International udstilling af moderne dekorativ og industriel kunst - International Exhibition of Modern Decorative and Industrial Arts

Postkort fra Exposition Internationale des Arts décoratifs et industriels modernes (1925)

Den internationale udstilling for moderne dekorativ og industriel kunst ( fransk : Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes ) var en verdensudstilling i Paris , Frankrig , fra april til oktober 1925. Den blev designet af den franske regering for at fremhæve den nye stil moderne af arkitektur, indretning, møbler, glas, smykker og anden dekorativ kunst i Europa og i hele verden. Mange ideer om den internationale avantgarde inden for arkitektur og brugskunst blev præsenteret for første gang på udstillingen. Begivenheden fandt sted mellem esplanaden i Les Invalides og indgangene til Grand Palais og Petit Palais og på begge bredder af Seinen. Der var 15.000 udstillere fra tyve forskellige lande, og det blev besøgt af seksten millioner mennesker i løbet af syv måneders løb. Den stil Moderne præsenteret på Exposition senere blev kendt som " Art Deco ", efter navnet på Exposition.

Ideen og organisationen

Ideen til en udstilling, der fuldt ud dedikerede den dekorative kunst, stammer oprindeligt fra Société des Artistes Décorateurs (The Society of Decorative Artists), en gruppe stiftet i 1901, som omfattede både etablerede kunstnere, herunder Eugène Grasset og Hector Guimard , samt yngre kunstnere, herunder Francis Jourdain , Maurice Dufrêne , Paul Follot og Pierre Chareau . Dekorative kunstnere havde fået lov til at deltage i de to foregående Paris -saloner , men de blev placeret underordnet malerne, og de ville have en udstilling, der gav førstepladsen til dekorativ kunst. De første saloner i den nye gruppe blev afholdt i det nyåbnede Museum of Decorative Arts i Pavillon de Marsan i Louvre . Den Salon d'Automne , en ny Salon grundlagt i 1903, hædret malere, billedhuggere, grafik kunstnere og arkitekter, men igen dekorative kunst blev stort set ignoreret. Frantz Jourdain annoncerede ideen om at holde en separat udstilling af dekorativ kunst så hurtigt som muligt. Han forklarede sin begrundelse i et essay, der blev skrevet senere i 1928: "Vi besluttede derfor at returnere dekorativ kunst, der var hensynsløst behandlet som en Askepot eller et dårligt forhold, der var tilladt at spise med tjenerne, til det vigtige, næsten overvejende sted, det indtog tidligere, alle tider og i alle verdens lande. "

Society of Decorative Artists lobbyede det franske deputerekammer, der i 1912 gik med til at være vært for en international udstilling af dekorativ kunst i 1915. Planerne blev lagt til side i 1915 på grund af Første Verdenskrig og derefter genoplivet efter krigen sluttede i 1918. Det blev først planlagt til 1922, derefter udskudt på grund af mangel på byggematerialer til 1924 og derefter 1925, femogtyve år efter den store Paris-udstilling i 1900.

Programmet for udstillingen gjorde det klart, at det var meningen at være en fejring af modernismen, ikke af historiske stilarter. Det blev erklæret for at være "åbent for alle producenter, hvis produkter er kunstneriske og klart viser moderne tendenser." Programmet angav også specifikt, at "Uanset kunstnerens ry, uanset producentens kommercielle styrke, vil ingen af ​​dem blive tilladt i udstillingen, hvis de ikke opfylder betingelserne i udstillingsprogrammet." Et andet formål var knyttet til udstillingen: at ære de allierede lande i Første Verdenskrig. Af denne grund blev det nye Sovjetunionen inviteret, selvom dets regering endnu ikke var anerkendt af Frankrig, mens Tyskland ikke var det. USA afviste at deltage; den amerikanske handelsminister, Herbert Hoover , forklarede, at der ikke var moderne kunst i USA. Det amerikanske handelsministerium udpegede en kommission til at deltage i udstillingen og udsende en rapport. Rapporten, der udkom i 1926, fastslog, at USA klart havde misforstået formålet med udstillingen, og at der i det mindste skulle have været arrangeret en vis deltagelse for at ære den fransk-amerikanske krigsalliance. Mens USA ikke havde en pavillon, kom hundredvis af amerikanske designere, kunstnere, journalister og stormagasinkøbere til Paris for at se udstillingen.

