Opera - Opera

Fra Wikipedia, den gratis encyklopædi

La Scala i Milano

Opera er en form for teater , hvor musik er en grundlæggende komponent, og dramatiske roller indtages af sangere , men adskiller sig fra musikteater . Et sådant "værk" (den bogstavelige oversættelse af det italienske ord "opera") er typisk et samarbejde mellem en komponist og en librettist og inkorporerer et antal scenekunst , såsom skuespil , sceneri , kostume og undertiden dans eller ballet . Forestillingen gives typisk i et operahus ledsaget af et orkester eller mindre musikalsk ensemble , som siden det tidlige 19. århundrede har været ledet af en dirigent .

Opera er en vigtig del af den vestlige tradition for klassisk musik . Oprindeligt forstået som et helt sunget stykke, i modsætning til et leg med sange, er opera kommet til at omfatte adskillige genrer , herunder nogle, der inkluderer talet dialog såsom musikteater , Singspiel og Opéra comique . I traditionel nummeropera anvender sangere to stilarter for sang: recitativ , en tale-bøjet stil og selvstændige arier . I det 19. århundrede opstod det kontinuerlige musikdrama .

Opera opstod i Italien i slutningen af ​​det 16. århundrede (med Jacopo Peris mest mistede Dafne , produceret i Firenze i 1598) især fra værker af Claudio Monteverdi , især L'Orfeo , og spredte sig hurtigt gennem resten af ​​Europa: Heinrich Schütz i Tyskland, Jean-Baptiste Lully i Frankrig, og Henry Purcell i England var alle med til at etablere deres nationale traditioner i det 17. århundrede. I det 18. århundrede fortsatte italiensk opera med at dominere det meste af Europa (undtagen Frankrig) og tiltrak udenlandske komponister som George Frideric Handel . Opera seria var den mest prestigefyldte form for italiensk opera, indtil Christoph Willibald Gluck reagerede imod dens kunstighed med sine "reform" -operaer i 1760'erne. Den mest berømte skikkelse fra operaen fra det 18. århundrede er Wolfgang Amadeus Mozart , der begyndte med opera seria, men er mest berømt for sine italienske tegneserieoperaer , især Figaros ægteskab ( Le nozze di Figaro ), Don Giovanni og Così fan tutte , samt Die Entführung aus dem Serail ( bortførelsen fra Seraglio ) og Tryllefløjten ( Die Zauberflöte ), vartegn i den tyske tradition.

Den første tredjedel af det 19. århundrede så højdepunktet i bel canto- stilen, hvor Gioachino Rossini , Gaetano Donizetti og Vincenzo Bellini alle skabte signaturværker af den stil. Det så også fremkomsten af ​​den store opera, der er kendetegnet ved værkerne af Daniel Auber og Giacomo Meyerbeer samt Carl Maria von Webers introduktion af German Romantische Oper (German Romantic Opera). Midt til slutningen af ​​det 19. århundrede var en gylden tidsalder for opera, ledet og domineret af Giuseppe Verdi i Italien og Richard Wagner i Tyskland. Populariteten af ​​opera fortsatte gennem verismo- æraen i Italien og moderne fransk opera til Giacomo Puccini og Richard Strauss i det tidlige 20. århundrede. I løbet af det 19. århundrede opstod der parallelle operatraditioner i Central- og Østeuropa, især i Rusland og Bøhmen . Det 20. århundrede oplevede mange eksperimenter med moderne stilarter, såsom atonalitet og serialisme ( Arnold Schoenberg og Alban Berg ), neoklassicisme ( Igor Stravinsky ) og minimalisme ( Philip Glass og John Adams ). Med fremkomsten af optageteknologi blev sangere som Enrico Caruso og Maria Callas kendt for et meget bredere publikum, der gik ud over cirklen af ​​operafans. Siden opfindelsen af ​​radio og tv blev operaer også udført på (og skrevet til) disse medier. Begyndende i 2006 begyndte en række større operahuse at præsentere live high-definition videooverførsler af deres forestillinger på biografer over hele verden. Siden 2009 kan komplette forestillinger downloades og streames live .

Operatisk terminologi

Ordene fra en opera er kendt som libretto (bogstaveligt talt "lille bog"). Nogle komponister, især Wagner, har skrevet deres egen libretti; andre har arbejdet i tæt samarbejde med deres librettister, f.eks. Mozart med Lorenzo Da Ponte . Traditionel opera, ofte omtalt som " nummeropera ", består af to former for sang: recitativ , de plotdrivende passager sunget i en stil designet til at efterligne og understrege bøjning af tale og aria (en "luft" eller formel sang ) hvor karaktererne udtrykker deres følelser i en mere struktureret melodisk stil. Vokalduetter, trioer og andre ensembler forekommer ofte, og kor bruges til at kommentere handlingen. I nogle former for opera, såsom singspiel , opéra comique , operette og semi-opera , erstattes recitativet for det meste af talt dialog. Melodiske eller semi-melodiske passager, der forekommer midt i eller i stedet for, recitativ, kaldes også arioso . Terminologien for de forskellige slags opera stemmer er beskrevet detaljeret nedenfor . I både barokperioden og den klassiske periode kunne recitativ optræde i to grundlæggende former, som hver blev ledsaget af et andet instrumentalt ensemble: secco (tør) recitativ, sunget med en fri rytme dikteret af ordets accent, kun ledsaget af basso continuo , som normalt var et cembalo og en cello; eller akkompagnato (også kendt som strumentato ), hvor orkesteret leverede akkompagnement. I løbet af det 18. århundrede blev arier i stigende grad ledsaget af orkestret. I det 19. århundrede havde companagnato fået overhånden, orkesteret spillede en meget større rolle, og Wagner revolutionerede operaen ved at afskaffe næsten al skelnen mellem aria og recitativ i sin søgen efter, hvad Wagner kaldte "endeløs melodi". Efterfølgende komponister har tendens til at følge Wagners eksempel, selvom nogle som Stravinsky i hans The Rake's Progress har skubbet tendensen. Orkestrets skiftende rolle i operaen beskrives mere detaljeret nedenfor .

Historie

Oprindelse

Det italienske ord opera betyder "arbejde", både i betydningen arbejdet og det producerede resultat. Det italienske ord stammer fra den latinske opera , et entydigt substantiv der betyder "arbejde" og også flertallet af navneordet opus . Ifølge Oxford English Dictionary blev det italienske ord først brugt i betydningen "komposition, hvor poesi, dans og musik kombineres" i 1639; den første registrerede engelske brug i denne forstand dateres til 1648.

Dafne af Jacopo Peri var den tidligste komposition, der blev betragtet som opera, som det blev forstået i dag. Det blev skrevet omkring 1597, stort set under inspiration af en elitecirkel af literate florentinske humanister, der samledes som " Camerata de 'Bardi ". Betydeligt var Dafne et forsøg på at genoplive det klassiske græske drama , en del af den bredere genoplivning af antikken, der er karakteristisk for renæssancen . Medlemmerne af Camerata mente, at "kor" -delene af græske dramaer oprindeligt blev sunget og muligvis endda hele teksten i alle roller; opera blev således opfattet som en måde at "gendanne" denne situation på. Dafne er imidlertid tabt. Et senere værk af Peri, Euridice , dateret fra 1600, er den første opera-score, der har overlevet til i dag. Æren af at være den første opera stadig skal regelmæssigt udføres dog går til Claudio Monteverdi 's L'Orfeo , komponeret til retten i Mantova i 1607. Den Mantua domstol i Gonzagas , arbejdsgivere for Monteverdi, spillede en væsentlig rolle i oprindelsen til opera, der ikke kun beskæftiger hoffesangere til concerto delle donne (indtil 1598), men også en af ​​de første egentlige "operasangere", Madama Europa .

