Portrætmaleri - Portrait painting

Selvportræt af Nicolas Régnier, der maler et portræt af Vincenzo Giustiniani , 1623-24, Fogg Art Museum .
Se portræt for mere om det generelle emne om portrætter.

Portrætmaleri er en genre inden for maleri , hvor hensigten er at repræsentere et specifikt menneskeligt emne. Udtrykket 'portrætmaleri' kan også beskrive det faktiske malede portræt. Portrætister kan skabe deres værker efter kommission, til offentlige og private personer, eller de kan blive inspireret af beundring eller kærlighed til emnet. Portrætter fungerer ofte som vigtige stats- og familiejournaler samt erindringer.

Historisk set har portrætmalerier primært mindet de rige og magtfulde. Med tiden blev det dog mere almindeligt, at middelklassens lånere bestilte portrætter af deres familier og kolleger. I dag er portrætmalerier stadig bestilt af regeringer, virksomheder, grupper, klubber og enkeltpersoner. Udover maleri kan der også laves portrætter i andre medier såsom udskrifter (herunder ætsning og litografi ), fotografering , video og digitale medier .

Frans Hals , senere afsluttet af Pieter Codde . De Magere Compagnie . 1637. Olie på lærred, 209 × 429 cm. Gruppeportrætter var vigtige i hollandsk guldaldermaleri

Det kan virke indlysende, at et malet portræt er beregnet til at opnå en lighed med passeren, der er genkendelig for dem, der har set dem, og ideelt set er en meget god oversigt over deres udseende. Faktisk har dette koncept været langsomt til at vokse, og det tog århundreder for kunstnere i forskellige traditioner at tilegne sig de særlige færdigheder til at male en god lighed.

Teknik og praksis

Anthony van Dyck , Charles I i Three Positions , 1635–1636, viser profil, fuld ansigt og tre fjerdedele visninger, for at sende til Bernini i Rom, der skulle skulpturere et buste fra denne model.

Et veludført portræt forventes at vise emnets indre essens (fra kunstnerens synspunkt) eller en flatterende fremstilling, ikke bare en bogstavelig lighed. Som Aristoteles sagde: "Formålet med kunsten er ikke at præsentere tingens ydre udseende, men deres indre betydning; for dette udgør ikke den ydre måde og detalje den sande virkelighed." Kunstnere kan stræbe efter fotografisk realisme eller en impressionistisk lighed i at skildre deres emne, men dette adskiller sig fra en karikatur, der forsøger at afsløre karakter gennem overdrivelse af fysiske træk. Kunstneren forsøger generelt en repræsentativ skildring, som Edward Burne-Jones udtalte: "Det eneste udtryk, der er tilladt i store portrætter, er udtryk for karakter og moralsk kvalitet, ikke noget midlertidigt, flygtigt eller utilsigtet."

I de fleste tilfælde resulterer dette i en alvorlig, lukket læbe stirre, hvor alt andet end et lille smil er temmelig sjældent historisk. Eller som Charles Dickens udtrykte det, "der er kun to stilarter af portrætmaleri: det alvorlige og grin." Selv i betragtning af disse begrænsninger er en bred vifte af subtile følelser mulig fra stille trussel til blid tilfredshed. Men med munden relativt neutral skal meget af ansigtsudtrykket skabes gennem øjnene og øjenbrynene. Som forfatter og kunstner Gordon C. Aymar udtaler, "øjnene er det sted, man leder efter den mest komplette, pålidelige og relevante information" om emnet. Og øjenbrynene kan registrere, "næsten enkeltvis, undren, medlidenhed, skræk, smerte, kynisme, koncentration, vemodighed, utilfredshed og forventning i uendelige variationer og kombinationer."