Siden

Det sted, der blev valgt til udstillingen, var centrum af Paris, omkring Grand Palais , den enorme glas- og jernpavillon, der var blevet bygget til Paris -udstillingen i 1900. Hovedarkitekten var Charles Plumet . Hovedindgangen, kaldet æresporten, lå ved siden af ​​Grand Palais. Hovedaksen strakte sig fra æresporten over Pont Alexandre III til Les Invalides med pavilloner på begge bredder, mens haver og springvand blev placeret mellem pavillonerne. Pont Alexander III, der forbandt de to dele af udstillingen, blev omdannet til et modernistisk indkøbscenter af arkitekten Maurice Dufrêne . Bredden af ​​Seinen var foret med flydende restauranter bygget til udstillingen, som blev en populær attraktion.

Der var tretten forskellige indgange til udstillingen, som hver blev designet af en anden arkitekt. Hovedindgangen var på Place de la Concorde , designet af arkitekten Pierre Patout, med en statue af en kvinde i midten kaldet "Welcome" af Louis Dejean. Pavillonerne i de store franske butikker og dekoratører var placeret på hovedaksen inden for indgangen. En anden sektion var afsat til pavilloner fra designere fra de franske provinser, især fra Nancy og Lyon. En anden sektion var afsat til udenlandske pavilloner og producenter, og en anden til produkter fra franske kolonier, der kunne bruges til dekoration, især sjældne træsorter og produkter som elfenben og perlemor.

Den højeste struktur i udstillingen og en af ​​de mest modernistiske var tårnet på Tourism Pavilion af Robert Mallet-Stevens . Tårnets slanke linjer og mangel på ornament var en meddelelse om den internationale stil, der ville erstatte Art Deco. I 1929 ledte Mallet-Stevens oprettelsen af The French Union of Modern Artists, der gjorde oprør mod de luksuriøse dekorative stilarter, der blev vist på udstillingen, og sammen med Le Corbusier krævede arkitektur uden ornament, bygget med billige og masseproducerede materialer.

Pavilloner af de franske designere

Lige inden for hovedindgangen til udstillingen på Place de la Concorde var udstillingens hovedpromenade med pavilloner i de store franske stormagasiner og producenter af luksusmøbler, porcelæn, glasvarer og tekstiler. Hver pavillon blev designet af en anden arkitekt, og de forsøgte at overgå hinanden med farverige indgange, skulpturelle friser og vægmalerier af keramik og metal. Det modernistiske tårn på Turismepavillonen designet af Robert Mallet-Stevens skiller sig ud over de andre pavilloner. Inde i hver pavillon præsenterede værelser med ensembler af møbler, tæpper, malerier og andre dekorative genstande.

Mange af udstillingerne blev vist inde i Grand Palais, den enorme hal, der var blevet bygget til den internationale udstilling i 1900. For første gang på en international udstilling blev møbler ikke vist som individuelle genstande, men i lokaler, der ligner dem i et hjem, hvor al indretning var koordineret. Hôtel du Collectioneur viste for eksempel værkerne fra møbelfabrikanten Émile-Jacques Ruhlmann i værelser komplet med malerier og pejse i samme moderne stil.

Den mest usædvanlige, mest beskedne og til sidst sandsynligvis den mest indflydelsesrige franske pavillon var magasinet L'Esprit Nouveau , instrueret af Amédée Ozenfant og Le Corbusier . De havde grundlagt den puristiske bevægelse 1918 med det mål at eliminere al dekoration i arkitekturen og erstatte håndlavede møbler med maskinfremstillede møbler. De grundlagde L'Esprit Nouveau i 1920 og brugte det kraftigt til at angribe traditionel dekorativ kunst. "Dekorativ kunst," skrev Le Corbusier, "i modsætning til maskinfænomenet, er den sidste ryk i den gamle manuelle tilstand, og er en døende ting. Vores pavillon vil kun indeholde standard ting skabt af industrien på fabrikker og masseproduceret, virkelig nutidens genstande. " Esprit Nouveau -pavillonen var næsten skjult mellem to fløje i Grand Palais. Det var lavet af beton, stål og glas, uden overhovedet ornament. Interiøret havde almindelige hvide vægge med et par kubistiske malerier. Da træer på stedet ikke kunne fældes, integrerede Le Corbusier et træ i bygningens indre og kom op gennem et hul i taget. Møblerne var enkle, maskinfremstillede og masseproducerede. Arrangørerne af udstillingen var rædselsslagne over bygningens udseende og forsøgte at skjule den ved at bygge et hegn. Le Corbusier appellerede imidlertid til ministeriet for kunst, der sponsorerede udstillingen, og hegnet blev fjernet.