Italiensk opera

Barok æra

Privat barokteater i Český Krumlov

Opera blev ikke begrænset til domstolspublikum længe. I 1637 opstod ideen om en "sæson" (ofte under karnevalet ) af offentligt deltagende operaer understøttet af billetsalg i Venedig . Monteverdi var flyttet til byen fra Mantua og komponerede sine sidste operaer, Il ritorno d'Ulisse in patria og L'incoronazione di Poppea , til det venetianske teater i 1640'erne. Hans vigtigste tilhænger Francesco Cavalli hjalp med at sprede opera i hele Italien. I disse tidlige barokkeoperaer blev bred komedie blandet med tragiske elementer i en blanding, der skabte nogle veluddannede følsomheder, hvilket udløste den første af operaens mange reformbevægelser, sponsoreret af Arcadian Academy , som kom til at være forbundet med digteren Metastasio , hvis libretti hjalp krystalliserer genren opera seria , som blev den førende form for italiensk opera indtil slutningen af ​​det 18. århundrede. Når det metastasiske ideal var blevet fast etableret, var komedie i opera i barok-æraen forbeholdt det, der kom til at blive kaldt opera buffa . Før sådanne elementer blev tvunget ud af opera seria, havde mange libretti præsenteret et separat udfoldeligt tegneserieplot som en slags "opera inden i en opera". En af grundene til dette var et forsøg på at tiltrække medlemmer af den voksende købmandsklasse, nyligt velhavende, men stadig ikke så kultiveret som adelen, til de offentlige operahuse . Disse separate plot blev næsten straks genoplivet i en særskilt udviklende tradition, der delvis stammer fra commedia dell'arte , en langt blomstrende improvisatorisk scenetradition i Italien. Ligesom der engang var udført mellemrum mellem scenespilene, blev operaer i den nye tegneserie af intermezzi , som stort set udviklede sig i Napoli i 1710'erne og 1720'erne, oprindeligt iscenesat under opera seriens mellemrum. De blev imidlertid så populære, at de snart blev tilbudt som separate produktioner.

Opera seria var forhøjet i tone og meget stiliseret i form, som regel bestående af secco recitativ ispedd lange da capo arier. Disse gav stor mulighed for virtuos sang og i operaens seriens gyldne tidsalder blev sangeren virkelig stjernen. Heltens rolle blev normalt skrevet til den høje mandlige castrato- stemme, som blev produceret ved kastrering af sangeren inden puberteten , hvilket forhindrede en drengs strubehoved i at blive transformeret i puberteten. Castrati som Farinelli og Senesino samt kvindelige sopraner som Faustina Bordoni blev meget efterspurgt i hele Europa, da opera seria styrede scenen i alle lande undtagen Frankrig. Farinelli var en af ​​de mest berømte sangere i det 18. århundrede. Italiensk opera satte barokstandarden. Italienske libretti var normen, selv når en tysk komponist som Händel befandt sig som Rinaldo og Giulio Cesare for Londons publikum. Italiensk libretti forblev også dominerende i den klassiske periode , for eksempel i operaerne fra Mozart , der skrev i Wien nær århundredets afslutning. Blandt de førende italienskfødte komponister af opera seria er Alessandro Scarlatti , Antonio Vivaldi og Nicola Porpora .

Glucks reformer og Mozart

Illustration til partituret i den originale Wien-version af Orfeo ed Euridice

Opera seria havde sine svagheder og kritikere. Smagen til udsmykning på vegne af de supertrænede sangere og brugen af ​​briller som erstatning for dramatisk renhed og enhed trak angreb. Francesco Algarotti 's essay om Operaen (1755) viste sig at være en inspiration for Christoph Willibald Gluck ' s reformer. Han fortalte, at opera seria måtte vende tilbage til det grundlæggende, og at alle de forskellige elementer - musik (både instrumental og vokal), ballet og iscenesættelse - skulle være underordnet det overordnede drama. I 1765 udgav Melchior Grimm " Poème lyrique ", en indflydelsesrig artikel for Encyclopédie om lyrik og opera- librettoer . Flere komponister fra perioden, herunder Niccolò Jommelli og Tommaso Traetta , forsøgte at omsætte disse idealer i praksis. Den første til at lykkes var imidlertid Gluck. Gluck stræbte efter at opnå en "smuk enkelhed". Dette er tydeligt i hans første reformopera, Orfeo ed Euridice , hvor hans ikke-virtuose vokalmelodier understøttes af enkle harmonier og et rigere orkester tilstedeværelse overalt.

Glucks reformer har haft resonans gennem hele operahistorien. Især Weber, Mozart og Wagner blev påvirket af hans idealer. Mozart kombinerede på mange måder Glucks efterfølger en fantastisk følelse af drama, harmoni, melodi og kontrapunkt for at skrive en række tegneserieoperaer med libretti af Lorenzo Da Ponte , især Le nozze di Figaro , Don Giovanni og Così fan tutte , som forblive blandt de mest elskede, populære og kendte operaer. Men Mozarts bidrag til opera seria var mere blandet; på hans tid var det ved at dø ud, og på trods af så fine værker som Idomeneo og La clemenza di Tito ville han ikke lykkes med at bringe kunstformen tilbage til livet igen.

Bel canto, Verdi og verismo

Giuseppe Verdi, af Giovanni Boldini , 1886

Den bel canto opera bevægelse blomstrede i begyndelsen af det 19. århundrede og er eksemplificeret ved de operaer af Rossini , Bellini , Donizetti , Pacini , Mercadante og mange andre. Bogstaveligt talt "smuk sang", bel canto opera stammer fra den italienske stilistiske sangskole med samme navn. Bel canto-linjer er typisk floride og indviklede og kræver høj agility og tonehøjdekontrol. Eksempler på berømte operaer i bel canto-stil inkluderer Rossinis Il barbiere di Siviglia og La Cenerentola samt Bellinis Norma , La sonnambula og I puritani og Donizettis Lucia di Lammermoor , L'elisir d'amore og Don Pasquale .

Efter bel canto-æraen blev en mere direkte, kraftig stil hurtigt populariseret af Giuseppe Verdi , der begyndte med sin bibelske opera Nabucco . Denne opera og dem, der ville følge i Verdis karriere, revolutionerede den italienske opera og ændrede den fra blot en visning af vokal fyrværkeri med Rossinis og Donizettis værker til dramatisk historiefortælling. Verdis operaer genlyd med den voksende ånd af italiensk nationalisme i den post- napoleoniske æra, og han blev hurtigt et ikon for den patriotiske bevægelse for et samlet Italien. I de tidlige 1850'ere producerede Verdi sine tre mest populære operaer: Rigoletto , Il trovatore og La traviata . Den første af disse, Rigoletto , viste sig at være den mest dristige og revolutionerende. I den udvisker Verdi sondringen mellem arien og recitativ, som den aldrig før var, hvilket førte til, at operaen var "en uendelig streng af duetter". La traviata var også ny. Den fortæller historien om kurtisan og citeres ofte som en af ​​de første "realistiske" operaer, fordi den snarere end med store konger og figurer fra litteraturen fokuserer på tragedierne i almindeligt liv og samfund. Efter disse fortsatte han med at udvikle sin stil ved at komponere måske den største franske store opera , Don Carlos , og afslutte sin karriere med to Shakespeare-inspirerede værker, Otello og Falstaff , der afslører, hvor langt italiensk opera var vokset i sofistikeret siden begyndelsen af ​​det 19. århundrede. Disse sidste to værker viste Verdi på sit mest mesterligt orkestrerede og er begge utroligt indflydelsesrige og moderne. I Falstaff sætter Verdi den fremtrædende standard for den form og stil, der ville dominere opera gennem det tyvende århundrede. I stedet for lange, suspenderede melodier indeholder Falstaff mange små motiver og mottoer, der i stedet for at blive udvidet introduceres og efterfølgende droppes for kun at blive opdraget senere. Disse motiver udvides aldrig, og ligesom publikum forventer, at en karakter starter i en lang melodi, taler en ny karakter og introducerer en ny sætning. Denne mode af opera instruerede opera fra Verdi og fremefter og udøvede en enorm indflydelse på hans efterfølgere Giacomo Puccini , Richard Strauss og Benjamin Britten .

Efter Verdi dukkede den sentimentale "realistiske" melodrama af verismo op i Italien. Dette var en stil introduceret af Pietro Mascagni 's Cavalleria Rusticana og Ruggiero Leoncavallo ' s Pagliacci der kom til at dominere verdens operascener med sådanne populære værker som Giacomo Puccini 's La Boheme , Tosca , og Madama Butterfly . Senere italienske komponister, som Berio og Nono , har eksperimenteret med modernisme .

Tysk-sprog opera

Dronningen af ​​natten i en 1815-produktion af Mozarts Die Zauberflöte

Den første tyske opera var Dafne , komponeret af Heinrich Schütz i 1627, men musikpartituret har ikke overlevet. Italiensk opera havde en stor svingning over tysktalende lande indtil slutningen af ​​det 18. århundrede. Ikke desto mindre ville oprindelige former udvikle sig på trods af denne indflydelse. I 1644 producerede Sigmund Staden det første Singspiel , Seelewig , en populær form for tysksproget opera, hvor sang skifter med talet dialog. I slutningen af ​​det 17. århundrede og det tidlige 18. århundrede præsenterede Theater am Gänsemarkt i Hamborg tyske operaer af Keizer , Telemann og Handel . Alligevel valgte de fleste af de største tyske komponister på det tidspunkt, inklusive Händel selv samt Graun , Hasse og senere Gluck , at skrive de fleste af deres operaer på fremmedsprog, især italiensk. I modsætning til italiensk opera, som generelt blev komponeret til den aristokratiske klasse, blev tysk opera generelt komponeret til masserne og havde tendens til at have enkle folkelignende melodier, og det var først med Mozarts ankomst, at den tyske opera var i stand til at matche dens Italiensk modstykke i musikalsk raffinement. Abel Seylers teaterselskab var banebrydende for seriøs tysksprogede operaer i 1770'erne og markerede et brud med den tidligere enklere musikunderholdning.

