsamling og eg af Gernika overlevede. Pablo Picasso malede sin vægmaleri i størrelse Guernica for at mindes rædslerne ved bombningen.

Pablo Picasso Guernica 1937, protest mod fascisme

I sin endelige form er Guernica en enorm sort og hvid, 3,5 meter (11 fod) høj og 7,8 meter (26 fod) bred vægmaleri malet i olie. Vægmaleriet viser en scene med død, vold, brutalitet, lidelse og hjælpeløshed uden at skildre deres umiddelbare årsager. Valget om at male i sort og hvid står i kontrast til scenens intensitet, der skildrer og påberåber sig umiddelbarheden af ​​et avisfotografi. Picasso malede maleriet i vægmaleri kaldet Guernica i protest mod bombningen. Maleriet blev først udstillet i Paris i 1937, derefter Skandinavien , derefter London i 1938 og til sidst i 1939 på Picassos anmodning blev maleriet sendt til USA i et forlænget lån (til opbevaring) hos MoMA . Maleriet gik på en rundvisning på museer i hele USA, indtil det endelig vendte tilbage til Museum of Modern Art i New York City, hvor det blev udstillet i næsten tredive år. Endelig i overensstemmelse med Pablo Picassos ønske om at give maleriet til spanierne i gave, blev det sendt til Spanien i 1981.

Max Beckmann , Natten (Die Nacht) , 1918–1919, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen , Düsseldorf

Under den store depression i 1930'erne, gennem årene med anden verdenskrig, var amerikansk kunst præget af social realisme og amerikansk scenemaleri i Grant Wood , Edward Hopper , Ben Shahn , Thomas Hart Benton og flere andre. Nighthawks (1942) er et maleri af Edward Hopper, der skildrer mennesker, der sidder i en diner i centrum sent på aftenen. Det er ikke kun Hoppers mest berømte maleri, men et af de mest genkendelige i amerikansk kunst. Det er i øjeblikket i samlingen af Art Institute of Chicago . Scenen blev inspireret af en spisestue (siden revet ned) i Greenwich Village , Hoppers hjemkvarter på Manhattan . Hopper begyndte at male det umiddelbart efter angrebet på Pearl Harbor . Efter denne begivenhed var der en stor følelse af dysterhed over landet, en følelse, der skildres i maleriet. Bygaden er tom uden for spisestuen, og indeni ser ingen af ​​de tre lånere tilsyneladende ud eller taler med de andre, men er i stedet tabt i deres egne tanker. Denne fremstilling af det moderne byliv som tom eller ensom er et fælles tema i Hoppers virke.

Dynamikken for kunstnere i Europa i løbet af 1930'erne forværredes hurtigt, efterhånden som nazistens magt i Tyskland og på tværs af Østeuropa steg. Klimaet blev så fjendtligt for kunstnere og kunst forbundet med modernisme og abstraktion, at mange forlod Amerika. Degenereret kunst var et begreb, der blev vedtaget af naziregimet i Tyskland for stort set al moderne kunst . Sådan kunst blev forbudt med den begrundelse, at den var u-tysk eller jødisk bolsjevistisk , og dem, der blev identificeret som degenererede kunstnere, blev udsat for sanktioner. Disse omfattede afskedigelse fra lærerstillinger, forbud mod at udstille eller sælge deres kunst og i nogle tilfælde forbudt at fremstille kunst helt.

Degenerate Art var også titlen på en udstilling, monteret af nazisterne i München i 1937, bestående af modernistiske kunstværker, der kaotisk blev hængt og ledsaget af tekstetiketter, der spottede kunsten. Udstillingen er designet til at opildne den offentlige mening mod modernismen og rejste efterfølgende til flere andre byer i Tyskland og Østrig. Den tyske kunstner Max Beckmann og masser af andre flygtede fra Europa til New York. I New York City begyndte en ny generation af unge og spændende modernistiske malere under ledelse af Arshile Gorky , Willem de Kooning og andre lige at blive myndige.

Arshile Gorkys portræt af en person, der måske er Willem de Kooning (ovenfor) er et eksempel på udviklingen af abstrakt ekspressionisme fra kontekst med figurmaleri, kubisme og surrealisme . Sammen med sine venner skabte de Kooning og John D. Graham Gorky bio-morfisk formede og abstrakte figurative kompositioner, der i 1940'erne udviklede sig til totalt abstrakte malerier. Gorkys arbejde ser ud til at være en omhyggelig analyse af hukommelse, følelser og form ved at bruge streg og farve til at udtrykke følelse og natur.

Mod midten af ​​århundredet

Edward Hopper 1942, amerikansk scenemaleri

1940'erne i New York City varslede sejren for amerikansk abstrakt ekspressionisme , en modernistisk bevægelse, der kombinerede erfaringer fra Henri Matisse , Pablo Picasso , surrealisme, Joan Miró , kubisme, Fauvisme og tidlig modernisme via store lærere i Amerika som Hans Hofmann og John D. Graham . Amerikanske kunstnere nød godt af tilstedeværelsen af Piet Mondrian , Fernand Léger , Max Ernst og André Breton -gruppen, Pierre Matisses galleri og Peggy Guggenheims galleri The Art of This Century samt andre faktorer. Det figurative arbejde af Francis Bacon , Frida Kahlo , Edward Hopper , Lucian Freud , Andrew Wyeth og andre tjente som en slags alternativ til abstrakt ekspressionisme.

Amerikansk maleri efter anden verdenskrig kaldet abstrakt ekspressionisme omfattede kunstnere som Jackson Pollock , Willem de Kooning , Arshile Gorky , Mark Rothko , Hans Hofmann , Clyfford Still , Franz Kline , Adolph Gottlieb , Mark Tobey , Barnett Newman , James Brooks , Philip Guston , Robert Motherwell , Conrad Marca-Relli , Jack Tworkov , William Baziotes , Richard Pousette-Dart , Ad Reinhardt , Hedda Sterne , Jimmy Ernst , Esteban Vicente , Bradley Walker Tomlin og Theodoros Stamos , blandt andre. Amerikansk abstrakt ekspressionisme fik sit navn i 1946 fra kunstkritikeren Robert Coates . Det ses som en kombination af de tyske ekspressionisters følelsesmæssige intensitet og selvfornægtelse med de anti-figurative æstetik i de europæiske abstrakte skoler som futurisme , Bauhaus og syntetisk kubisme. Abstrakt ekspressionisme, actionmaleri og Color Field -maleri er synonymt med New York School .

Teknisk set var surrealisme en vigtig forgænger for abstrakt ekspressionisme med sin vægt på spontan, automatisk eller ubevidst skabelse. Jackson Pollocks dryppende maling på et lærred lagt på gulvet er en teknik, der har sine rødder i André Massons arbejde . En anden vigtig tidlig manifestation af det abstrakte ekspressionisme er arbejdet i den amerikanske nordvestkunstner Mark Tobey , især hans "hvide skrivende" lærreder, der, selvom de generelt ikke er store, foregriber "det hele" udseende af Pollocks dryppemalerier.