Inden for pavillonbygningen udstillede Le Corbusier sin Plan Voisin for Paris. Den Plan Voisin , opkaldt efter pioner luftfart Gabriel Voisin foreslog opførelsen af en serie af identiske 200 meter høje skyskrabere og sænke rektangulære lejligheder, ville der erstatter de historiske bygninger på højre bred af Seinen i Paris. Han havde ingen forventning om, at det centrale Paris ville blive revet ned og hans plan blev gennemført; det var simpelthen en måde at tiltrække opmærksomhed på hans ideer. Pavillonen repræsenterede en enkelt modulær lejlighed, der repræsenterede de identiske maskinfremstillede huse, som Le Corbusier mente var fremtiden for moderne arkitektur.

Udenlandske pavilloner

Omkring tyve lande deltog i udstillingen. Tyskland blev ikke inviteret på grund af sin rolle i første verdenskrig, men Østrig og Ungarn blev inviteret, ligesom det nye Sovjetunionen, selvom det endnu ikke var officielt anerkendt af Frankrig. Mange lande havde udstillinger af møbler og dekoration i Grand Palais og byggede også pavilloner for at illustrere nye ideer inden for arkitektur. Storbritannien, Italien, Spanien, Belgien og Holland havde alle betydelige pavilloner, ligesom de skandinaviske lande, Polen og Tjekkoslovakiet. Japan havde en vigtig pavillon, mens Kina kun havde en beskeden repræsentation. USA, der ikke helt forstod formålet med udstillingen, valgte ikke at deltage.

Østrig var en stor deltager takket være arbejdet fra Josef Hoffmann , der designede den østrigske pavillon ved siden af ​​Seinen. Komplekset omfattede en terrasse ved Seinen, et tårn, en udstillingshal af glas og jern af Peter Behrens og en lyst indrettet cafe. Pavillonen indeholdt skulpturværker af modernisterne Anton Hanak og Eugen Steinhof.

Belgien var også en stor deltager; landet havde en stor udstilling af møbler og design på stueetagen i Grand Palais og en separat pavillon, designet af Victor Horta , pioner inden for jugendarkitektur . Belgien var efterladt i ruiner af krigen, og den belgiske udstilling havde et lavt budget; pavillonen var lavet af træ, gips og andre billige materialer. Hortas pavillon havde et rektangualt tårn, kronet med seks statuer af Wolfers, der repræsenterede dekorativ kunst gennem tiderne. Interiøret viste gobeliner, glas og dekoration i den nye stil. Belgiske kunstnere, der deltog, omfattede arkitekterne Paul Hamesse, Henry van de Velde , Flor Van Reeth og Victor Bourgeois , dekoratøren Leon Sneyers.

Pavillonen af Danmark , som Kay Fisker , var en slående blok af røde og hvide mursten, hvilket gør en dansk kors. Inde var vægmalerier af Mogens Lorentzen inspireret af gamle kort over Danmark med farverige og fantastiske billeder. En separat bygning, symmetrisk med den første, blev fyldt med lys og viste værkerne fra den danske fabrik i porcelæn og fajance.

Sveriges pavillon blev designet af Carl Bergsten , mens den svenske udstilling i Grand Palais indeholdt en model af det nye art deco -rådhus i Stockholm, af Ragnar Ostberg . Den lille pavillon var en deco -version af klassicisme, ren og enkel; det afspejlede sig i en pool og diskret dekoreret med deco -statuer.

Den nederlandske pavillon , designet af JF Staal, blev designet til i moderne stil at fange mysteriet og luksusen i Østindien, hvor landet havde kolonier. Et enormt tag som det på en pagode dækkede strukturen; facaden var dekoreret med farverige vægmalerier, og strukturen afspejlede sig i murede poler.

Pavillonen af Italien ved Armando Brasini var en stor klassisk blok bygget af beton og dækket med dekoration i marmor, keramik og forgyldte mursten. I midten var et enormt hoved af en mand i bronze af billedhuggeren Adolfo Wildt.

Pavillonen i Storbritannien , af arkitekterne Easton og Robertson, lignede en art deco -katedral. Det var dekoreret på ydersiden med farverige flag og indeni med farvet glas, vægmalerier og polykrom facade med arabesker og orientalske temaer. Interiøret åbnede for en restaurant på en platform ved siden af ​​Seinen.