Richard Wagner

Mozarts 's syngespil , Bortførelsen fra Seraillet (1782) og Die Zauberflöte (1791) var et vigtigt gennembrud i at opnå international anerkendelse for tysk opera. Traditionen blev udviklet i det 19. århundrede af Beethoven med sin Fidelio (1805), inspireret af klimaet i den franske revolution . Carl Maria von Weber etablerede tysk romantisk opera i modsætning til dominansen af ​​italiensk bel canto . Hans Der Freischütz (1821) viser hans geni til at skabe en overnaturlig atmosfære. Andre datidens operakomponister inkluderer Marschner , Schubert og Lortzing , men den mest betydningsfulde figur var utvivlsomt Wagner .

Brünnhilde kaster sig på Siegfrieds begravelsesbål i Wagners Götterdämmerung

Wagner var en af ​​de mest revolutionerende og kontroversielle komponister i musikhistorien. Startende under indflydelse af Weber og Meyerbeer udviklede han gradvist et nyt koncept af opera som et Gesamtkunstwerk (et "komplet kunstværk"), en fusion af musik, poesi og maleri. Han øgede orkesterets rolle og magt kraftigt og skabte partiturer med et komplekst web af leitmotiver , tilbagevendende temaer, der ofte var forbundet med karaktererne og begreberne i dramaet, hvoraf prototyper kan høres i hans tidligere operaer som Der fliegende Holländer , Tannhäuser og Lohengrin ; og han var parat til at krænke accepterede musikalske konventioner, såsom tonalitet , i sin søgen efter større udtryksevne. I sine modne musikdramaer, Tristan und Isolde , Die Meistersinger von Nürnberg , Der Ring des Nibelungen og Parsifal , afskaffede han sondringen mellem aria og recitativ til fordel for en problemfri strøm af "endeløs melodi". Wagner bragte også operaen en ny filosofisk dimension i sine værker, som normalt var baseret på historier fra germansk eller Arthur- legende. Endelig byggede Wagner sit eget operahus i Bayreuth med en del af protektion fra Ludwig II i Bayern , udelukkende dedikeret til at udføre sine egne værker i den stil, han ønskede.

Opera ville aldrig være den samme efter Wagner, og for mange komponister viste hans arv sig en tung byrde. På den anden side accepterede Richard Strauss Wagner-ideer, men tog dem i helt nye retninger sammen med at inkorporere den nye form introduceret af Verdi. Han vandt først berømmelse med den skandaløse Salome og den mørke tragedie Elektra , hvor tonaliteten blev skubbet til grænserne. Derefter skiftede Strauss tack i sin største succes, Der Rosenkavalier , hvor Mozart og Wienervalse blev lige så vigtig en indflydelse som Wagner. Strauss fortsatte med at producere en meget varieret samling af operaværker, ofte med libretti af digteren Hugo von Hofmannsthal . Andre komponister, der leverede individuelle bidrag til tysk opera i det tidlige 20. århundrede, inkluderer Alexander von Zemlinsky , Erich Korngold , Franz Schreker , Paul Hindemith , Kurt Weill og den italiensk-fødte Ferruccio Busoni . De operasanger nyskabelser i Arnold Schönberg og hans efterfølgere diskuteres i afsnittet om modernisme .

I løbet af slutningen af det 19. århundrede, den østrigske komponist Johann Strauss II , en beundrer af de franske -Sprog operetter komponeret af Jacques Offenbach , komponeret flere tysksprogede operetter, den mest berømte af dem var Flagermusen . Ikke desto mindre, i stedet for at kopiere Offenbachs stil, havde operetterne i Strauss II en tydelig wiensk smag for dem.

Fransk opera

En forestilling af Lullys opera Armide i Salle du Palais-Royal i 1761

I rivalisering med importerede italienske operaproduktioner blev en separat fransk tradition grundlagt af den italienske Jean-Baptiste Lully ved hoffet af kong Louis XIV . På trods af sin udenlandske oprindelse oprettede Lully et musikakademi og monopoliserede fransk opera fra 1672. Fra og med Cadmus et Hermione skabte Lully og hans librettist Quinault tragédie en musique , en form hvor dansemusik og korskrivning var særlig fremtrædende. Lullys operaer viser også en bekymring for udtryksfuld recitativ, som matchede konturerne af det franske sprog. I det 18. århundrede var Lullys vigtigste efterfølger Jean-Philippe Rameau , der komponerede fem tragédies en musique samt adskillige værker i andre genrer som opéra-ballet , alt sammen kendt for deres rige orkestrering og harmonisk dristighed. På trods af populariteten af ​​italienske operaerier i store dele af Europa i barokperioden vandt italiensk opera aldrig meget fodfæste i Frankrig, hvor dens egen nationale operatradition i stedet var mere populær. Efter Rameaus død blev den tyske Gluck overtalt til at producere seks operaer til den parisiske scene i 1770'erne. De viser indflydelsen fra Rameau, men forenklet og med større fokus på dramaet. Samtidig blev en anden genre i Frankrig i midten af ​​det 18. århundrede mere populær: opéra comique . Dette svarede til det tyske singspiel , hvor arier vekslede med talt dialog. Bemærkelsesværdige eksempler i denne stil blev produceret af Monsigny , Philidor og frem for alt Grétry . Under revolutionen og napoleonstiden bragte komponister som Étienne Méhul , Luigi Cherubini og Gaspare Spontini , som var tilhængere af Gluck, genren et nyt alvor, som under ingen omstændigheder aldrig havde været helt "komisk". Et andet fænomen i denne periode var 'propagandaoperaen', der fejrede revolutionære succeser, f.eks. Gossecs Le triomphe de la République (1793).

I 1820'erne havde Gluckians indflydelse i Frankrig givet plads til en smag for italiensk bel canto , især efter ankomsten af Rossini til Paris . Rossinis Guillaume Tell hjalp til med at finde den nye genre af grand opera , en form, hvis mest berømte eksponent var en anden udlænding, Giacomo Meyerbeer . Meyerbears værker, såsom Les Huguenots , understregede virtuos sang og ekstraordinære sceneeffekter. Lettere opéra comique nød også en enorm succes i hænderne på Boïeldieu , Auber , Hérold og Adam . I dette klima kæmpede operaerne til den franskfødte komponist Hector Berlioz for at få høringen. Berlioz 'episke mesterværk Les Troyens , kulminationen på Gluckians tradition, fik ikke fuld forestilling i næsten hundrede år.

I anden halvdel af det 19. århundrede oprettede Jacques Offenbach operette med vittige og kyniske værker som Orphée aux enfers samt operaen Les Contes d'Hoffmann ; Charles Gounod scorede en massiv succes med Faust ; og Georges Bizet komponerede Carmen , som, når publikum lærte at acceptere dens blanding af romantik og realisme, blev den mest populære af alle opéra comiques. Jules Massenet , Camille Saint-Saëns og Léo Delibes komponerede alle værker, der stadig er en del af standardrepertoiret, eksempelvis Massenet's Manon , Saint-Saëns ' Samson et Dalila og Delibes' Lakmé . Deres operaer dannede en anden genre, Opera Lyrique, kombineret opera comique og grand opera. Det er mindre storslået end grand opera, men uden opera comics talte dialog. Samtidig blev Richard Wagners indflydelse følt som en udfordring for den franske tradition. Mange franske kritikere afviste vredt Wagners musikdramaer, mens mange franske komponister tæt imiterede dem med variabel succes. Måske kom det mest interessante svar fra Claude Debussy . Som i Wagners værker spiller orkesteret en førende rolle i Debussys unikke opera Pelléas et Mélisande (1902), og der er ingen rigtige arier, kun recitativ. Men dramaet er undervurderet, gådefuldt og fuldstændig un-wagnerisk.

Andre bemærkelsesværdige navne fra det 20. århundrede inkluderer Ravel , Dukas , Roussel , Honegger og Milhaud . Francis Poulenc er en af ​​de meget få komponister efter krigen fra enhver nationalitet, hvis operaer (som inkluderer Dialogues des Carmélites ) har fået fodfæste i det internationale repertoire. Olivier Messiaens lange hellige drama Saint François d'Assise (1983) har også vakt stor opmærksomhed.