Abstrakt ekspressionisme

Hovedartikler: Abstrakt ekspressionisme , actionmaleri , farvefeltmaleri og lyrisk abstraktion
Jackson Pollock , Blue Poles , 1952, National Gallery of Australia

Derudover har abstrakt ekspressionisme et billede af at være oprørsk, anarkisk, yderst egenartet og, nogle føler, temmelig nihilistisk. I praksis anvendes udtrykket til et hvilket som helst antal kunstnere, der arbejder (for det meste) i New York, der havde ganske forskellige stilarter, og endda anvendt på arbejde, der ikke er specielt abstrakt eller ekspressionistisk. Pollocks energiske " actionmalerier " er med deres "travle" følelse forskellige både teknisk og æstetisk fra den voldelige og groteske Women -serie af Willem de Kooning . Som vist ovenfor i galleriet Woman V er et af en serie på seks malerier, som de Kooning har lavet mellem 1950 og 1953, der skildrer en kvindelig figur på tre kvarter. Han begyndte det første af disse malerier, Woman I collection: The Museum of Modern Art , New York City, i juni 1950, gentagne gange ændrede og malede billedet indtil januar eller februar 1952, hvor maleriet blev forladt ufærdigt. Kunsthistorikeren Meyer Schapiro så maleriet i de Koonings atelier kort tid efter og opfordrede kunstneren til at blive ved. De Koonings svar var at starte tre andre malerier om det samme tema; Woman II- samling: Museum of Modern Art , New York City, Woman III , Teheran Museum of Contemporary Art , Woman IV , Nelson-Atkins Museum of Art , Kansas City, Missouri . I løbet af sommeren 1952, tilbragt i East Hampton , udforskede de Kooning temaet yderligere gennem tegninger og pasteller. Han kan have afsluttet arbejdet med Woman I i slutningen af ​​juni, eller muligvis så sent som i november 1952, og sandsynligvis blev de tre andre kvindebilleder afsluttet på nogenlunde samme tid. De Woman serien er decideret figurative malerier . En anden vigtig kunstner er Franz Kline , som demonstreret af hans maleri High Street , 1950 som med Jackson Pollock og andre abstrakte ekspressionister, blev stemplet som en "actionmaler" på grund af hans tilsyneladende spontane og intense stil, der fokuserede mindre eller slet ikke på figurer eller billedsprog, men på selve penselstrøg og brug af lærred.

Robert Motherwell , Elegy to the Spanish Republic No. 110

Clyfford Alligevel er Barnett Newman , Adolph Gottlieb og de roligt skinnende farveblokke i Mark Rothkos værker (hvilket ikke er det, der normalt ville blive kaldt ekspressionistisk, og som Rothko benægtede var abstrakt), klassificeret som abstrakte ekspressionister, omend fra hvad Clement Greenberg betegnede abstrakt ekspressionismes farvefeltretning . Både Hans Hofmann og Robert Motherwell (galleri) kan bekvemt beskrives som udøvere af actionmaleri og Color Field -maleri.

Abstrakt ekspressionisme har mange stilistiske ligheder med de russiske kunstnere i begyndelsen af ​​det 20. århundrede, såsom Wassily Kandinsky . Selvom det er rigtigt, at spontanitet eller indtryk af spontanitet kendetegnede mange af de abstrakte ekspressionistiske værker, involverede de fleste af disse malerier omhyggelig planlægning, især da deres store størrelse krævede det. En undtagelse kan være dropmalerierne af Pollock.

Hvorfor denne stil fik almindelig accept i 1950'erne er et spørgsmål om debat. Amerikansk socialrealisme havde været hovedstrømmen i 1930'erne. Det var blevet påvirket ikke kun af den store depression, men også af de sociale realister i Mexico som David Alfaro Siqueiros og Diego Rivera . Det politiske klima efter anden verdenskrig tolererede ikke længe de malers sociale protester. Abstrakt ekspressionisme opstod under anden verdenskrig og begyndte at blive fremvist i begyndelsen af ​​1940'erne på gallerier i New York som The Art of This Century Gallery . Slutningen af ​​1940'erne til midten af ​​1950'erne indledte McCarthy-æraen . Det var efter Anden Verdenskrig og en tid med politisk konservatisme og ekstrem kunstnerisk censur i USA. Nogle mennesker har formodet, at da emnet ofte var totalt abstrakt, blev abstrakt ekspressionisme en sikker strategi for kunstnere at forfølge denne stil. Abstrakt kunst kunne ses som upolitisk. Eller hvis kunsten var politisk, var budskabet stort set for de insidere. Disse teoretikere er dog i mindretal. Som den første virkelig originale malerskole i Amerika demonstrerede abstrakt ekspressionisme landets vitalitet og kreativitet i efterkrigsårene samt dets evne (eller behov) til at udvikle en æstetisk sans, der ikke var begrænset af de europæiske standarder af skønhed.

Selvom abstrakt ekspressionisme hurtigt spredte sig i hele USA, var de store centre i denne stil New York City og Californien, især i New York School og San Francisco Bay -området. Abstrakte ekspressionistiske malerier deler visse karakteristika, herunder brugen af ​​store lærreder, en "all-over" tilgang, hvor hele lærredet behandles af lige stor betydning (i modsætning til at midten er af mere interesse end kanterne). Lærredet som arenaen blev en credo af actionmaleri, mens billedplanets integritet blev en credo for Color Field -malerne. Mange andre kunstnere begyndte at udstille deres abstrakte ekspressionistisk relaterede malerier i løbet af 1950'erne, herunder Alfred Leslie , Sam Francis , Joan Mitchell , Helen Frankenthaler , Cy Twombly , Milton Resnick , Michael Goldberg , Norman Bluhm , Ray Parker , Nicolas Carone , Grace Hartigan , Friedel Dzubas , og Robert Goodnough blandt andre.

I løbet af 1950'erne refererede Color Field -maleri oprindeligt til en bestemt type abstrakt ekspressionisme , især arbejdet fra Mark Rothko , Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell og Adolph Gottlieb . Det involverede i det væsentlige abstrakte malerier med store, flade farveområder, der udtrykte de sanselige og visuelle følelser og egenskaber ved store områder med nuanceret overflade. Kunstkritiker Clement Greenberg opfattede Color Field -maleri som relateret til, men forskelligt fra Action -maleri. Den overordnede udstrækning og gestalt af de tidlige farvefeltmalers arbejde taler om en næsten religiøs oplevelse, der er forfærdet i lyset af et ekspanderende univers af sensualitet, farve og overflade. I begyndelsen til midten af ​​1960'erne kom Color Field-maleri til at referere til kunstnerne som Jules Olitski , Kenneth Noland og Helen Frankenthaler , hvis værker var relateret til anden generations abstrakt ekspressionisme og til yngre kunstnere som Larry Zox , og Frank Stella , - alle bevæger sig i en ny retning. Kunstnere som Clyfford Still, Mark Rothko , Hans Hofmann , Morris Louis , Jules Olitski , Kenneth Noland , Helen Frankenthaler , Larry Zox og andre brugte ofte stærkt reducerede referencer til naturen, og de malede med en stærkt artikuleret og psykologisk brug af farve. Generelt eliminerede disse kunstnere genkendelige billeder. I Bjerge og hav , fra 1952, brugte et skelsættende værk af Color Field -maleri af Helen Frankenthaler kunstneren for første gang pleteknikken.