Polens pavillon er designet af Joseph Czajkowski. Det havde et flamboyant glas- og jerntårn med geometriske facetter, en deco versio af de maleriske kirker i Polen i det 17. og 18. århundrede. Pavillonen blev også inspireret af arkitekturen i den traditionelle herregård med polsk adel og af Zakopane Style . Blanding af alt var et forsøg på at skabe den polske nationale stil. Den ottekantede hal, understøttet af træpiller, havde et ovenlysvindue af deco -farvet glas og var fyldt med deco -statuer og gobeliner. Polsk grafisk kunst blev også med succes repræsenteret. Tadeusz Gronowski og Zofia Stryjeńska vandt Grand Prix i denne kategori.

Japans pavillon af Shichigoro Yamada og Iwakichi Miyamoto var i den klassiske japanske tradition, men med brug af både traditionelle materialer, såsom halm og lakeret træ, kombineret med meget raffineret lakeret dekoration. Det blev bygget i Japan, transporteret til Frankrig og samlet af japanske arbejdere.

Sovjetunionens pavillon var en af ​​de mest usædvanlige i udstillingen. Det blev skabt af en ung russisk arkitekt, Konstantin Melnikov , der i 1922 havde tegnet det nye centrale marked i Moskva, og som også tegnede sarkofagen i Lenins mausoleum i Moskva. Han havde et meget lavt budget og byggede sin struktur udelukkende af træ og glas. En trappe krydsede strukturen diagonalt på ydersiden, så besøgende kunne se det indre af udstillingen ovenfra. Taget over trappen var ikke gennemgående, men bestod af træplaner hængende i en vinkel, som skulle slippe frisk luft ind og holde regn ude, men besøgende var undertiden gennemblødte. Udstillingerne indeholdt modeller af projekter til forskellige sovjetiske monumenter. Bygningens hensigt var at tiltrække opmærksomhed, og det lykkedes bestemt; det var en af ​​de mest omtalte bygninger i udstillingen.

Dekorativ kunst

  • Det oplyste krystalfontæne ved udstillingen, af René Lalique

  • En gitter med to vinger kaldet "Fasanerne", lavet af Paul Kiss og vist på udstillingen i 1925.

  • Jern- og kobberrist kaldet "Oasis" af Edgar Brandt. Brandt designede også prydportene ved hovedindgangen til udstillingen.

  • Et kabinet af Emile-Jacques Ruhlmann vist i Maison du Collectioneur

  • Et ur lavet af hvid jade, onyx, diamanter, koraller, perlemor og guld, af Louis Cartier og Maurice Couët (1923–27)

  • En Limoges vase af Camille Fauré (1874-1956)

Efter programmet fra de franske arrangører af udstillingen udtrykte de udstillede objekter, fra møbler til glasvarer og metalarbejde, alle en ny stil, en kombination af modernistiske former udført med traditionelt fransk håndværk. De viste møbler, glasvarer, metalarbejde, tekstiler og objekter blev fremstillet af sjældne og dyre materialer som ibenholt, elfenben, perlemor, hajskind og eksotiske træsorter fra hele verden, men de former, de brugte, var meget forskellige fra Art Nouveau eller de foregående historiske stilarter. De brugte geometriske former, lige linjer, zigzagmønstre, stiliserede guirlander af blomster og frugtkurve for at skabe noget nyt og anderledes. Firmaet Lalique , der er bedst kendt for sit sarte art nouveau -glasværk, producerede et art deco -krystal springvand, oplyst indefra, som blev et af udstillingens vartegn. Maison d'un Collectioneur, pavillonen til møbelproducenten Jacques-Emile Ruhlmann , viste hvordan et art deco-hus kunne se ud med et art deco-maleri, skulptur af Antoine Bourdelle , et maleri af Jean Dupas og fint håndværk.

Et alternativt syn på dekorationens fremtid blev også vist på udstillingen i den hvide terning på pavillonen i Esprit Nouveau. Her viste Le Corbusier prototyper af masseproducerede stykker billige møbler, lavet med billige materialer, som han så som fremtiden for indretning.

Seværdigheder og forlystelser

Den Eiffeltårnet blev forvandlet til en oplyst reklame for Citroën under udstillingen

Store områder blev afsat til forlystelser, lige fra skydegallerier til lystgade, caféer og teatre. En miniaturelandsby blev oprettet for børn, og der var scener, der præsenterede skuespil, balletter, sangere og kulturprogrammer fra de deltagende lande. Udstillingen var også stedet for modeshows, parader og skønhedskonkurrencer samt hyppige fyrværkeri.