Engelsk-opera

I England, operaens forgænger var det 17. århundrede jig . Dette var et bagværk, der kom i slutningen af ​​et stykke. Det var ofte injurierende og skandaløst og bestod hovedsageligt i dialog indstillet til musik arrangeret fra populære melodier. I denne henseende forventer jigs balladeoperaerne fra det 18. århundrede. På samme tid fik den franske maske et fast greb ved den engelske domstol med endnu mere overdådig pragt og meget realistisk natur, end man havde set før. Inigo Jones blev den typiske designer af disse produktioner, og denne stil skulle dominere den engelske scene i tre århundreder. Disse masker indeholdt sange og danse. I Ben Jonson 's Lovers Made Mænd (1617), "hele masque blev sunget efter den italienske måde, Stilo recitativo". Tilgangen til det engelske Commonwealth lukkede teatre og stoppede enhver udvikling, der måtte have ført til etableringen af ​​engelsk opera. Imidlertid producerede dramatikeren Sir William Davenant i 1656 Belejringen af ​​Rhodos . Da hans teater ikke havde licens til at producere drama, bad han flere af de førende komponister ( Lawes , Cooke , Locke , Coleman og Hudson ) om at sætte dele af det til musik. Denne succes blev efterfulgt af Spaniens grusomhed i Peru (1658) og Sir Francis Drakes historie (1659). Disse stykker blev opmuntret af Oliver Cromwell, fordi de var kritiske over for Spanien. Med den engelske restaurering blev udenlandske (især franske) musikere budt velkommen tilbage. I 1673, Thomas Shadwell 's Psyche , mønstret på 1671 'Comédie-ballet' af samme navn produceres af Molière og Jean-Baptiste Lully . William Davenant producerede The Tempest i samme år, som var den første musikalske tilpasning af et Shakespeare- stykke (komponeret af Locke og Johnson). Omkring 1683 komponerede John Blow Venus og Adonis , ofte betragtet som den første ægte engelsksprogede opera.

Blows umiddelbare efterfølger var den bedre kendte Henry Purcell . På trods af succesen med hans mesterværk Dido og Aeneas (1689), hvor handlingen fremmes ved brug af recitativ i italiensk stil, var meget af Purcells bedste arbejde ikke involveret i komponering af typisk opera, men i stedet arbejdede han normalt inden for begrænsningerne i semi-operaformatet , hvor isolerede scener og masker er indeholdt i strukturen i et talt stykke, såsom Shakespeare i Purcell's The Fairy-Queen (1692) og Beaumont and Fletcher i The Prophetess (1690) og Bonduca (1696) ). Hovedpersonerne i stykket har tendens til ikke at være involveret i de musikalske scener, hvilket betyder, at Purcell sjældent var i stand til at udvikle sine karakterer gennem sang. På trods af disse hindringer var hans mål (og hans samarbejdspartners målsætning John Dryden ) at etablere seriøs opera i England, men disse håb sluttede med Purcells tidlige død i en alder af 36 år.

Efter Purcell aftog operaens popularitet i England i flere årtier. En genoplivet interesse for opera opstod i 1730'erne, som i vid udstrækning tilskrives Thomas Arne , både for hans egne kompositioner og for at advare Händel om de kommercielle muligheder for store værker på engelsk. Arne var den første engelske komponist, der eksperimenterede med all-sung tegneserieopera i italiensk stil, hvor hans største succes var Thomas og Sally i 1760. Hans opera Artaxerxes (1762) var det første forsøg på at sætte en fuldblæst opera på engelsk og var en kæmpe succes og holdt scenen indtil 1830'erne. Selvom Arne efterlignede mange elementer i italiensk opera, var han måske den eneste engelske komponist på det tidspunkt, der var i stand til at bevæge sig ud over de italienske påvirkninger og skabe sin egen unikke og tydelige engelske stemme. Hans moderniserede balladeopera, Love in a Village (1762), begyndte en mode for pasticheopera, der varede langt ud i det 19. århundrede. Charles Burney skrev, at Arne introducerede "en let, luftig, original og behagelig melodi, helt forskellig fra Purcells eller Händels, som alle engelske komponister enten havde plyndret eller efterlignet".

Mikado (litografi)

Udover Arne var den anden dominerende styrke i engelsk opera på dette tidspunkt George Frideric Handel , hvis opera-serier fyldte Londons operahal i årtier og påvirkede de fleste hjemmevoksne komponister, som John Frederick Lampe , der skrev ved hjælp af italienske modeller. Denne situation fortsatte gennem det 18. og 19. århundrede, herunder i værket af Michael William Balfe , og operaerne til de store italienske komponister såvel som Mozarts, Beethovens og Meyerbeers operaer fortsatte med at dominere den musikalske scene i England.

De eneste undtagelser var balladeoperaer , såsom John Gay 's The Beggar's Opera (1728), musikalske burlesker , europæiske operetter og lette victorianske æra lette operaer , især Savoy Operas af WS Gilbert og Arthur Sullivan , som alle typer musikalske underholdninger ofte falske operakonventioner. Sullivan skrev kun en grand opera, Ivanhoe (efter indsatsen fra en række unge engelske komponister, der begyndte omkring 1876), men han hævdede, at selv hans lette operaer udgjorde en del af en skole med "engelsk" opera, der havde til formål at erstatte de franske operetter ( udførte normalt i dårlige oversættelser), der havde domineret scenen i London fra midten af ​​det 19. århundrede til 1870'erne. Londons Daily Telegraph accepterede og beskrev The Yeomen of the Guard som "en ægte engelsk opera, forløber for mange andre, lad os håbe, og muligvis betydningsfuldt et fremskridt mod et nationalt lyrikscene". Sullivan producerede et par lette operaer i 1890'erne, der var af mere seriøs karakter end dem i G&S-serien, herunder Haddon Hall og The Beauty Stone , men Ivanhoe (som løb i 155 forestillinger i træk ved hjælp af skiftende rollebesætninger - en rekord indtil Broadways La bohème ) overlever som hans eneste store opera .

I det 20. århundrede begyndte engelsk opera at hævde mere uafhængighed med værker af Ralph Vaughan Williams og især Benjamin Britten , der i en række værker, der forbliver i standardrepertoiret i dag, afslørede en fremragende flair for den dramatiske og fremragende musikalitet. For nylig er Sir Harrison Birtwistle opstået som en af ​​Storbritanniens mest betydningsfulde moderne komponister fra sin første opera Punch og Judy til hans seneste kritiske succes i The Minotaur . I det første årti af det 21. århundrede har librettisten i en tidlig Birtwistle-opera, Michael Nyman , fokuseret på at komponere operaer, herunder Facing Goya , Man and Boy: Dada og Love Counts . I dag fortsætter komponister som Thomas Adès med at eksportere engelsk opera til udlandet.

Også i det 20. århundrede begyndte amerikanske komponister som George Gershwin ( Porgy og Bess ), Scott Joplin ( Treemonisha ), Leonard Bernstein ( Candide ), Gian Carlo Menotti , Douglas Moore og Carlisle Floyd at bidrage med engelsksprogede operaer infunderet med strejf af populære musikalske stilarter. De blev efterfulgt af komponister som Philip Glass ( Einstein on the Beach ), Mark Adamo , John Corigliano ( The Ghosts of Versailles ), Robert Moran , John Adams ( Nixon i Kina ), André Previn og Jake Heggie . Mange moderne opera-komponister fra det 21. århundrede er dukket op som Missy Mazzoli , Kevin Puts , Tom Cipullo , Huang Ruo , David T. Little , Terence Blanchard , Jennifer Higdon , Tobias Picker , Michael Ching og Ricky Ian Gordon .

Russisk opera

Opera blev bragt til Rusland i 1730'erne af de italienske operatropper og blev snart en vigtig del af underholdningen for den russiske kejserlige domstol og aristokratiet . Mange udenlandske komponister som Baldassare Galuppi , Giovanni Paisiello , Giuseppe Sarti og Domenico Cimarosa (såvel som forskellige andre) blev inviteret til Rusland for at komponere nye operaer, mest på det italienske sprog . Samtidig blev nogle indenlandske musikere som Maksym Berezovsky og Dmitry Bortniansky sendt til udlandet for at lære at skrive operaer. Den første opera skrevet på russisk var Tsefal i Prokris af den italienske komponist Francesco Araja (1755). Udviklingen af russissproget opera blev støttet af de russiske komponister Vasily Pashkevich , Yevstigney Fomin og Alexey Verstovsky .

Imidlertid kom den virkelige fødsel af russisk opera med Mikhail Glinka og hans to store operaer Et liv for tsaren (1836) og Ruslan og Lyudmila (1842). Efter ham, i det 19. århundrede i Rusland, der blev skrevet så opera mesterværker som Rusalka og The Stone Gæst ved Alexander Dargomyzhsky , Boris Godunov og Khovanshchina af Modest Mussorgsky , Prins Igor af Alexander Borodin , Eugene Onegin og Spar dame ved Pjotr Tjajkovskij og The Snow Maiden and Sadko af Nikolai Rimsky-Korsakov . Denne udvikling afspejlede væksten i russisk nationalisme på tværs af det kunstneriske spektrum som en del af den mere generelle slavofilisme- bevægelse.