I Europa var der fortsættelse af surrealisme, kubisme, Dada og Matisse -værker . Også i Europa tog Tachisme (den europæiske ækvivalent til abstrakt ekspressionisme) fat i den nyeste generation. Serge Poliakoff , Nicolas de Staël , Georges Mathieu , Vieira da Silva , Jean Dubuffet , Yves Klein og Pierre Soulages blandt andre betragtes som vigtige skikkelser i efterkrigstidens europæiske maleri.

Til sidst udviklede det abstrakte maleri sig i Amerika til bevægelser som Neo-Dada , Color Field-maleri, Postmalerisk abstraktion , Op art , hård kantmaleri , minimal kunst , formet lærredsmaleri , Lyrisk abstraktion , Neo-ekspressionisme og fortsættelsen af ​​abstrakt ekspressionisme. Som et svar på tendensen til abstraktionsbilleder fremkom gennem forskellige nye bevægelser, især popkunst .

Pop art

Hovedartikel: Pop art

Tidligere i England i 1956 blev udtrykket Pop Art brugt af Lawrence Alloway til malerier, der fejrede forbrugerisme fra tiden efter Anden Verdenskrig. Denne bevægelse afviste den abstrakte ekspressionisme og dens fokus på det hermeneutiske og psykologiske interiør til fordel for kunst, der skildrede og ofte fejrede materiel forbrugerkultur, reklame og ikonografi i masseproduktionens alder. De tidlige værker af David Hockney og værkerne af Richard Hamilton Peter Blake og Eduardo Paolozzi blev betragtet som skelsættende eksempler i bevægelsen.

Popkunst i Amerika var i høj grad oprindeligt inspireret af værkerne af Jasper Johns , Larry Rivers og Robert Rauschenberg . Selvom malerierne af Gerald Murphy , Stuart Davis og Charles Demuth i løbet af 1920'erne og 1930'erne dækkede bordet for popkunst i Amerika. I New York City i midten af ​​1950'erne skabte Robert Rauschenberg og Jasper Johns kunstværker, der først syntes at være en fortsættelse af abstrakt ekspressionistisk maleri. Faktisk var deres værker og Larry Rivers arbejde radikale afvigelser fra den abstrakte ekspressionisme, især i brugen af ​​banale og bogstavelige billeder og inklusion og kombination af verdslige materialer i deres arbejde. Innovationerne i Johns specifikke brug af forskellige billeder og objekter som stole, tal, mål, øldåser og det amerikanske flag; Floder malerier af emner hentet fra populærkulturen, såsom George Washington, der krydser Delaware , og hans inklusioner af billeder fra reklamer som kamelen fra kamelcigaretter og Rauschenbergs overraskende konstruktioner ved hjælp af indeslutninger af genstande og billeder taget fra populærkultur, isenkræmmere, junkyards, byens gader, og taxidermi gav anledning til en radikal ny bevægelse inden for amerikansk kunst . Til sidst i 1963 blev bevægelsen kendt over hele verden som popkunst.

Amerikansk popkunst eksemplificeres af kunstnere: Andy Warhol , Claes Oldenburg , Wayne Thiebaud , James Rosenquist , Jim Dine , Tom Wesselmann og Roy Lichtenstein blandt andre. Lichtensteins vigtigste værk er uden tvivl Whaam! (1963, Tate Modern , London), et af de tidligste kendte eksempler på popkunst , tilpassede et tegneseriepanel fra et nummer af 1962 af DC Comics ' All-American Men of War . Maleriet viser et kampfly, der affyrer en raket mod et fjendtligt fly, med en rød-gul eksplosion. Den tegneserie stil forstærkes af brugen af onomatopoeic bogstaver " Whaam! " Og den boxed billedtekst "Jeg trykkede på brandslukning ... og foran mig raketter flammede gennem himlen ..." Pop art fusionerer populære og massekultur med kunst, mens den sprøjter humor, ironi og genkendelige billeder og indhold ind i blandingen. I oktober 1962 monterede Sidney Janis Gallery The New Realists den første store popkunstgruppeudstilling i et kunstgalleri i byen i New York City. Sidney Janis monterede udstillingen i en butiksfacade på 57th Street nær sit galleri på 15 E. 57th Street. Showet sendte chokbølger gennem New York School og gav genlyd over hele verden. Tidligere i efteråret 1962 sendte en historisk vigtig og banebrydende New Painting of Common Objects- udstilling af popkunst, kurateret af Walter Hopps på Pasadena Art Museum, chokbølger over det vestlige USA.

Mens de var i downtown -scenen i New York Citys East Village 10th Street -gallerier, formulerede kunstnere en amerikansk version af Pop Art . Claes Oldenburg havde sin butiksfacade og lavede malede genstande, og Green Gallery på 57th Street begyndte at vise Tom Wesselmann og James Rosenquist . Senere udstillede Leo Castelli andre amerikanske kunstnere, herunder hovedparten af ​​karrieren efter Andy Warhol og Roy Lichtenstein og hans brug af Benday -prikker, en teknik, der blev brugt i kommerciel reproduktion. Der er en forbindelse mellem de radikale værker af Duchamp og Man Ray , de oprørske dadaister - med en sans for humor; og popartister som Alex Katz (der blev kendt for sine parodier på portrætfotografering og forstæder), Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein og de andre.

Mens i det 20. århundrede fortsatte mange malere med at dyrke landskab og figurativt maleri med nutidige emner og solid teknik, som Milton Avery , John D. Graham , Fairfield Porter , Edward Hopper , Balthus , Francis Bacon , Nicolas de Staël , Andrew Wyeth , Lucian Freud , Frank Auerbach , Philip Pearlstein , David Park , Nathan Oliveira , David Hockney , Malcolm Morley , Richard Estes , Ralph Goings , Audrey Flack , Chuck Close , Susan Rothenberg , Eric Fischl , Vija Celmins og Richard Diebenkorn .