Den Eiffeltårnet var ikke inden for området, men det var klart synlig fra udstillingen. Den Citroën Company dekoreret tårnet fra top til bund med to hundrede tusinde pærer i seks farver. Lysene kunne styres fra et tastatur og præsenterede ni forskellige mønstre, herunder geometriske former og cirkler, et brusebad med stjerner, stjernetegnene og mest fremtrædende navnet CITROËN.

En gigantisk banket og galla blev afholdt den 16. juni 1925 i Grand Palais. Det fremhævede den amerikanske danser Loie Fuller , hvor hendes danseelever syntes at svømme gennem gasbind. danseren Eva Le Galienne som Joan of Arc og danseren Ida Rubenstein som den gyldne engel i et kostume af Léon Bakst ; sangeren Mistinguett i kostume af en diamant, omgivet af truppen i Casino de Paris klædt som ædelstene; og korte forestillinger af de fulde selskaber i Comédie-Française og Paris Opera , Folies Bergère og Moulin Rouge . Finalen var "Ballet af balletter" danset af tre hundrede dansere fra alle Paris balletkompagnier i hvide tutuer.

Udstillingen arv

Udstillingen nåede sit mål, at vise, at Paris stadig herskede i designkunst. Udtrykket "art deco" blev endnu ikke brugt, men i årene umiddelbart efter udstillingen blev den kunst og design, der blev vist der, kopieret rundt om i verden, i skyskrabere i New York, havfartøjerne, der krydsede Atlanterhavet, biografer rundt omkring verdenen. Det havde en stor indflydelse på design af mode, smykker, møbler, glas, metalarbejde, tekstiler og anden dekorativ kunst. På samme tid viste den den voksende forskel mellem den traditionelle stil moderne med sine dyre materialer, fint håndværk og overdådig dekoration og den modernistiske bevægelse, der ønskede at forenkle kunst og arkitektur. Den Esprit Nouveau pavillon og den sovjetiske pavillon var tydelige ikke dekorative, de indeholdt møbler og malerier, men disse værker, herunder pavilloner, var reservedele og moderne. Den moderne arkitektur af Le Corbusier og Konstantin Melnikov tiltrak både kritik og beundring for dens mangel på ornamentik. Kritikken fokuserede på 'nøgenhed' af disse strukturer, i forhold til andre pavilloner på udstillingen, såsom Pavilion af Collector af EBENISTE -decorator Émile-Jacques Ruhlmann .

I 1926, kort efter afslutningen på Paris dekorative kunstudstilling , angreb The French Union of Modern Artists , en gruppe, der blandt andet omfattede Francis Jourdain , Pierre Chareau , Le Corbusier og Robert Mallet-Stevens , hårdt den stil, som de sagde blev kun skabt for de velhavende, og dens form blev bestemt af deres smag. De modernister , som de blev kendt, insisterede på, at godt opførte bygninger bør være tilgængelige for alle, og at formen skal følge funktionen. Skønheden i et objekt eller en bygning lå i, om den var perfekt egnet til at opfylde sin funktion. Moderne industrielle metoder betød, at møbler og bygninger kunne masseproduceres, ikke fremstilles i hånden.

Art Deco -indretningsarkitekten Paul Follot forsvarede Art Deco på denne måde: "Vi ved, at mennesket aldrig er tilfreds med det uundværlige, og at det overflødige altid er nødvendigt ... Hvis ikke, skulle vi af med musik, blomster og parfume ..! " Le Corbusier var imidlertid en strålende publicist for modernistisk arkitektur ; han erklærede, at et hus simpelthen var "en maskine at bo i", og fremmede utrætteligt tanken om, at Art Deco var fortiden og modernisme var fremtiden. Le Corbusiers ideer blev gradvist vedtaget af arkitektskoler, og æstetikken i Art Deco blev opgivet. 1930'ernes økonomi begunstigede også modernismen; modernistiske bygninger, uden ornament, brugte billigere materialer og var billigere at bygge, og blev derfor betragtet som mere egnede til tiden. Udbruddet af Anden Verdenskrig i 1939 bragte en skarp afslutning på art deco -perioden.

Se også

Referencer

Noter og citater

Bibliografi

eksterne links

Koordinater : 48.8636 ° N 2.3136 ° E 48 ° 51′49 ″ N 2 ° 18′49 ″ E /  / 48,8636; 2.3136