Portrætmaleri kan skildre motivet "fuld længde "(hele kroppen),"halvlængde "(fra hoved til talje eller hofter ),"hoved og skuldre "( buste ), eller bare hovedet. Motivets hoved kan dreje fra"fuld ansigt "(set forfra) til profil (set fra siden); a"trekvartssyn "(" to tredjedels visning ") er et sted midt imellem og spænder fra næsten frontalt til næsten profil (brøkdelen er summen af ​​profilen [halvdelen af ​​ansigtet] plus den anden sides" kvartflade "; alternativt betragtes hver side som en tredjedel). Nogle gange har kunstnere skabt kompositter med udsigt fra flere retninger, som med Anthony van Dycks tredobbelte portræt af Charles I i Three Positions . Der er endda et par portrætter, hvor forsiden af emnet er ikke synlig på alle. Andrew Wyeth 's Christina World (1948) er et berømt eksempel, hvor stillingen af handicappede kvinde - med ryggen vendt mod beskueren - integreret med de omgivelser, hvori hun er placeret til at formidle den kunstnerens fortolkning.

Mme. Charpentier og hendes børn , 1878, Metropolitan Museum of Art , New York

Blandt de andre mulige variabler kan motivet være påklædt eller nøgen; indendørs eller udendørs; stående, siddende, tilbagelænet; endda hestemonteret. Portrætmalerier kan være af enkeltpersoner, par, forældre og børn, familier eller kollegiale grupper. De kan oprettes i forskellige medier, herunder olier , akvarel , pen og blæk , blyant , trækul , pastel og blandede medier . Kunstnere kan anvende en bred palet af farver, som med Pierre-Auguste Renoir 's Mme. Charpentier og hendes børn , 1878 eller begrænse sig til det meste hvid eller sort, som med Gilbert Stuart 's Portræt af George Washington (1796).

Nogle gange er portrætets samlede størrelse en vigtig overvejelse. Chuck Closes enorme portrætter, der er skabt til museumsvisning, adskiller sig meget fra de fleste portrætter, der er designet til at passe ind i hjemmet eller til at rejse let med klienten. Ofte tager en kunstner hensyn til, hvor det sidste portræt vil hænge og farverne og stilen i den omgivende indretning.

Oprettelse af et portræt kan tage lang tid, normalt kræver flere møder. Cézanne insisterede på den ene ende på over 100 møder fra sit emne. Goya foretrak derimod en lang dags siddende. Gennemsnittet er omkring fire. Portrætister præsenterer undertiden deres sitters med en portefølje af tegninger eller fotos, hvorfra en sitter ville vælge en foretrukken pose, ligesom Sir Joshua Reynolds . Nogle, som f.eks. Hans Holbein den Yngre, tegner ansigtet og færdiggør derefter resten af ​​maleriet uden pasning. I det 18. århundrede ville det typisk tage omkring et år at levere et færdigt portræt til en klient.

Håndtering af sitterens forventninger og humør er en alvorlig bekymring for portrætkunstneren. Hvad angår portrætets trofasthed til sitters udseende, er portrætister generelt konsistente i deres tilgang. Klienter, der opsøgte Sir Joshua Reynolds, vidste, at de ville få et flatterende resultat, mens sitters af Thomas Eakins vidste at forvente et realistisk, ubesparende portræt. Nogle emner udtrykker stærke præferencer, andre lader kunstneren helt bestemme. Oliver Cromwell krævede berømt, at hans portræt skulle vise "alle disse ruheder, bumser, vorter og alt, som du ser mig, ellers vil jeg aldrig betale noget for det."

Efter at have lettet sitteren roligt og opmuntret til en naturlig pose, studerer kunstneren sit emne og ledte efter det ene ansigtsudtryk ud af mange muligheder, der tilfredsstiller hans koncept om sidderens essens. Emnets holdning betragtes også omhyggeligt for at afsløre den følelsesmæssige og fysiske tilstand hos sitter, ligesom kostumet. For at holde sitteren engageret og motiveret vil den dygtige kunstner ofte opretholde en behagelig opførsel og samtale. Élisabeth Vigée-Lebrun rådede andre kunstnere til at smigre kvinder og komplimentere deres udseende for at få deres samarbejde under mødet.

Centralt i den vellykkede udførelse af portrættet er en beherskelse af menneskelig anatomi . Menneskelige ansigter er asymmetriske og dygtige portrætkunstnere gengiver dette med subtile venstre-højre forskelle. Kunstnere skal have kendskab til den underliggende knogle- og vævsstruktur for at lave et overbevisende portræt.