I det 20. århundrede blev traditionerne for russisk opera udviklet af mange komponister, herunder Sergei Rachmaninoff i hans værker The Miserly Knight og Francesca da Rimini , Igor Stravinsky i Le Rossignol , Mavra , Oedipus rex og The Rake's Progress , Sergei Prokofiev i The Gambler , Kærligheden til tre appelsiner , Den flammende engel , Betrothal i et kloster og krig og fred ; samt Dmitri Shostakovich i The Nose and Lady Macbeth fra Mtsensk District , Edison Denisov i L'écume des jours og Alfred Schnittke i Life with an Idiot og Historia von D. Johann Fausten .

Tjekkisk opera

Tjekkiske komponister udviklede også en blomstrende national opera-bevægelse i deres 19. århundrede, startende med Bedřich Smetana , der skrev otte operaer inklusive den internationalt populære The Bartered Bride . Smetanas otte operaer skabte grundlaget for det tjekkiske opera-repertoire, men af ​​disse udføres kun The Bartered Bride regelmæssigt uden for komponistens hjemland. Efter at have nået Wien i 1892 og London i 1895 blev det hurtigt en del af repertoiret for alle større operakompagnier verden over.

Antonín Dvořáks ni operaer, bortset fra hans første, har librettoer på tjekkisk og var beregnet til at formidle den tjekkiske nationale ånd, ligesom nogle af hans korværker var. Langt den mest succesrige af operaerne er Rusalka, som indeholder den velkendte aria "Měsíčku na nebi hlubokém" ("Sang til månen"); det spilles på moderne opera-scener ofte uden for Tjekkiet . Dette kan tilskrives deres ujævne opfindelse og libretti, og måske også deres iscenesættelse - Jacobin , Armida , Vanda og Dimitrij har brug for faser, der er store nok til at skildre invaderende hære.

Score af Smetana's The Bartered Bride

Leoš Janáček fik international anerkendelse i det 20. århundrede for sine innovative værker. Hans senere modne værker inkorporerer hans tidligere studier af national folkemusik i en moderne, meget original syntese, der først blev tydeligt i operaen Jenůfa , som havde premiere i 1904 i Brno . Jenůfas succes (ofte kaldet "den moraviske nationale opera") i Prag i 1916 gav Janáček adgang til verdens store operascener. Janáčeks senere værker er hans mest berømte. De inkluderer operaer som Káťa Kabanová og The Cunning Little Vixen , Sinfonietta og Glagolitic Mass .

Andre nationale operaer

Spanien producerede også sin egen karakteristiske form for opera, kendt som zarzuela , som havde to separate blomstringer: en fra midten af ​​det 17. århundrede gennem midten af ​​det 18. århundrede og en anden begyndte omkring 1850. I slutningen af ​​det 18. århundrede og frem til midten af ​​det 18. århundrede I det 19. århundrede var italiensk opera utrolig populær i Spanien og erstattede den oprindelige form.

I det russiske Østeuropa begyndte flere nationale operaer at dukke op. Ukrainsk opera blev udviklet af Semen Hulak-Artemovsky (1813–1873), hvis mest berømte værk Zaporozhets za Dunayem (En kosak ud over Donau) opføres regelmæssigt rundt omkring i verden. Andre ukrainske operakomponister inkluderer Mykola Lysenko ( Taras Bulba og Natalka Poltavka ), Heorhiy Maiboroda og Yuliy Meitus . Ved århundredskiftet begyndte en tydelig national opera-bevægelse også at dukke op i Georgien under ledelse Zacharia Paliashvili , der smeltede lokale folkesange og historier med romantiske klassiske temaer fra det 19. århundrede .

Ferenc Erkel , far til den ungarske opera

Nøglefiguren i den ungarske nationale opera i det 19. århundrede var Ferenc Erkel , hvis værker for det meste beskæftigede sig med historiske temaer. Blandt hans hyppigst opførte operaer er Hunyadi László og Bánk bán . Den mest berømte moderne ungarske opera er Béla Bartók 's Duke Blåskægs Slot .

Stanisław Moniuszkos opera Straszny Dwór (på engelsk The Haunted Manor ) (1861–64) repræsenterer en top af det polske nationale opera i det nittende århundrede . I det 20. århundrede omfattede andre operaer skabt af polske komponister King Roger af Karol Szymanowski og Ubu Rex af Krzysztof Penderecki .

Den første kendte opera fra Tyrkiet (det osmanniske imperium ) var Arshak II , som var en armensk opera komponeret af en etnisk armensk komponist Tigran Chukhajian i 1868 og delvist opført i 1873. Den blev fuldstændigt iscenesat i 1945 i Armenien.

De første år af Sovjetunionen opstod nye nationale operaer, såsom Koroğlu (1937) af den aserbajdsjanske komponist Uzeyir Hajibeyov . Den første kirgisiske opera, Ai-Churek , havde premiere i Moskva på Bolshoi Theatre den 26. maj 1939 under det kirgisiske kunstårti. Det blev komponeret af Vladimir Vlasov , Abdylas Maldybaev og Vladimir Fere . Librettoen blev skrevet af Joomart Bokonbaev, Jusup Turusbekov og Kybanychbek Malikov. Operaen er baseret på det kirgisiske heroiske epos Manas .

I Iran fik operaen mere opmærksomhed efter introduktionen af ​​vestlig klassisk musik i slutningen af ​​det 19. århundrede. Det tog dog indtil midten af ​​det 20. århundrede for iranske komponister at begynde at opleve med marken, især da opførelsen af Roudaki Hall i 1967 muliggjorde iscenesættelse af et stort udvalg af værker til scenen. Måske er den mest berømte iranske opera Rostam og Sohrab af Loris Tjeknavorian premiere først i begyndelsen af ​​2000'erne.

Kinesisk moderne klassisk opera , en kinesisk sprogform for vestlig opera, der adskiller sig fra traditionel kinesisk opera, har haft operaer tilbage til The White Haired Girl i 1945.

I Latinamerika startede opera som et resultat af europæisk kolonisering. Den første opera nogensinde skrevet i Amerika var La púrpura de la rosa af Tomás de Torrejón y Velasco , selvom Partenope af den mexicanske Manuel de Zumaya var den første opera skrevet af en komponist født i Latinamerika. Den første brasilianske opera til en libretto på portugisisk var A Noite de São João , af Elias Álvares Lobo . Men Antonio Carlos Gomes er generelt betragtes som den mest fremragende brasilianske komponist, har en relativ succes i Italien med sine brasilianske-tema operaer med italienske librettoer, såsom Il Guarany . Opera i Argentina udviklede sig i det 20. århundrede efter indvielsen af Teatro Colón i Buenos Aires - med operaen Aurora af Ettore Panizza , der var stærkt påvirket af den italienske tradition på grund af indvandring. Andre vigtige komponister fra Argentina inkluderer Felipe Boero og Alberto Ginastera .

Moderne, nylige og modernistiske tendenser

Modernisme

Måske er den mest oplagte stilistiske manifestation af modernismen i operaen udviklingen af atonalitet . Flytningen fra traditionel tonalitet i operaen var begyndt med Richard Wagner og især Tristan-akkorden . Komponister som Richard Strauss , Claude Debussy , Giacomo Puccini , Paul Hindemith , Benjamin Britten og Hans Pfitzner skubbet den wagneriske harmoni yderligere med en mere ekstrem brug af kromatisme og større brug af dissonans. Et andet aspekt af modernistisk opera er skiftet fra lange, suspenderede melodier til korte hurtige mottoer, som først illustreret af Giuseppe Verdi i sin Falstaff . Komponister som Strauss, Britten, Shostakovich og Stravinsky vedtog og udvidede denne stil.

Arnold Schoenberg i 1917; portræt af Egon Schiele

Operatisk modernisme begyndte virkelig i operaerne til to wienske komponister, Arnold Schoenberg og hans studerende Alban Berg , begge komponister og fortalere for atonalitet og dets senere udvikling (som udarbejdet af Schoenberg), dodekafoni . Schoenbergs tidlige musikdramatiske værker, Erwartung (1909, urfremført i 1924) og Die glückliche Hand viser kraftig brug af kromatisk harmoni og dissonans generelt. Schoenberg brugte også lejlighedsvis Sprechstimme .