Figurativ, landskab, stilleben, havlandskab og realisme

I løbet af 1930'erne til 1960'erne udviklede abstrakt maleri sig i Amerika og Europa til bevægelser som abstrakt ekspressionisme , farvefeltmaleri, postmalerisk abstraktion , op art , hård kantmaleri , minimal kunst , formet lærredsmaleri og lyrisk abstraktion . Andre kunstnere reagerede som et svar på tendensen til abstraktion, hvilket tillod figurative billeder at fortsætte gennem forskellige nye sammenhænge som Bay Area Figurative Movement i 1950'erne og nye former for ekspressionisme fra 1940'erne til 1960'erne. I Italien i løbet af denne tid var Giorgio Morandi den fremmeste stillebensmaler, der udforskede en lang række tilgange til at skildre hverdagsflasker og køkkenredskaber. Gennem det 20. århundrede praktiserede mange malere realisme og brugte udtryksfulde billeder; praktiserende landskab og figurative maleri med moderne fag og solid teknik, og unikke ekspressivitet som stadig-liv maler Giorgio Morandi , Milton Avery , John D. Graham , Fairfield Porter , Edward Hopper , Andrew Wyeth , Balthus , Francis Bacon , Leon Kossoff , Frank Auerbach , Lucian Freud , Philip Pearlstein , Willem de Kooning , Arshile Gorky , Grace Hartigan , Robert De Niro, Sr. , Elaine de Kooning m.fl. Sammen med Henri Matisse , Pablo Picasso , Pierre Bonnard , Georges Braque og andre mestre fra det 20. århundrede. Især Milton Avery gennem hans brug af farve og hans interesse for hav- og landskabsmalerier forbundet med farvefeltaspektet i abstrakt ekspressionisme som manifesteret af Adolph Gottlieb og Mark Rothko samt de lektioner, amerikanske malere tog fra Henri Matisses arbejde .

Head VI , 1949 er et maleri af den irskfødte kunstner Francis Bacon og er et eksempel på europæisk ekspressionisme efter anden verdenskrig. Værket viser en forvrænget version af Portrait of Innocent X malet af den spanske kunstner Diego Velázquez i 1650. Værket er en af ​​en række varianter af Velázquez -maleriet, som Bacon udførte i løbet af 1950'erne og begyndelsen af ​​1960'erne, over i alt fyrre -fem værker. Da han blev spurgt, hvorfor han var tvunget til at besøge emnet så ofte, svarede Bacon, at han ikke havde noget imod paverne, at han blot "ønskede en undskyldning for at bruge disse farver, og du kan ikke give almindeligt tøj den lilla farve uden at komme ind i en sortere af falsk Fauve måde." Paven i denne version syder med vrede og aggression, og de mørke farver giver billedet et grotesk og mareridtagtigt udseende. De plisserede gardiner i baggrunden gøres gennemsigtige og ser ud til at falde gennem pavens ansigt. Den italienske maler Giorgio Morandi var en vigtig tidlig pioner i det 20. århundrede inden for minimalisme. Morandi blevfødt i Bologna, Italien , i 1890, gennem hele sin karriere, og koncentrerede sig næsten udelukkende om stilleben og landskaber bortset fra et par selvportrætter. Med stor følsomhed over for tone, farve og kompositionsbalance ville han skildre de samme velkendte flasker og vaser igen og igen i malerier, der er kendt for deres enkelthed i udførelsen. Morandi udførte 133 raderinger, et betydningsfuldt værk i sig selv, og hans tegninger og akvareller nærmer sig ofte abstraktion i deres økonomi af midler. Gennem sine enkle og gentagne motiver og økonomisk brug af farve, værdi og overflade blev Morandi en forudgående og vigtig forløber for minimalisme . Han døde i Bologna i 1964.

Efter Anden Verdenskrig refererede udtrykket School of Paris ofte til Tachisme , den europæiske ækvivalent til amerikansk abstrakt ekspressionisme og disse kunstnere er også relateret til Cobra . Vigtige fortalere er Jean Dubuffet , Pierre Soulages , Nicholas de Staël , Hans Hartung , Serge Poliakoff og Georges Mathieu , blandt flere andre. I begyndelsen af ​​1950'erne opgav Dubuffet (som altid var en figurativ kunstner) og de Staël abstraktion og vendte tilbage til billedsprog via figuration og landskab. De Staëls værk blev hurtigt genkendt inden for efterkrigstidens kunstverden, og han blev en af ​​de mest indflydelsesrige kunstnere i 1950'erne. Hans tilbagevenden til repræsentation (havlandskaber, fodboldspillere, jazzmusikere, måger) i begyndelsen af ​​1950'erne kan ses som en indflydelsesrig præcedens for American Bay Area Figurative Movement , som mange af de abstrakte malere som Richard Diebenkorn , David Park , Elmer Bischoff , Wayne Thiebaud , Nathan Oliveira , Joan Brown og andre foretog et lignende skridt; vender tilbage til billedsprog i midten af ​​1950'erne. Meget af de Staëls sene arbejde-især hans tyndede og fortyndede abstrakte landskaber i olie på lærred fra midten af ​​1950'erne forudsiger Color Field-maleri og lyrisk abstraktion fra 1960'erne og 1970'erne. Nicolas de Staëls dristige og intenst levende farve i sine sidste malerier forudsiger retningen på meget af det moderne maleri, der kom efter ham, herunder popkunst fra 1960'erne.

Art brut, New Realism, Bay Area Figurative Movement, neo-Dada, fotorealisme

I løbet af 1950'erne og 1960'erne udviklede abstrakt maleri sig i Amerika og Europa til bevægelser som Color Field- maleri, postmalerisk abstraktion , op art , hård kantmaleri , minimal kunst , formet lærredsmaleri , Lyrisk abstraktion og fortsættelsen af abstrakt ekspressionisme . Andre kunstnere reagerede som et svar på tendensen til abstraktion med art brut , som det ses i Court les rues, 1962, af Jean Dubuffet , fluxus , neo-Dada , New Realism , hvilket tillod billedsprog at genopstå gennem forskellige nye sammenhænge som popkunst , Bay Area Figurative Movement (et godt eksempel er Diebenkorns bybillede I, (landskab nr. 1), 1963, olie på lærred, 60 1/4 x 50 1/2 tommer, samling: San Francisco Museum of Modern Art ) og senere i 1970'erne Neo-ekspressionisme . Bay Area Figurative Movement af hvem David Park , Elmer Bischoff , Nathan Oliveira og Richard Diebenkorn, hvis maleri Cityscape 1 , 1963 er et typisk eksempel, var indflydelsesrige medlemmer blomstrede i løbet af 1950'erne og 1960'erne i Californien. Selvom malere i hele det 20. århundrede fortsatte med at praktisere realisme og bruge billedsprog, praktisere landskab og figurativt maleri med nutidige emner og solid teknik og unik udtryksfuldhed som Milton Avery , Edward Hopper , Jean Dubuffet , Francis Bacon , Frank Auerbach , Lucian Freud , Philip Pearlstein , og andre. Yngre malere praktiserede brugen af ​​billedsprog på nye og radikale måder. Yves Klein , Martial Raysse , Niki de Saint Phalle , Wolf Vostell , David Hockney , Alex Katz , Malcolm Morley , Ralph Goings , Audrey Flack , Richard Estes , Chuck Close , Susan Rothenberg , Eric Fischl , John Baeder og Vija Celmins var nogle få, der blev fremtrædende mellem 1960'erne og 1980'erne. Fairfield Porter var stort set autodidakt og producerede repræsentationsarbejde midt i den abstrakte ekspressionistiske bevægelse. Hans emner var primært landskaber, interiørinteriør og portrætter af familie, venner og andre kunstnere, mange af dem tilknyttet New York School of forfattere, herunder John Ashbery , Frank O'Hara og James Schuyler . Mange af hans malerier blev sat i eller omkring familiens sommerhus på Great Spruce Head Island, Maine .