Thomas Gainsborough , hr. Og fru Andrews på deres ejendom, ca. 1750.

Ved komplekse kompositioner kan kunstneren først lave en komplet blyant, blæk, trækul eller olieskitse, hvilket er særligt nyttigt, hvis sidderens tilgængelige tid er begrænset. Ellers er den generelle form derefter en grov lighed skitseret på lærredet i blyant, trækul eller tynd olie. I mange tilfælde afsluttes ansigtet først og resten bagefter. I studierne hos mange af de store portrætkunstnere ville mesteren kun udføre hovedet og hænderne, mens tøjet og baggrunden ville blive fuldført af de vigtigste lærlinge. Der var endda eksterne specialister, der håndterede bestemte genstande såsom gardiner og tøj, såsom Joseph van Aken Nogle kunstnere i tidligere tider brugte lægfigurer eller dukker til at hjælpe med at etablere og udføre stillingen og tøjet. Brugen af ​​symbolske elementer placeret rundt om sitter (herunder skilte, husholdningsgenstande, dyr og planter) blev ofte brugt til at kode maleriet med emnets moralske eller religiøse karakter eller med symboler, der repræsenterer sitterens erhverv, interesser eller sociale status. Baggrunden kan være helt sort og uden indhold eller en fuld scene, der placerer sidderen i deres sociale eller rekreative miljø.

Selvportrætter fremstilles normalt ved hjælp af et spejl, og det færdige resultat er et spejl-billede portræt, en omvendelse af, hvad der sker i et normalt portræt, når sitter og kunstner står over for hinanden. I et selvportræt ser det ud til, at en højrehåndet kunstner holder en pensel i venstre hånd, medmindre kunstneren bevidst retter billedet eller bruger et andet bakspejl, mens han maler.

Lejlighedsvis er klienten eller klientens familie utilfredse med det resulterende portræt, og kunstneren er forpligtet til at røre ved det igen eller gøre det forfra eller trække sig ud af provisionen uden at blive betalt, idet han lider ydmygelsen af ​​fiasko. Jacques-Louis David fejrede Portræt af Madame Récamier , vildt populære i udstillinger, blev afvist af sitter, som var John Singer Sargent 's berygtede Portræt af Madame X . John Trumbulls portræt i fuld længde, general George Washington i Trenton , blev afvist af det udvalg, der bestilte det. Den berømte stikkende Gilbert Stuart svarede engang på en klients utilfredshed med sin kones portræt ved at gentage: "Du bragte mig en kartoffel, og du forventer en fersken!"

Et vellykket portræt kan imidlertid vinde en kundes livslange taknemmelighed. Grev Balthazar var så glad for det portræt, Raphael havde skabt af sin kone, at han fortalte kunstneren: "Dit billede ... alene kan lette mine bekymringer. Det billede er min glæde; jeg retter mine smil til det, det er min glæde."

Historie

Gamle verden

Romersk-egyptisk begravelsesportræt af en kvinde

Portrætets rødder findes sandsynligvis i forhistorisk tid, selvom få af disse værker overlever i dag. I kunsten om de gamle civilisationer i den fertile halvmåne , især i Egypten, er der mange skildringer af herskere og herskere som guder. Imidlertid blev de fleste af disse udført på en meget stiliseret måde og mest i profil, normalt på sten, metal, ler, gips eller krystal. Egyptiske portrætter lagde relativt lidt vægt på lighed, i hvert fald indtil Akhenatens periode i 1300 -tallet f.Kr. Portrætmaleri af bemærkelsesværdige i Kina går sandsynligvis tilbage til over 1000 f.Kr., selvom ingen overlever fra den alder. Eksisterende kinesiske portrætter går tilbage til omkring 1000 e.Kr., men lagde ikke særlig vægt på lighed før noget tid efter det.

Fra litterære beviser ved vi, at det gamle græske maleri omfattede portrætter, ofte meget præcist, hvis man skal tro forfatternes ros, men der er ingen malede eksempler tilbage. Skulpturerede hoveder af herskere og berømte personligheder som Sokrates overlever i en vis mængde, og ligesom de individualiserede buster af hellenistiske herskere på mønter viser det, at græsk portræt kunne opnå en god lighed, og emner, i det mindste af litterære figurer, blev afbildet med relativt lidt smiger. - Sokrates 'portrætter viser, hvorfor han havde ry for at være grim. Efterfølgerne til Alexander den Store begyndte at øve sit hoved (som en guddommelig skikkelse) til deres mønter og brugte snart deres egne.