De to operaer af Schoenbergs elev Alban Berg, Wozzeck (1925) og Lulu (ufuldstændig ved hans død i 1935) deler mange af de samme karakteristika som beskrevet ovenfor, selvom Berg kombinerede sin meget personlige fortolkning af Schoenbergs tolvtoneteknik med melodiske passager af en mere traditionel tonal natur (ganske mahlerisk i karakter), som måske delvist forklarer, hvorfor hans operaer har været i standardrepertoir på trods af deres kontroversielle musik og plot. Schoenbergs teorier har haft indflydelse på (enten direkte eller indirekte) et betydeligt antal operakomponister lige siden, selvom de ikke selv komponerede ved hjælp af hans teknikker.

Stravinsky i 1921

Komponister, der således er påvirket, inkluderer engelskmanden Benjamin Britten , tyskeren Hans Werner Henze og russeren Dmitri Shostakovich . ( Philip Glass gør også brug af atonalitet, skønt hans stil generelt beskrives som minimalistisk , normalt betragtes som en anden udvikling fra det 20. århundrede.)

Imidlertid udløste operamodernismens brug af atonalitet også et tilbageslag i form af neoklassicisme . En tidlig leder af denne bevægelse var Ferruccio Busoni , der i 1913 skrev libretto for sin neoklassiske nummeropera Arlecchino (først opført i 1917). Også blandt fortroppen var den russiske Igor Stravinsky . Efter at have komponeret musik til de Diaghilev- producerede balletter Petrushka (1911) og The Rite of Spring (1913) vendte Stravinsky sig til nyklassicisme, en udvikling, der kulminerede i hans operaoratorium Oedipus Rex (1927). Stravinsky havde allerede vendt sig væk fra de modernistiske tendenser i sine tidlige balletter for at producere småværker, der ikke fuldt ud kvalificeres som opera, men som bestemt indeholder mange operaelementer, herunder Renard (1916: "en burlesk i sang og dans") og The Soldier's Tale (1918: "at blive læst, spillet og danset"; i begge tilfælde er beskrivelserne og instruktionerne fra komponisten). I sidstnævnte afviser skuespillerne dele af talen til en bestemt rytme over instrumental akkompagnement, der særligt ligner den ældre tyske genre Melodrama . Godt efter hans Rimsky-Korsakov-inspirerede værker The Nightingale (1914) og Mavra (1922) fortsatte Stravinsky med at ignorere serialistisk teknik og skrev til sidst en fuldgyldig 18. århundrede-stil diatonisk nummeropera The Rake's Progress (1951). Hans modstand mod serialisme (en holdning, han vendte om efter Schoenbergs død) viste sig at være en inspiration for mange andre komponister.

Andre tendenser

En almindelig tendens i det 20. århundrede, både i operaen og i det generelle orkestrerepertoire, er brugen af ​​mindre orkestre som en omkostningsbesparende foranstaltning; de store orkestre fra den romantiske æra med enorme strygesektioner, flere harper, ekstra horn og eksotiske percussioninstrumenter var ikke længere gennemførlige. Da regeringen og den private protektion af kunsten faldt gennem det 20. århundrede, blev nye værker ofte bestilt og udført med mindre budgetter, hvilket ofte resulterede i værker i kammerstørrelse og korte operaer. Mange af Benjamin Brittens operaer er scoret for så få som 13 instrumentalister; Mark Adamos to-akts-realisering af Little Women er scoret for 18 instrumentalister.

Et andet træk ved opera fra slutningen af ​​det 20. århundrede er fremkomsten af ​​nutidige historiske operaer i modsætning til traditionen med at basere operaer på en fjernere historie, genfortællingen af ​​nutidige fiktive historier eller skuespil eller på myte eller legende. Klinghoffers død , Nixon i Kina og Doctor Atomic af John Adams , Dead Man Walking af Jake Heggie og Anna Nicole af Mark-Anthony Turnage eksemplificerer dramatiseringen på scenen af ​​begivenheder i den nylige hukommelse, hvor karakterer, der er portrætteret i operaen, var i live på tidspunktet for premieren.

Den Metropolitan Opera i USA (ofte kaldet Met) rapporterede i 2011, at den gennemsnitlige alder af sit publikum var 60. Mange opera virksomheder forsøgt at tiltrække et yngre publikum til at standse den større tendens grånende publikum for klassisk musik siden de sidste årtier af det 20. århundrede. Indsatsen resulterede i at sænke Metts publikums gennemsnitsalder til 58 i 2018, gennemsnitsalderen ved Berlin Statsopera blev rapporteret som 54, og Paris Opera rapporterede en gennemsnitsalder på 48 år.

Mindre virksomheder i USA har en mere skrøbelig eksistens, og de er normalt afhængige af et "patchwork quilt" til støtte fra statslige og lokale regeringer, lokale virksomheder og fundraisers. Ikke desto mindre har nogle mindre virksomheder fundet måder at trække nyt publikum på. Ud over radio- og tv-udsendelser af operaoptrædener, som har haft en vis succes med at få nyt publikum, har udsendelser af liveoptrædener til biografer vist potentialet for at nå ud til et nyt publikum.

Fra musicals tilbage til opera

I slutningen af ​​1930'erne begyndte nogle musicals at blive skrevet med en mere opera struktur. Disse værker inkluderer komplekse polyfoniske ensembler og afspejler musikalsk udvikling i deres tid. Porgy og Bess (1935), påvirket af jazzstilarter, og Candide (1956), med sine fejende, lyriske passager og farciske parodier af opera, åbnede begge på Broadway, men blev accepteret som en del af opera-repertoiret. Populære musicals som Show Boat , West Side Story , Brigadoon , Sweeney Todd , Passion , Evita , The Light in the Piazza , The Phantom of the Opera og andre fortæller dramatiske historier gennem kompleks musik og i 2010'erne ses de undertiden i operahuse . The Most Happy Fella (1952) er kvasi-operatisk og er blevet genoplivet af New York City Opera . Andre rock-påvirkede musicals , såsom Tommy (1969) og Jesus Christ Superstar (1971), Les Misérables (1980), Rent (1996), Spring Awakening (2006) og Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) anvende forskellige operakonventioner, såsom gennem komposition , recitativ i stedet for dialog og leitmotiver .

Akustisk forbedring i opera

En subtil type lydelektronisk forstærkning kaldet akustisk forbedring bruges i nogle moderne koncertsale og teatre, hvor operaer udføres. Selvom ingen af ​​de store operahuse "... bruger traditionel lydforstærkning i Broadway-stil, hvor de fleste, hvis ikke alle sangere er udstyret med radiomikrofoner blandet til en række grimme højttalere spredt over hele teatret", bruger mange en lydforstærkning system til akustisk forbedring og til subtil boosting af scener fra scener, børnesangere, dialog på scenen og lydeffekter (f.eks. kirkeklokker i Tosca eller tordeneffekter i wagneroperaer).

Operatiske stemmer

Operatisk vokalteknik udviklede sig i en tid før elektronisk forstærkning for at give sangere mulighed for at producere nok lyd til at blive hørt over et orkester uden at instrumentalisterne i væsentlig grad skulle gå på kompromis med deres lydstyrke.

Vokal klassifikationer

Sangere og de roller, de spiller er klassificeret af stemmen typen , baseret på TESSITURA , smidighed, styrke og klangfarve af deres stemmer. Mandlige sangere kan klassificeres efter vokalområdet som bas , bas-baryton , baryton , baritenor , tenor og countertenor , og kvindelige sangere som contralto , mezzosopran og sopran . (Mænd undertiden synger i "kvindelige" stemmeleje, i hvilket tilfælde de kaldes sopranist eller kontratenor . Den kontratenor er almindeligt stødt på i opera, nogle gange synge dele skrevet til kastrater -Men kastreret i en ung alder specifikt at give dem en højere sang rækkevidde.) Sangere klassificeres derefter yderligere efter størrelse - for eksempel kan en sopran beskrives som en lyrisk sopran, koloratura , soubrette , spinto eller dramatisk sopran. Disse vilkår, selvom de ikke fuldt ud beskriver en sangstemme, forbinder sangerens stemme med de roller, der er bedst egnede til sangerens vokale egenskaber.

Endnu en underklassificering kan foretages i henhold til skuespil eller krav, for eksempel basso buffo, der ofte skal være specialist i mønster såvel som tegneserie. Dette udføres detaljeret i Fach- systemet i tysktalende lande, hvor historisk opera og talt drama ofte blev sat på af det samme repertoire selskab.

En bestemt sangeres stemme kan ændre sig drastisk i løbet af hans eller hendes levetid og når sjældent vokal modenhed indtil det tredje årti og undertiden først i middelalderen. To franske stemmetyper , premiere dugazon og deuxieme dugazon , blev opkaldt efter successive faser i Louise-Rosalie Lefebvre (Mme. Dugazon) karriere. Andre vilkår med oprindelse i stjerne støbning ordningen for De parisiske teatre er baryton-martin og sopran falk .