Også i løbet af 1960'erne og 1970'erne var der en reaktion mod maleriet. Kritikere som Douglas Crimp så værker af kunstnere som Ad Reinhardt og erklærede "maleriets død". Kunstnere begyndte at øve nye måder at lave kunst på. Nye bevægelser fået fremtrædende plads hvoraf nogle er: Fluxus , Happening , video kunst , installation kunst Mail kunst , de situationisterne , konceptuelle kunst , Postminimalism , Jorden kunst , Arte Povera , performancekunst og kropskunst blandt andre.

Neo-Dada er også en bevægelse, der startede i 1950'erne og 1960'erne og kun var relateret til abstrakt ekspressionisme med billedsprog. Med fremkomsten af ​​kombinerede fremstillede genstande, med kunstnermaterialer, der bevæger sig væk fra tidligere malerkonventioner. Denne tendens inden for kunst eksemplificeres af værkerne af Jasper Johns og Robert Rauschenberg , hvis "mejetærskere" i 1950'erne var forløbere for popkunst og installationskunst og brugte samling af store fysiske genstande, herunder udstoppede dyr, fugle og kommercielle fotografering. Robert Rauschenberg , Jasper Johns , Larry Rivers , John Chamberlain , Claes Oldenburg , George Segal , Jim Dine og Edward Kienholz blandt andre var vigtige pionerer inden for både abstraktion og popkunst; skabe nye konventioner om kunstfremstilling; de gjorde acceptabelt i seriøse samtidskunstkredse den radikale inddragelse af usandsynlige materialer som dele af deres kunstværker.

Ny abstraktion fra 1950'erne til 1980'erne

Color Field -maleri pegede tydeligt på en ny retning i amerikansk maleri, væk fra abstrakt ekspressionisme . Color Field-maleri er relateret til postmalerisk abstraktion , suprematisme , abstrakt ekspressionisme , hård kantmaleri og lyrisk abstraktion . I løbet af 1960'erne og 1970'erne fortsatte abstrakte malerier med at udvikle sig i Amerika gennem forskellige stilarter. Geometrisk abstraktion , Op art, hård kantmaleri , Color Field maleri og minimalt maleri var nogle indbyrdes forbundne retninger for avanceret abstrakt maleri samt nogle andre nye bevægelser. Morris Louis var en vigtig pioner inden for avanceret Color Field -maleri, hans arbejde kan tjene som en bro mellem abstrakt ekspressionisme , Color Field -maleri og minimal kunst . To indflydelsesrige lærere Josef Albers og Hans Hofmann introducerede en ny generation af amerikanske kunstnere til deres avancerede teorier om farve og rum. Josef Albers huskes bedst for sit arbejde som en geometrisk abstraktionistisk maler og teoretiker. Mest berømt af alle er de hundredvis af malerier og udskrifter, der udgør serien Hommage til pladsen . I denne strenge serie, begyndt i 1949, udforskede Albers kromatiske interaktioner med flade farvede firkanter arrangeret koncentrisk på lærredet. Albers teorier om kunst og uddannelse var dannende for den næste generation af kunstnere. Hans egne malerier danner grundlaget for både hårdmalet maleri og Op art.

Josef Albers , Hans Hofmann , Ilya Bolotowsky , Burgoyne Diller , Victor Vasarely , Bridget Riley , Richard Anuszkiewicz , Frank Stella , Morris Louis , Kenneth Noland , Ellsworth Kelly , Barnett Newman , Larry Poons , Ronald Davis , Larry Zox , Al Held og nogle andre ligesom Mino Argento , er kunstnere tæt forbundet med geometrisk abstraktion , Op -kunst, Color Field -maleri og også i tilfælde af Hofmann og Newman Abstrakt ekspressionisme.

I 1965 blev der afholdt en udstilling kaldet The Responsive Eye , kurateret af William C. Seitz, på Museum of Modern Art i New York City. De viste værker var omfattende, der omfatter Minimalisme af Frank Stella , Op kunsten Larry Poons, arbejdet i Alexander Liberman sammen førerne af Op Art-bevægelsen: Victor Vasarely , Richard Anuszkiewicz , Bridget Riley og andre. Udstillingen fokuserede på de perceptuelle aspekter af kunst, som både skyldes illusionen om bevægelse og interaktionen mellem farveforhold. Op art, også kendt som optisk kunst, er en stil, der findes i nogle malerier og andre kunstværker, der bruger optiske illusioner . Op art er også tæt beslægtet med geometrisk abstraktion og hårdt kantmaleri . Selvom udtrykket, der bruges til det, undertiden er perceptuel abstraktion.

Op art er en malemetode vedrørende interaktionen mellem illusion og billedplan, mellem forståelse og se. Op kunstværker er abstrakte, med mange af de bedre kendte stykker udført i kun sort og hvid. Når beskueren ser på dem, får man et indtryk af bevægelse, skjulte billeder, blink og vibrationer, mønstre eller alternativt af hævelse eller vridning.

Color Field -maleri søgte at befri kunsten for overflødig retorik. Kunstnere som Clyfford Still , Mark Rothko , Hans Hofmann , Morris Louis , Jules Olitski , Kenneth Noland , Helen Frankenthaler , John Hoyland , Larry Zox og andre brugte ofte stærkt reducerede referencer til naturen, og de malede med en meget artikuleret og psykologisk brug af farve. Generelt eliminerede disse kunstnere genkendelige billeder. Nogle kunstnere citerede referencer til tidligere eller nutidskunst, men generelt viser farvefeltmaleri abstraktion som et mål i sig selv. Ved at følge denne retning af moderne kunst ønskede kunstnere at præsentere hvert maleri som et samlet, sammenhængende, monolitisk billede.

Frank Stella , Kenneth Noland , Ellsworth Kelly , Barnett Newman , Ronald Davis , Neil Williams , Robert Mangold , Charles Hinman , Richard Tuttle , David Novros og Al Loving er eksempler på kunstnere, der er forbundet med brugen af ​​det formede lærred i perioden, der begynder i begyndelsen af ​​1960'erne. Mange geometriske abstrakte kunstnere , minimalister og hard-edge malere valgte at bruge billedets kanter til at definere maleriets form frem for at acceptere det rektangulære format. Faktisk er brugen af ​​det formede lærred først og fremmest forbundet med malerier fra 1960'erne og 1970'erne, der er køligt abstrakte , formalistiske, geometriske, objektive, rationalistiske, rene linjer, skarpe kanter eller minimalistiske karakterer. Andre Emmerich -galleriet, Leo Castelli -galleriet, Richard Feigen -galleriet og Park Place -galleriet var vigtige udstillingsvinduer for Color Field -maleri, formet lærredsmaleri og Lyrisk Abstraktion i New York City i løbet af 1960'erne. Der er en forbindelse med postmalerisk abstraktion , som reagerede mod abstrakte ekspressionismers mystik, hyper-subjektivitet og vægt på at gøre selve malerhandlingen dramatisk synlig-samt den højtidelige accept af det flade rektangel som en næsten rituel forudsætning for seriøst maleri. I løbet af 1960'erne var Color Field -maleri og minimal kunst ofte tæt forbundet med hinanden. I virkeligheden i begyndelsen af ​​1970'erne blev begge bevægelser decideret forskellige.