Romersk portræt antog traditioner for portrætter fra både etruskerne og grækerne og udviklede en meget stærk tradition, knyttet til deres religiøse brug af forfædreportrætter samt romersk politik. Igen, de få malet overlevelse, i Fayum portrætter , Tomb of Aline og Severan Tondo , alle fra Egypten under romersk herredømme, er klart provinsielle produktioner, der afspejler græsk snarere end romerske stilarter, men vi har et væld af skulpturelle hoveder, herunder mange individualiserede portrætter fra middelklassens grave og tusinder af typer af møntportrætter.

Meget den største gruppe malede portrætter er begravelsesmalerierne, der overlevede i det tørre klima i Egyptens Fayum -distrikt (se illustration nedenfor), der stammer fra det 2. til 4. århundrede e.Kr. Disse er næsten de eneste malerier i den romerske periode, der har overlevet, bortset fra kalkmalerier , selvom det er kendt fra Plinius den Ældres skrifter, at portrætmaleri var veletableret i græsk tid og praktiseret af både mænd og kvindelige kunstnere. I sin tid klagede Plinius over den faldende tilstand af romersk portrætkunst, "Maleriet af portrætter, der før gennem tiderne overførte menneskers nøjagtige ligheder, er helt forsvundet ... Uforskammethed har ødelagt kunsten." Disse portrætter i fuld ansigt fra det romerske Egypten er heldige undtagelser. De præsenterer en lidt realistisk følelse af proportioner og individuelle detaljer (selvom øjnene generelt er overdimensionerede, og de kunstneriske færdigheder varierer betydeligt fra kunstner til kunstner). Fayum -portrætterne blev malet på træ eller elfenben i voks- og harpiksfarver (encaustic) eller med tempera og indsat i mumieindpakningen for at forblive hos kroppen gennem evigheden.

Mens det fritstående portrætmaleri formindskedes i Rom, blomstrede portrætkunsten i romerske skulpturer, hvor sittere krævede realisme, selvom det var flatterende. I løbet af 4. århundrede dominerede det skulpturerede portræt med et tilbagetog til fordel for et idealiseret symbol på, hvordan personen så ud. (Jævnfør portrætterne af de romerske kejsere Konstantin I og Theodosius I ) I den sene antikke periode faldt interessen for en individuel lighed betydeligt, og de fleste portrætter i senromerske mønter og konsulære diptyker er næppe individualiserede overhovedet, selvom de samtidig var kristne kunsten udviklede sig ret standardiserede billeder til skildringen af ​​Jesus og de andre hovedfigurer i kristen kunst, såsom Johannes Døberen og Sankt Peter .

Middelalderen

Den lille private Wilton Diptyk for Richard II af England , ca. 1400, med stemplet guldbaggrund og meget ultramarin .

De fleste tidlige middelalderlige portrætter var donorportrætter , i første omgang mest af paver i romerske mosaikker og belyste manuskripter , et eksempel var et selvportræt af forfatteren, mystikeren, videnskabsmanden, illuminatoren og musikeren Hildegard fra Bingen (1152). Som med nutidige mønter var der lidt forsøg på en lighed. Stone grav monumenter spredt i den romanske periode. Mellem 1350-1400, begyndte sekulære tal at dukke op igen i fresker og panel malerier , såsom i Master Theodoric 's Karl IV modtager troskab , og portrætter igen blevet tydelige ligheder.

Omkring slutningen af ​​århundredet opstod de første olieportrætter af nutidige individer, malet på små træpaneler, i Bourgogne og Frankrig, først som profiler, derefter i andre synspunkter. The Wilton Diptych på ca. 1400 er et af to overlevende panelportrætter af Richard II af England , den tidligste engelske konge, for hvem vi har nutidige eksempler.