Historisk brug af stemmedel

Det følgende er kun beregnet som en kort oversigt. For de vigtigste artikler, se sopran , mezzo-sopran , contralto , tenor , baryton , bas , countertenor og castrato .

Sopranstemmen er typisk blevet brugt som den valgte stemme for den kvindelige hovedperson i operaen siden sidste halvdel af det 18. århundrede. Tidligere var det almindeligt, at den del blev sunget af enhver kvindelig stemme eller endda en castrato . Den nuværende vægt på et bredt vokalområde var primært en opfindelse af den klassiske periode . Før det var den vokale virtuositet, ikke rækkevidde, prioritet, idet sopranpartier sjældent strakte sig over en høj A ( Händel skrev for eksempel kun en rolle, der strakte sig til en høj C ), selvom castrato Farinelli blev påstået at have en top D (hans nedre rækkevidde var også ekstraordinær og strakte sig til tenor C). Mezzosopranen, et udtryk med forholdsvis ny oprindelse, har også et stort repertoire, der spænder fra den kvindelige hovedrolle i Purcells Dido og Aeneas til sådanne tungvægtige roller som Brangäne i Wagners Tristan und Isolde (disse er begge roller undertiden sunget af sopraner; der er en hel del bevægelse mellem disse to stemmetyper). For den ægte contralto er rækkevidden af ​​dele mere begrænset, hvilket har givet anledning til den insider vittighed, at contraltos kun synger roller "hekse, tæver og britches ". I de senere år er mange af "bukserollerne" fra baroktiden, der oprindeligt blev skrevet til kvinder, og dem der oprindeligt blev sunget af castrati, blevet tildelt kontradetorer.

Tenorstemmen er fra den klassiske æra og traditionelt blevet tildelt rollen som mandlig hovedperson. Mange af de mest udfordrende tenorroller i repertoiret blev skrevet under bel canto æraen, såsom Donizettis rækkefølge på 9 Cs over midten C under La fille du régiment . Med Wagner kom der en vægt på vokalheft for hans hovedrolle, med denne vokalkategori beskrevet som Heldentenor ; denne heroiske stemme havde sin mere italienske modstykke i sådanne roller som Calaf i Puccinis Turandot . Basser har en lang historie i opera, efter at have været brugt i opera serier i biroller og undertiden til komisk lettelse (såvel som at give en kontrast til overvægt af høje stemmer i denne genre). Basrepertoiret er bredt og varieret og strækker sig fra komedien Leporello i Don Giovanni til Wotans adel i Wagners ringcyklus til den konfliktfulde konge Phillip af Verdis Don Carlos . Ind imellem bassen og tenoren er barytonen, som også varierer i vægt fra f.eks. Guglielmo i Mozarts Così fan tutte til Posa i Verdis Don Carlos ; den egentlige betegnelse "baryton" var først standard i midten af ​​det 19. århundrede.

Berømte sangere

Castrato Senesino , ca. 1720

Tidlige opførelser af opera var for sjældne til, at sangere kunne tjene til livets ophold udelukkende fra stilen, men med fødslen af ​​kommerciel opera i midten af ​​det 17. århundrede begyndte professionelle kunstnere at dukke op. Den mandlige heltes rolle blev normalt betroet en castrato , og i det 18. århundrede, da italiensk opera blev udført i hele Europa, blev førende castrati, der besad ekstraordinær vokalvirtuositet, såsom Senesino og Farinelli , internationale stjerner. Karrieren for den første store kvindelige stjerne (eller prima donna ), Anna Renzi , dateres til midten af ​​det 17. århundrede. I det 18. århundrede fik en række italienske sopraner international berømmelse og deltog ofte i hård rivalisering, som det var tilfældet med Faustina Bordoni og Francesca Cuzzoni , der startede en knytnævekamp med hinanden under en forestilling af en Handel-opera. Franskmændene kunne ikke lide castrati og foretrak, at deres mandlige helte blev sunget af en haute-contre (en høj tenor), hvoraf Joseph Legros (1739–1793) var et førende eksempel.

Selvom operapatronage er faldet i det sidste århundrede til fordel for anden kunst og medier (såsom musicals, biograf, radio, tv og optagelser), har massemedier og fremkomsten af ​​optagelser støttet populariteten hos mange berømte sangere, herunder Maria Callas , Enrico Caruso , Amelita Galli-Curci , Kirsten Flagstad , Juan Arvizu , Nestor Mesta Chayres , Mario Del Monaco , Renata Tebaldi , Risë Stevens , Alfredo Kraus , Franco Corelli , Montserrat Caballé , Joan Sutherland , Birgit Nilsson , Nellie Melba , Rosa Ponselle , Beniamino Gigli , Jussi Björling , Feodor Chaliapin , Cecilia Bartoli , Renée Fleming , Marilyn Horne , Bryn Terfel og " The Three Tenors " ( Luciano Pavarotti , Plácido Domingo og José Carreras ).

Orkesterets skiftende rolle

Før 1700'erne brugte italienske operaer et lille strygeorkester , men det spillede sjældent for at ledsage sangere. Operasoloer i denne periode blev ledsaget af basso continuo- gruppen, som bestod af cembalo , "plukkede instrumenter" såsom lute og et basinstrument. Strygeorkestret spillede typisk kun, når sangeren ikke sang, f.eks. Under en sangeres "... ind- og udgange, mellem vokalnumre, [eller] til [ledsagende] dans". En anden rolle for orkestret i denne periode var at spille et orkestralt ritornello for at markere afslutningen på en sangeres solo. I begyndelsen af ​​1700'erne begyndte nogle komponister at bruge strygeorkestret til at markere visse arier eller recitativer "... som specielle"; i 1720 blev de fleste arier ledsaget af et orkester. Operakomponister som Domenico Sarro , Leonardo Vinci , Giambattista Pergolesi , Leonardo Leo og Johann Adolf Hasse tilføjede nye instrumenter til operaorkestret og gav instrumenterne nye roller. De tilføjede blæseinstrumenter til strengene og brugte orkesterinstrumenter til at spille instrumentalsolo, som en måde at markere bestemte arier som specielle.

Tysk operaorkester fra begyndelsen af ​​1950'erne

Orkestret har også leveret en instrumental ouverture, før sangere kommer på scenen siden 1600-tallet. Peri 's Euridice åbner med en kort instrumental ritornello , og Monteverdis ' s L'Orfeo (1607) åbner med en Toccata , i dette tilfælde en fanfare for dæmpede trompeter . Den franske overture, som den findes i Jean-Baptiste Lullys operaer, består af en langsom introduktion i en markeret "prikket rytme" efterfulgt af en livlig bevægelse i fugato- stil. Ouverturen blev ofte efterfulgt af en række dansemelodier, før gardinet steg. Denne ouverture stil blev også brugt i engelsk opera, især i Henry Purcell 's Dido og Aeneas . Handel bruger også den franske ouvertureform i nogle af hans italienske operaer som Giulio Cesare .

I Italien opstod en særskilt form kaldet "overture" i 1680'erne og blev etableret især gennem operaerne fra Alessandro Scarlatti og spredte sig over hele Europa og erstattede den franske form som standardoperaturen i midten af ​​det 18. århundrede. Det bruger tre generelt homofoniske bevægelser : hurtig – langsom – hurtig. Åbningsbevægelsen var normalt i dobbeltmeter og i en stor nøgle; den langsomme bevægelse i tidligere eksempler var kort og kunne være i en kontrastnøgle; den afsluttende bevægelse var danselignende, ofte med rytmer af gigue eller minuet , og vendte tilbage til nøglen til åbningssektionen. Efterhånden som formen udviklede sig, kan den første sats omfatte fanfare-lignende elementer og antog mønsteret af den såkaldte "sonatina-form" ( sonateform uden udviklingssektion), og den langsomme sektion blev mere udvidet og lyrisk.

I italiensk opera efter omkring 1800 blev "overturen" kendt som sinfonia . Fisher bemærker også udtrykket Sinfonia avanti l'opera (bogstaveligt talt "symfonien før operaen") var "et tidligt udtryk for en sinfonia, der blev brugt til at starte en opera, det vil sige som en ouverture i modsætning til en, der tjener til at begynde en senere del af arbejdet ". I opera fra det 19. århundrede, i nogle operaer, var overturen, Vorspiel , Einleitung , Introduktion eller hvad det ellers måtte kaldes, den del af musikken, der finder sted, før gardinet rejser sig; en specifik, stiv form var ikke længere nødvendig for overturen.