Washington Color School, Shaped Canvas, Abstract Illusionism, Lyrical Abstraction

Ronnie Landfield , 1968, Lyrisk abstraktion
Ronald Davis 1968, Abstrakt illusionisme

En anden beslægtet bevægelse i slutningen af ​​1960'erne, Lyrical Abstraction (udtrykket blev opfundet af Larry Aldrich, grundlæggeren af Aldrich Contemporary Art Museum , Ridgefield Connecticut), omfattede det Aldrich sagde, han så i studierne hos mange kunstnere på det tidspunkt. Det er også navnet på en udstilling, der stammer fra Aldrich Museum og rejste til Whitney Museum of American Art og andre museer i hele USA mellem 1969 og 1971.

Lyrisk Abstraktion i slutningen af 1960'erne er præget af malerier af Dan Christensen , Ronnie Landfield , Peter Young og andre, og sammen med Fluxus bevægelsen og postminimalism (et udtryk først opfundet af Robert Pincus-Witten i siderne i Artforum i 1969) søgte at udvide grænserne for abstrakt maleri og minimalisme ved at fokusere på proces, nye materialer og nye udtryksmåder. Postminimalisme, der ofte inkorporerer industrielle materialer, råvarer, fabrikationer, fundne genstande, installation, seriel gentagelse og ofte med henvisninger til Dada og surrealisme er bedst eksemplificeret i skulpturerne af Eva Hesse . Lyrisk Abstraktion, konceptkunst , postminimalism , Jorden kunst , video, performance kunst , installationskunst , sammen med en fortsættelse af Fluxus, abstrakt ekspressionisme , Color Field maleri, hårdt-kant maleri , minimal art , op kunst , pop-art , fotorealisme og Ny Realismen forlængede grænserne for samtidskunst i midten af ​​1960'erne gennem 1970'erne. Lyrisk abstraktion er en form for fritgående abstrakt maleri, der opstod i midten af ​​1960'erne, da abstrakte malere vendte tilbage til forskellige former for malerisk, billedlig, ekspressionisme med et overvejende fokus på proces, gestalt og gentagne kompositionsstrategier generelt.

Lyrisk Abstraction deler ligheder med farve felt maleri og abstrakt ekspressionisme, Lyrical Abstraction som eksemplificeret ved 1968 Ronnie Landfield maleri For William Blake , (ovenfor) især i friløb brug af maling - tekstur og overflade. Direkte tegning, kalligrafisk brug af streg, virkningerne af børstet, sprøjtet, farvet, skrabet, hældt og sprøjtet maling ligner overfladisk de effekter, der ses i abstrakt ekspressionisme og farvefeltmaleri. Stilarterne er imidlertid markant forskellige. Adskillelsen fra abstrakt ekspressionisme og actionmaleri fra 1940'erne og 1950'erne er tilgangen til komposition og drama. Som det ses i actionmaleriet er der vægt på penselstrøg, højt kompositionsdrama, dynamisk kompositionsspænding. Mens der i Lyrisk Abstraktion er en følelse af kompositionsmæssig tilfældighed, overalt i komposition, lavmælt og afslappet kompositionsdrama og vægt på proces, gentagelse og en helt overfølsomhed.,

Hård kantmaleri, minimalisme, postminimalisme, monokrom maleri

Brice Marden , 1966/1986, Monokrom maleri
Richard Tuttle , 1967, postminimalisme

Agnes Martin , Robert Mangold , Brice Marden , Jo Baer , Robert Ryman , Richard Tuttle , Neil Williams , David Novros, Paul Mogenson, Charles Hinman er eksempler på kunstnere forbundet med minimalisme og (undtagelser fra Martin, Baer og Marden) brugen af formet lærred også i perioden, der begyndte i begyndelsen af ​​1960'erne. Mange geometriske abstrakte kunstnere , minimalister og hårdføre malere valgt at bruge billedets kanter til at definere maleriets form frem for at acceptere det rektangulære format. Faktisk er brugen af ​​det formede lærred først og fremmest forbundet med malerier fra 1960'erne og 1970'erne, der er køligt abstrakte, formalistiske, geometriske, objektive, rationalistiske, rene linjer, skarpe kanter eller minimalistiske karakterer. Den Bykert Galleri , og Park Place Gallery var vigtige showcases for Minimalisme og formede lærred maleri i New York i 1960'erne.

I løbet af 1960'erne og 1970'erne kunstnere som Robert Motherwell , Adolph Gottlieb , Phillip Guston , Lee Krasner , Cy Twombly , Robert Rauschenberg , Jasper Johns , Richard Diebenkorn , Josef Albers , Elmer Bischoff , Agnes Martin, Al Held , Sam Francis , Ellsworth Kelly , Morris Louis , Helen Frankenthaler , Gene Davis , Frank Stella , Kenneth Noland , Joan Mitchell , Friedel Dzubas og yngre kunstnere som Brice Marden, Robert Mangold , Sam Gilliam , John Hoyland , Sean Scully , Pat Steir , Elizabeth Murray , Larry Poons , Walter Darby Bannard , Larry Zox , Ronnie Landfield , Ronald Davis , Dan Christensen , Joan Snyder , Ross Bleckner , Archie Rand , Susan Crile og snesevis af andre producerede en lang række malerier.

I løbet af 1960'erne og 1970'erne var der en reaktion mod abstrakt maleri. Nogle kritikere så værker af kunstnere som Ad Reinhardt og erklærede 'maleriets død'. Kunstnere begyndte at øve nye måder at lave kunst på. Nye bevægelser fået fremtrædende plads hvoraf nogle er: postminimalism , Jorden kunst , videokunst , installationskunst , Arte Povera , performancekunst , kropskunst , fluxus , sker , mail art , de situationisterne og konceptkunst blandt andre.

Imidlertid fandt andre vigtige innovationer inden for abstrakt maleri sted i løbet af 1960'erne og 1970'erne præget af monokrom maleri og hårdt kantmaleri inspireret af Ad Reinhardt, Barnett Newman , Milton Resnick og Ellsworth Kelly . Kunstnere så forskellige som Agnes Martin, Al Held, Larry Zox , Frank Stella , Larry Poons , Brice Marden og andre udforskede forenklingens kraft. Konvergensen mellem Color Field- maleri, minimal kunst , hård kantmaleri , lyrisk abstraktion og postminimalisme slør forskellen mellem bevægelser, der blev mere tydelige i 1980'erne og 1990'erne. Den neo-ekspressionisme bevægelse er relateret til tidligere udviklinger i abstrakt ekspressionisme , neo-Dada , Lyrical Abstraction og postminimal maleri.