I slutningen af middelalderen i 1400 -tallet var det tidlige nederlandske maleri nøglen til udviklingen af ​​det individualiserede portræt. Mestre omfattede blandt andet Jan van Eyck , Robert Campin og Rogier van der Weyden . Snarere små panelmaleriportrætter , mindre end halvdelen i livsstørrelse, blev bestilt, ikke kun af figurer fra hoffet, men hvad der fremgår af deres forholdsvis almindelige kjole som velhavende byfolk. Miniaturer i belyste manuskripter omfattede også individualiserede portrætter, normalt af kommissæren. I religiøse malerier begyndte portrætter af donorer at blive vist som til stede eller deltage i de vigtigste hellige scener, og i mere private hofbilleder optrådte emner endda som betydningsfulde figurer som Jomfru Maria .

Renæssance

Albrecht Dürer , selvportræt , 1500

Dels af interesse for den naturlige verden og dels af interesse for de klassiske kulturer i det antikke Grækenland og Rom fik portrætter - både malede og skulpturerede - en vigtig rolle i renæssancesamfundet og værdsatte som objekter og som skildringer af jordisk succes og status. Maleriet nåede generelt et nyt niveau af balance, harmoni og indsigt, og de største kunstnere (Leonardo, Michelangelo og Raphael) blev betragtet som "genier" og steg langt over handelsstatus til værdsatte tjenere ved hoffet og kirken.

Hvis digteren siger, at han kan opildne mænd med kærlighed ...
har maleren magten til at gøre det samme ...
ved at han kan placere den elskede
sande lighed for den elskede,
ofte får ham til at kysse og tale med den.

-Leonardo Da Vinci

Mange nyskabelser inden for de forskellige portrætformer udviklede sig i denne frugtbare periode. Traditionen med portrætminiatyren begyndte, som forblev populær indtil fotograferingens alder, og udviklede sig ud fra færdighederne hos malere i miniaturerne i belyste manuskripter . Profilportrætter, inspireret af gamle medaljoner, var særligt populære i Italien mellem 1450 og 1500. Medaljer med deres tosidede billeder inspirerede også en kortvarig mode til tosidede malerier tidligt i renæssancen. Klassisk skulptur, såsom Apollo Belvedere , påvirkede også valget af poser, der blev brugt af renæssanceportrætister, poser, der har fortsat i brug gennem århundreder. Leonardos Ginevra de 'Benci ( ca.  1474–8 ) er et af de første kendte portrætter med tre fjerdedele i italiensk kunst.

Nordeuropæiske kunstnere førte an i realistiske portrætter af sekulære emner. Den større realisme og detalje for de nordlige kunstnere i løbet af 1400 -tallet skyldtes til dels de finere penselstrøg og effekter, der var mulige med oliefarver , mens de italienske og spanske malere stadig brugte tempera . Blandt de tidligste malere til at udvikle olieteknik var Jan van Eyck . Oliefarver kan producere mere tekstur og tykkelsesgrader og kan lagres mere effektivt med tilføjelse af stadig tykkere lag over hinanden (kendt af malere som 'fedt over magert'). Oliefarver tørrer også langsommere, så kunstneren let kan foretage ændringer, f.eks. At ændre ansigtsdetaljer. Antonello da Messina var en af ​​de første italienere, der udnyttede olie. Uddannet i Belgien bosatte han sig i Venedig omkring 1475 og havde stor indflydelse på Giovanni Bellini og den norditalienske skole. I løbet af 1500 -tallet spredte olie som medium sig i popularitet i hele Europa, hvilket muliggjorde mere overdådige gengivelser af tøj og smykker. Skiftet fra træ til lærred , der begyndte i Italien i begyndelsen af ​​1500 -tallet og spredte sig til Nordeuropa i løbet af det næste århundrede , påvirkede også kvaliteten af ​​billederne . Lærred modstår revner bedre end træ, holder pigmenter bedre og har brug for mindre forberedelse ― men det var oprindeligt meget sjældnere end træ.