Orkesterets rolle i ledsagelsen af ​​sangere ændrede sig i løbet af det 19. århundrede, da den klassiske stil overgik til den romantiske æra. Generelt blev orkestre større, nye instrumenter blev tilføjet, såsom ekstra percussioninstrumenter (fx bassetromme, bækkener, lilletromme osv.). Den orkestrering af orkester dele også udviklet i løbet af det 19. århundrede. I Wagner-operaer gik orkesterets forkant ud over overturen. I Wagners operaer såsom Ring Cycle , orkestret ofte spillet den tilbagevendende musikalske temaer eller ledemotiver , en rolle, som gav en vægt på orkestret, som "... ophøjet status den, en primadonna ". Wagners operaer blev scoret med hidtil uset rækkevidde og kompleksitet og tilføjede flere messinginstrumenter og enorme ensemblestørrelser: hans score til Das Rheingold kræver faktisk seks harper . I Wagner og de efterfølgende komponisters arbejde, såsom Benjamin Britten, kommunikerer orkestret ofte "fakta om historien, der overstiger niveauet af bevidsthed om karaktererne deri." Som et resultat begyndte kritikere at betragte orkestret som at udføre en rolle, der var analog med en litterær fortællers rolle. "

Da orkesterets rolle og andre instrumentale ensembler ændrede sig i løbet af operahistorien, gjorde også rollen som førende musikere det. I baroktiden blev musikerne normalt instrueret af cembalo-spilleren, skønt den franske komponist Lully er kendt for at have dirigeret med et langt personale. I 1800'erne, i den klassiske periode, ville den første violinist, også kendt som koncertmester , lede orkesteret, mens han sad. Over tid begyndte nogle instruktører at rejse sig og bruge hånd- og armbevægelser til at lede kunstnerne. Til sidst blev denne rolle som musikdirektør kaldet dirigent , og et podium blev brugt til at gøre det lettere for alle musikere at se ham eller hende. Da Wagner-operaer blev introduceret, gav kompleksiteten af ​​værkerne og de enorme orkestre, der blev brugt til at spille dem, dirigenten en stadig vigtigere rolle. Moderne operadirigenter har en udfordrende rolle: de er nødt til at dirigere både orkesteret i orkestergropen og sangere på scenen.

Sprog- og oversættelsesproblemer

Siden Handel og Mozarts tid har mange komponister foretrukket italiensk som sprog for deres operaes libretto. Fra Bel Canto-æraen til Verdi overvåger komponister undertiden versioner af deres operaer på både italiensk og fransk. På grund af dette betragtes operaer som Lucia di Lammermoor eller Don Carlos i dag som kanoniske i både deres franske og italienske versioner.

Indtil midten af ​​1950'erne var det acceptabelt at producere operaer i oversættelser, selvom disse ikke var godkendt af komponisten eller de originale librettister. For eksempel iscenesatte operahuse i Italien Wagner på italiensk. Efter 2. verdenskrig forbedredes opera-stipendiet, kunstnere fokuserede på de originale versioner, og oversættelser faldt i favør. Kendskab til europæiske sprog, især italiensk, fransk og tysk, er i dag en vigtig del af uddannelsen for professionelle sangere. "Den største del af operauddannelsen er inden for lingvistik og musikskab ", forklarer mezzosopranen Dolora Zajick . "[Jeg er nødt til at forstå] ikke kun hvad jeg synger, men hvad alle andre synger. Jeg synger italiensk, tjekkisk, russisk, fransk, tysk, engelsk."

I 1980'erne begyndte supertitler (undertiden kaldet undertekster ) at dukke op. Selvom supertitler først blev næsten universelt fordømt som en distraktion, leverer i dag mange operahuse enten supertitles, generelt projiceret over teatrets prosceniumbue , eller individuelle siddeskærme, hvor tilskuere kan vælge mellem mere end et sprog. Tv-udsendelser inkluderer typisk undertekster, selvom de er beregnet til et publikum, der kender sproget godt (for eksempel en RAI- udsendelse af en italiensk opera). Disse undertekster er ikke kun målrettet mod de hørehæmmede, men også til publikum generelt, da en sunget diskurs er meget sværere at forstå end en talt - selv i indfødte menneskers ører. Undertekster på et eller flere sprog er blevet standard i operaudsendelser, simulcasts og DVD-udgaver.

I dag udføres operaer kun sjældent i oversættelse. Undtagelser inkluderer English National Opera , Opera Theatre of Saint Louis , Opera Theatre of Pittsburgh og Opera South East, som favoriserer engelske oversættelser. En anden undtagelse er operaproduktioner beregnet til et ungt publikum, såsom Humperdincks Hansel og Gretel og nogle produktioner af Mozarts Tryllefløjte .

Finansiering

Svenske operasangere i en hyldest til Kjerstin Dellert og Ulriksdal Palace Theatre ved det 40-årige jubilæum i 2016 med finansiering, renovering og efterfølgende genåbning

Uden for USA og især i Europa modtager de fleste operahuse offentlige tilskud fra skatteydere. I Milano, Italien, er 60% af La Scalas årlige budget på 115 millioner euro fra billetsalg og private donationer, mens de resterende 40% kommer fra offentlige midler. I 2005 modtog La Scala 25% af Italiens samlede statstilskud på € 464 millioner til scenekunst. I Storbritannien yder Arts Council England midler til Opera North , Royal Opera House , Welsh National Opera og English National Opera . Mellem 2012 og 2015 tegnede disse fire operakompagnier sammen med den engelske nationale ballet , Birmingham Royal Ballet og Northern Ballet sig for 22% af midlerne i Arts Councils nationale portefølje. I denne periode foretog Rådet en analyse af sin finansiering til store opera- og balletfirmaer, hvor der blev fastsat anbefalinger og mål, som selskaberne skulle opfylde inden finansieringsbeslutningerne 2015–2018. I februar 2015 førte bekymring over English National Operas forretningsplan til, at Arts Council placerede den "under særlige finansieringsordninger" i, hvad The Independent kaldte "det hidtil usete trin" med at true med at trække offentlig finansiering tilbage, hvis rådets bekymringer ikke blev opfyldt inden 2017. Europæisk offentlig finansiering til opera har ført til en forskel mellem antallet af operahuse året rundt i Europa og USA. For eksempel "Tyskland har omkring 80 operahuse året rundt [fra 2004], mens USA med mere end tre gange befolkningen ikke har nogen. Selv Met har kun en syv måneders sæson."

Fjernsyn, biograf og internettet

En milepæl for operaudsendelser i USA blev opnået den 24. december 1951 med live-udsendelsen af Amahl and the Night Visitors , en opera i en akt af Gian Carlo Menotti . Det var den første opera specielt komponeret til tv i Amerika. En anden milepæl opstod i Italien i 1992, da Tosca blev sendt direkte fra sine oprindelige romerske omgivelser og tidspunkter på dagen: den første handling kom fra kirken Sant'Andrea della Valle fra det 16. århundrede kl. det 16. århundrede Palazzo Farnese var rammen for det andet kl. og søndag kl. 6 blev tredje akt sendt fra Castel Sant'Angelo. Produktionen blev transmitteret via satellit til 105 lande.

Store operaselskaber er begyndt at præsentere deres forestillinger i lokale biografer i hele USA og mange andre lande. Metropolitan Opera startede en række live high-definition videooverførsler til biografer rundt om i verden i 2006. I 2007 blev Met-forestillinger vist i over 424 teatre i 350 amerikanske byer. La bohème gik ud til 671 skærme verden over. San Francisco Opera begyndte forindspillede videooverførsler i marts 2008. Fra juni 2008 bærer ca. 125 teatre i 117 amerikanske byer forestillingerne. HD-videoopera transmissioner præsenteres via de samme HD digitale biografprojektorer, der bruges til større Hollywood-film . Europæiske operahuse og festivaler, herunder Royal Opera i London, La Scala i Milano, Salzburg Festival , La Fenice i Venedig og Maggio Musicale i Firenze har også transmitteret deres produktioner til teatre i byer rundt om i verden siden 2006, herunder 90 byer i USA

Internets fremkomst har også påvirket måden publikum bruger opera på. I 2009 tilbød den britiske Glyndebourne Festival Opera for første gang en online digital video-download af sin komplette 2007-produktion af Tristan und Isolde . I sæsonen 2013 streamede festivalen alle seks af sine produktioner online. I juli 2012 havde den første online community- opera premiere på Savonlinna Opera Festival . Titlen Free Will blev oprettet af medlemmer af internetgruppen Opera By You. Dens 400 medlemmer fra 43 lande skrev libretto, komponerede musikken og designede sæt og kostumer ved hjælp af Wreckamovie -webplatformen. Savonlinna Opera Festival leverede professionelle solister, et kor med 80 medlemmer, et symfoniorkester og scenemaskineriet. Det blev udført live på festivalen og streamet live på internettet.

Se også

Referencer

Bemærkninger

Kilder

Yderligere læsning

eksterne links