Neo -ekspressionisme

I slutningen af ​​1960'erne var den abstrakte ekspressionistiske maler Philip Guston med til at føre en overgang fra abstrakt ekspressionisme til neo-ekspressionisme i maleriet og opgav den såkaldte "rene abstraktion" af abstrakt ekspressionisme til fordel for mere tegnefilmede gengivelser af forskellige personlige symboler og objekter. Disse værker var inspirerende for en ny generation af malere, der var interesseret i en genoplivning af udtryksfulde billeder. Hans maleri Painting, Smoking, Eating 1973, set ovenfor i galleriet er et eksempel på Gustons sidste og afgørende tilbagevenden til repræsentation.

I slutningen af ​​1970'erne og begyndelsen af ​​1980'erne var der også en tilbagevenden til maleriet, der forekom næsten samtidigt i Italien, Tyskland, Frankrig og Storbritannien . Disse bevægelser blev kaldt Transavantguardia , Neue Wilde , Figuration Libre , Neo-expressionisme , Londons skole og i slutningen af ​​1980'erne henholdsvis Stuckists . Disse malerier var præget af store formater, fri udtryksfuld mærkning, figuration, myte og fantasi. Alt arbejde i denne genre blev mærket neo-ekspressionisme . Kritisk reaktion var delt. Nogle kritikere betragtede det som drevet af profitmotiveringer fra store kommercielle gallerier. Denne type kunst fortsætter i popularitet ind i det 21. århundrede, selv efter kunstnedbruddet i slutningen af ​​1980'erne. Anselm Kiefer er en ledende skikkelse inden for europæisk neo-ekspressionisme i 1980'erne, Kiefers temaer udvidede sig fra fokus på Tysklands rolle i civilisationen til kunstens og kulturens skæbne generelt. Hans arbejde blev mere skulpturelt og involverer ikke kun national identitet og kollektiv hukommelse, men også okkult symbolik , teologi og mystik . Temaet for alt værket er det traume, som hele samfund oplever, og den konstante genfødsel og fornyelse i livet.

I slutningen af ​​1970'erne i USA malede malere, der begyndte at arbejde med forfriskede overflader, og som vendte tilbage til billeder, som Susan Rothenberg blev populær, især som set ovenfor i malerier som Horse 2 , 1979. I løbet af 1980'erne amerikanske kunstnere som Eric Fischl , David Salle , Jean-Michel Basquiat (der begyndte som graffitikunstner ), Julian Schnabel og Keith Haring og italienske malere som Mimmo Paladino , Sandro Chia og Enzo Cucchi , definerede andre ideen om neo-ekspressionisme i Amerika.

Neo-ekspressionisme var en stil med moderne maleri, der blev populær i slutningen af ​​1970'erne og dominerede kunstmarkedet indtil midten af ​​1980'erne. Det udviklede sig i Europa som en reaktion mod 1960'ernes og 1970'ernes konceptuelle og minimalistiske kunst. Neo-ekspressionister vendte tilbage til at skildre genkendelige objekter, såsom menneskekroppen (dog nogle gange på en praktisk talt abstrakt måde) på en grov og voldsomt følelsesmæssig måde ved hjælp af levende farver og banale farveharmonier. Veteranmalerne Philip Guston , Frank Auerbach , Leon Kossoff , Gerhard Richter , AR Penck og Georg Baselitz sammen med lidt yngre kunstnere som Anselm Kiefer , Eric Fischl , Susan Rothenberg , Francesco Clemente , Jean-Michel Basquiat , Julian Schnabel , Keith Haring , og mange andre blev kendt for at arbejde i denne intense ekspressionistiske malerfar.

Maleri har stadig en respekteret position inden for samtidskunst . Kunst er et åbent felt, der ikke længere er divideret med det objektive versus ikke-objektive dikotomi. Kunstnere kan opnå kritisk succes, uanset om deres billeder er repræsentative eller abstrakte. Det, der har valuta, er indhold, udforskning af mediets grænser og et afslag på at rekapitulere fortidens værker som et slutmål.

Moderne maleri ind i det 21. århundrede

Hovedartikler: Samtidskunst , postmoderne kunst og senmodernisme

I begyndelsen af ​​det 21. århundrede fortsætter samtidsmaleri og samtidskunst generelt i flere sammenhængende tilstande, præget af ideen om pluralisme . "Krisen" i maleri og aktuel kunst og aktuel kunstkritik i dag frembringes af pluralisme . Der er ingen konsensus, og der er heller ikke behov for, hvad angår en repræsentativ stil i alderen. Der er en alting -holdning, der hersker; et "alt foregår", og følgelig "intet foregår" syndrom; dette skaber en æstetisk trafikprop uden fast og klar retning og med hver vognbane på den kunstneriske motorvej fyldt til fulde. Følgelig fremstilles der fortsat storslåede og vigtige kunstværker, omend i en lang række stilarter og æstetiske temperamenter, og markedspladsen overlades til at bedømme fortjenester.

Hård kantmaleri , geometrisk abstraktion , bevilling , hyperrealisme , fotorealisme , ekspressionisme , minimalisme , Lyrisk abstraktion , popkunst , op art , abstrakt ekspressionisme , Color Field- maleri, monokrom maleri , neo-ekspressionisme , collage , intermedia maleri, montagemaleri , digital maleri , postmoderne maleri, neo-dada maleri, formet lærredsmaleri , miljømæssige vægmalerier , traditionelt figurmaleri , landskabsmaleri , portrætmaleri , er et par fortsatte og aktuelle retninger inden for maleri i begyndelsen af ​​det 21. århundrede.

Amerika

Den evige far, der maler jomfruen i Guadalupe . Tilskrives Joaquín Villegas (1713 - aktiv i 1753) (mexicansk) (maler, Museo Nacional de Arte .
Hovedartikler: Indiansk kunst , Mayakunst , Pre-columbiansk kunst , Maleri i Amerika før kolonisering , Plains skjuler maleri og Ledger-kunst

I perioden før og efter europæisk udforskning og bosættelse af Amerika, herunder Nordamerika, Mellemamerika, Sydamerika og Caribien, Antillerne , De Lille Antiller og andre øgrupper, producerede indfødte indfødte kulturer kreative værker, herunder arkitektur, keramik , keramik , vævning , udskæring , skulptur, maleri og vægmalerier samt andre religiøse og utilitaristiske genstande. Hvert kontinent i Amerika var vært for samfund, der var unikke og individuelt udviklede kulturer; der producerede totemer, værker af religiøs symbolik og dekorative og udtryksfulde malede værker. Afrikansk indflydelse var især stærk inden for Caribien og Sydamerika. De indfødte menneskers kunst i Amerika havde en enorm indflydelse og indflydelse på europæisk kunst og omvendt under og efter udforskningstiden . Spanien, Portugal, Frankrig, Holland og England var alle magtfulde og indflydelsesrige kolonimagter i Amerika under og efter 1400 -tallet. I det 19. århundrede begyndte kulturel indflydelse at flyde begge veje over Atlanterhavet