Tidligt opgav nordeuropæerne profilen og begyndte at producere portrætter af realistisk volumen og perspektiv. I Holland var Jan van Eyck en førende portrætist. Arnolfini-ægteskabet (1434, National Gallery , London) er et vartegn for vestlig kunst, et tidligt eksempel på et portræt i fuld længde, fremragende malet i rige farver og udsøgte detaljer. Men lige så vigtig viser den den nyudviklede teknik til oliemaleri, der var banebrydende af van Eyck, som revolutionerede kunsten og spredte sig i hele Europa.

Hans Holbein den Yngre , Portræt af Sir Thomas More , 1527

Førende tyske portrætkunstnere, herunder Lucas Cranach , Albrecht Dürer og Hans Holbein den Yngre, der alle mestrede oliemaleriteknik. Cranach var en af ​​de første kunstnere, der malede fuld størrelse kommissioner i fuld størrelse, en tradition populær fra da af. På det tidspunkt havde England ingen portrætmalere af første rang, og kunstnere som Holbein var efterspurgte af engelske lånere. Hans maleri af Sir Thomas More (1527), hans første vigtige protektor i England, har næsten realismen i et fotografi. Holbein gjorde sin store succes med at male kongefamilien, herunder Henry VIII . Dürer var en fremragende tegner og en af ​​de første store kunstnere, der lavede en række selvportrætter, herunder et fuld ansigtsmaleri. Han placerede også sin selvportrætfigur (som tilskuer) i flere af sine religiøse malerier. Dürer begyndte at lave selvportrætter i en alder af tretten. Senere ville Rembrandt forstærke denne tradition.

I Italien førte Masaccio an i moderniseringen af ​​kalkmaleriet ved at indtage et mere realistisk perspektiv. Filippo Lippi banede vejen for at udvikle skarpere konturer og snoede linjer, og hans elev Raphael udvidede realismen i Italien til et meget højere niveau i de følgende årtier med sine monumentale vægmalerier. I løbet af denne tid blev trolovelsesportrættet populært, en særlig specialitet for Lorenzo Lotto . I løbet af den tidlige renæssance var portrætmalerier generelt små og undertiden dækket med beskyttende låg, hængslede eller glidende.

Under renæssancen ønskede især den florentinske og milanesiske adel mere realistiske fremstillinger af sig selv. Udfordringen med at skabe overbevisende fulde og tre fjerdedele visninger stimulerede eksperimentering og innovation. Sandro Botticelli , Piero della Francesca , Domenico Ghirlandaio , Lorenzo di Credi og Leonardo da Vinci og andre kunstnere udvidede deres teknik i overensstemmelse hermed og tilføjede portrætter til traditionelle religiøse og klassiske emner. Leonardo og Pisanello var blandt de første italienske kunstnere, der tilføjede allegoriske symboler til deres verdslige portrætter.

Leonardo da Vinci , Mona Lisa eller La Gioconda , 1503–1505/1507

Et af de mest kendte portrætter i den vestlige verden er Leonardo da Vincis maleri med titlen Mona Lisa , opkaldt efter Lisa del Giocondo , medlem af Gherardini-familien i Firenze og Toscana og hustru til den velhavende florentinske silkehandler Francesco del Giocondo. Det berømte "Mona Lisa -smil" er et glimrende eksempel på at anvende subtil asymmetri på et ansigt. I sine notesbøger rådgiver Leonardo om lysets kvaliteter i portrætmaleri:

En meget høj grad af nåde i lyset og skyggen føjes til ansigterne på dem, der sidder i døråbningerne i mørke rum, hvor observatørens øjne ser den skraverede del af ansigtet tilsløret af rummets skygger, og se den oplyste del af ansigtet med den større glans, som luften giver det. Gennem denne stigning i skyggerne og lysene får ansigtet større lindring.

Leonardo var elev af Verrocchio . Efter at være blevet medlem af Malerslauget begyndte han at acceptere uafhængige kommissioner. På grund af hans vidtstrakte interesser og i overensstemmelse med hans videnskabelige sind er hans output af tegninger og forundersøgelser enormt, selvom hans færdige kunstneriske output er relativt lille. Hans andre mindeværdige portrætter omfattede adelskvinderne Ginevra de 'Benci og Cecilia Gallerani .

Raphaels overlevende kommissionsportrætter er langt flere end Leonardos, og de viser et større udvalg af stillinger, belysning og teknik. I stedet for at producere revolutionerende innovationer var Raphaels store bedrift at styrke og forfine de udviklende strømme af renæssancekunst. Han var særlig ekspert i gruppeportrættet. Hans mesterværk Skolen i Athen er en af ​​de fremmeste gruppefresker, der indeholder ligheder med Leonardo, Michelangelo, Bramante og Raphael selv, i skikkelse af gamle filosoffer. Det var ikke det første gruppeportræt af kunstnere. Årtier tidligere havde Paolo Uccello malet et gruppeportræt, herunder Giotto , Donatello , Antonio Manetti og Brunelleschi . Da han steg frem, blev Raphael en yndet portrætist af paverne. Mens mange renæssancekunstnere ivrigt accepterede portrætkommissioner, nægtede nogle få kunstnere dem, især Raphaels rival Michelangelo , der i stedet påtog sig de enorme kommissioner i Det Sixtinske Kapel .

I Venedig omkring 1500 dominerede Gentile Bellini og Giovanni Bellini portrætmaleri. De modtog de højeste kommissioner fra de førende embedsmænd i staten. Bellinis portræt af Doge Loredan anses for at være et af de fineste portrætter fra renæssancen og demonstrerer på en dygtig måde kunstnerens beherskelse af de nyankomne teknikker til oliemaleri. Bellini er også en af ​​de første kunstnere i Europa, der underskrev deres værker, selvom han sjældent datede dem. Senere i det 16. århundrede overtog Titian nogenlunde den samme rolle, især ved at udvide forskellige stillinger og møder for sine kongelige undersåtter. Titian var måske den første store børneportrætist. Efter Titian blev Tintoretto og Veronese førende venetianske kunstnere og hjalp overgangen til italiensk manisme . Manneristerne bidrog med mange ekstraordinære portrætter, der understregede materiel rigdom og elegant komplekse stillinger, som i værkerne af Agnolo Bronzino og Jacopo da Pontormo . Bronzino gjorde sin berømmelse ved at skildre Medici -familien. Hans vovede portræt af Cosimo I de 'Medici viser den stramme hersker i rustning med et forsigtigt øje stirret til sin yderste højre, i skarp kontrast til de fleste kongelige malerier, der viser deres siddere som godartede suveræne. El Greco , der trænede i Venedig i tolv år, gik i en mere ekstrem retning efter sin ankomst til Spanien og understregede sin "indre vision" af barnevogteren for at reducere virkeligheden af ​​det fysiske udseende. En af de bedste portrætister i 1500-tallets Italien var Sofonisba Anguissola fra Cremona, der tilførte hendes individuelle og gruppeportrætter nye kompleksitetsniveauer.

Retsportrætter i Frankrig begyndte, da den flamske kunstner Jean Clouet malede hans overdådige lighed med Frans I af Frankrig omkring 1525. Kong Frans var en stor protektor for kunstnere og en ivrig kunstsamler, der inviterede Leonardo da Vinci til at bo i Frankrig i sine senere år. Den Mona Lisa boede i Frankrig efter Leonardo døde der.

Barok og rokoko

Rembrandt- gruppe portræt, De Syndics af Clothmaker Guild , 1662.

I barok- og rokoko -perioden (henholdsvis 17. og 18. århundrede) blev portrætter endnu vigtigere registreringer af status og position. I et samfund, der i stigende grad domineres af sekulære ledere i magtfulde domstole, var billeder af overdådigt påklædte figurer et middel til at bekræfte vigtige individers autoritet. De flamske malere Sir Anthony van Dyck og Peter Paul Rubens udmærkede sig ved denne type portrætter, mens Jan Vermeer producerede portrætter mest af middelklassen, på arbejde og leg indendørs. Rubens portræt af ham selv og hans første kone (1609) i deres bryllupsdragt er et virtuose eksempel på parportrættet. Rubens berømmelse strakte sig ud over hans kunst - han var hofmand, diplomat, kunstsamler og succesrig forretningsmand. Hans atelier var et af de mest omfattende på den tid og udover portrætter beskæftigede specialister inden for stilleben, landskaber, dyr og genrescener. Van Dyck uddannede der i to år. Karl I af England ansatte først Rubens, derefter importerede van Dyck som hans hofmaler, adlede ham og gav ham lovlig status. Van Dyck tilpassede ikke kun Rubens produktionsmetoder og forretningskompetencer, men også hans elegante manerer og udseende. Som det blev registreret, "gik han altid pragtfuldt på, havde et talrige og galante udstyr og holdt et så ædelt bord i sin lejlighed, at få fyrster ikke var mere besøgt eller bedre tjente." I Frankrig dominerede Hyacinthe Rigaud nogenlunde på samme måde som en bemærkelsesværdig kroniker af royalty, der malede portrætter af fem franske konger.