Mexico og Mellemamerika

Sydamerika

Nordamerika

Forenede Stater

Canada

Caribien

islamisk

Hovedartikler: islamisk kunst , arabisk miniature , persisk miniature og arabesk

Skildringen af ​​mennesker, dyr eller andre figurative emner er forbudt inden for islam for at forhindre troende fra afgudsdyrkelse, så der er ingen religiøst motiveret maleri (eller skulptur) tradition inden for muslimsk kultur. Billedaktiviteten blev reduceret til arabesk , hovedsagelig abstrakt , med geometrisk konfiguration eller blomster- og plantelignende mønstre. Den er stærkt forbundet med arkitektur og kalligrafi og kan i vid udstrækning ses som brugt til maling af fliser i moskeer eller belysning omkring Koranens tekst og andre bøger. Faktisk er abstrakt kunst ikke en opfindelse af moderne kunst, men den er til stede i førklassisk , barbarisk og ikke-vestlig kultur mange århundreder før den og er i det væsentlige en dekorativ eller anvendt kunst . Den bemærkelsesværdige illustrator MC Escher var påvirket af denne geometriske og mønsterbaserede kunst. Art Nouveau ( Aubrey Beardsley og arkitekten Antonio Gaudí ) genindførte abstrakte blomstermønstre i vestlig kunst.

Bemærk, at på trods af tabuet med figurativ visualisering dyrkede nogle muslimske lande en rig tradition i maleri, dog ikke i sig selv, men som en ledsager til det skrevne ord. Iransk eller persisk kunst, almindeligt kendt som persisk miniatur, koncentrerer sig om illustrationen af ​​episke eller romantiske litteraturværker. Persiske illustratorer undgik bevidst brugen af ​​skygge og perspektiv, selvom de var bekendt med det i deres præ-islamiske historie, for at overholde reglen om ikke at skabe nogen naturtro illusion om den virkelige verden. Deres mål var ikke at skildre verden som den er, men at skabe billeder af en ideel verden af ​​tidløs skønhed og perfekt orden.

Iran

Hovedartikler: persisk maleri , persisk kalligrafi , liste over persiske malere og iransk kunst

Den orientalske historiker Basil Gray mener, "Iran har tilbudt verden en særlig unik [ sic ] kunst, som er fremragende i sin slags". Grotter i Irans Lorestan -provins udviser malede billeder af dyr og jagtscener. Nogle som dem i Fars -provinsen og Sialk er mindst 5000 år gamle. Maleri i Iran menes at have nået et klimaks i Tamerlane -æraen, da fremragende mestre som Kamaleddin Behzad fødte en ny malestil.

Malerier fra Qajar -perioden er en kombination af europæiske påvirkninger og safavidiske miniatureskoler som dem, der blev introduceret af Reza Abbasi og klassiske værker af Mihr 'Ali . Mestre som Kamal-ol-molk skubbede yderligere den europæiske indflydelse i Iran frem. Det var i Qajar -æraen, da "Coffee House -maleri" opstod. Emner i denne stil var ofte religiøse i naturen, der skildrede scener fra Shia -epos og lignende.

  • Farrukh Beg (ca. 1545 - ca. 1615), A Drunken Babur vender tilbage til lejren om natten , Lahore , Pakistan, 1589

  • Mihr 'Ali (fl. 1795–1830), Fat'h Ali Shah Qajar (1813–14)

  • Kamal-ol-molk (1847–1940), Fremtidsforudsigeren , 1892, Sadabad Museum, Teheran

Pakistan

Hovedartikel: Pakistans kultur

Oceanien

Hovedartikel: Art of Oceania

Australien

Hovedartikler: Aboriginal art , Art of Australia , Liste over australske kunstnere og Visual arts of Australia

New Zealand

Hovedartikler: New Zealand Art og List of New Zealand artister

Afrika

Hovedartikler: Afrikansk kunst , afrikanske stammasker og Tingatinga (maleri)

Afrikansk traditionel kultur og stammer synes ikke at have stor interesse for todimensionale fremstillinger til fordel for skulptur og relief . Imidlertid er dekorativt maleri i afrikansk kultur ofte abstrakt og geometrisk. En anden billedlig manifestation er kroppen maleri , og ansigtsmaling til stede for eksempel i Maasai og Kikuyu kultur i deres ceremoni ritualer. Ceremonielt hulemaleri i visse landsbyer kan stadig findes i brug. Bemærk, at Pablo Picasso og andre moderne kunstnere blev påvirket af afrikansk skulptur og masker i deres varierede stilarter. Moderne afrikanske kunstnere følger vestlige kunstbevægelser, og deres malerier har lille forskel fra occidentale kunstværker.

Sudanesisk

Kristi dåb på et middelalderligt nubisk maleri fra Old Dongola

Det Kongeriget Kush i det gamle Nubien (det vil sige moderne Sudan ), der grænser gamle Egypten , produceret en bred vifte af kunst, herunder vægmalerier og malede genstande. På det sudanske sted Kerma , centrum for Kerma -kulturen, der var forud for kongeriget Kush , skildrer et fragmentarisk maleri fra omkring 1700 f.Kr. fra en kongelig grav et sejlskib og huse med stiger, der ligner scener i relieffer fra den egyptiske dronnings regeringstid Hatshepsut (ca. 1479–1458 f.Kr.). Den gamle tradition for vægmalerier, der først blev beskrevet af Abu Salih i 1100 -tallet e.Kr., fortsatte ind i middelalderens Nubia -periode .

Etiopisk

Hovedartikel: Etiopisk kunst
Et etiopisk belyst evangelistportræt af Evangelisten Markus , fra de etiopiske Garima -evangelier , 6. århundrede e.Kr., Kongeriget Aksum

Den kristne tradition for at male i Etiopien går tilbage til det 4. århundrede e.Kr., under det gamle kongerige Aksum . Under deres eksil til Axum beskrev Muhammeds tilhængere fra det 7. århundrede malerier, der dekorerede Vor Frue Maria af Zions Kirke . De tidligste overlevende eksempler på kirkemalerier i Etiopien stammer imidlertid fra kirken Debre Selam Mikael i Tigray -regionen , dateret til det 11. århundrede e.Kr. Etiopiske malerier i belyste manuskripter går forud for de tidligste overlevende kirkemalerier. For eksempel indeholder de etiopiske Garima-evangelier fra det 4.-6. Århundrede e.Kr. belyste scener, der efterligner den moderne byzantinske belyste stil .

Indflydelse på vestlig kunst

Se også: Picassos afrikanske periode og nutidig afrikansk kunst

I begyndelsen af ​​det 20. århundrede blev kunstnere som Picasso , Matisse , Paul Gauguin og Modigliani opmærksom på og blev inspireret af afrikansk kunst . I en situation, hvor den etablerede avantgarde anstrengte sig mod de begrænsninger, der blev pålagt ved at betjene optrædenens verden, demonstrerede afrikansk kunst kraften i yderst velorganiserede former; produceret ikke kun ved at reagere på synsfunktionen, men også og ofte primært, fantasi, følelser og mystiske og religiøse oplevelser. Disse kunstnere så i afrikansk kunst en formel perfektion og raffinement forenet med fænomenal udtrykskraft.

Se også

Referencer

Yderligere læsning

eksterne links