En af nyskabelserne inden for renæssancekunst var den forbedrede gengivelse af ansigtsudtryk, der ledsagede forskellige følelser. Især den hollandske maler Rembrandt udforskede de mange udtryk for det menneskelige ansigt, især som en af ​​de førende selvportrætister (hvoraf han malede over 60 i sit liv). Denne interesse for det menneskelige ansigt fremmede også oprettelsen af ​​de første karikaturer, krediteret Accademia degli Incamminati , der blev drevet af malere fra familien Carracci i slutningen af ​​1500 -tallet i Bologna, Italien.

Velázquez , pave Innocent X , ca. 1650, Doria Pamphilj Gallery , Rom.

Gruppeportrætter blev produceret i stort antal i barokperioden, især i Holland. I modsætning til i resten af ​​Europa modtog hollandske kunstnere ingen kommissioner fra den calvinistiske kirke, som havde forbudt sådanne billeder eller fra det aristokrati, der stort set var ikke-eksisterende. I stedet kom provisioner fra borger- og erhvervsorganisationer. Den hollandske maler Frans Hals brugte flydende penselstrøg med levende farver til at genoplive sine gruppeportrætter, herunder de af de civile vagter, som han tilhørte. Rembrandt havde stor fordel af sådanne kommissioner og af den generelle værdsættelse af kunst fra borgerlige klienter, der støttede portrætter såvel som stilleben og landskabsmaleri. Desuden blomstrede de første betydelige kunst- og forhandlermarkeder i Holland på det tidspunkt.

Med masser af efterspørgsel var Rembrandt i stand til at eksperimentere med ukonventionel komposition og teknik, såsom chiaroscuro . Han demonstrerede disse nyskabelser, der var banebrydende af italienske mestre som Caravaggio , især i hans berømte Night Watch (1642). Tulp (1632) anatomilektion er endnu et godt eksempel på Rembrandts beherskelse af gruppemaleriet, hvor han bader liget i skarpt lys for at henlede opmærksomheden på maleriets centrum, mens tøjet og baggrunden smelter sammen til sort, hvilket gør kirurgen og elevernes ansigter skiller sig ud. Det er også det første maleri, Rembrandt underskrev med sit fulde navn.

I Spanien malede Diego Velázquez Las Meninas (1656), et af de mest berømte og gådefulde gruppeportrætter nogensinde. Det mindes kunstneren og børnene i den spanske kongefamilie, og tilsyneladende er sitterne kongeparret, der kun ses som refleksioner i et spejl. Velázquez begyndte først og fremmest som genremaler og blev hurtigt fremtrædende som hofmaler af Philip IV og udmærkede sig inden for portrætkunsten, især med hensyn til at udvide kompleksiteten af ​​gruppeportrætter.

Rokokokunstnere, der var særligt interesseret i rig og indviklet ornamentik, var mestre i det raffinerede portræt. Deres opmærksomhed på detaljerne i kjole og tekstur øgede portrætternes effektivitet som et vidnesbyrd om verdslig rigdom, hvilket fremgår af François Bouchers berømte portrætter af Madame de Pompadour iført silkekjoler.

Thomas Gainsborough , The Blue Boy , ca. 1770, Huntington Library , San Marino, Californien
Louis XIV af Frankrig og hans familie fremstillet som romerske guder i et maleri af Jean Nocret fra 1670 .

De første store indfødte portrætmalere på den britiske skole var engelske malere Thomas Gainsborough og Sir Joshua Reynolds , der også specialiserede sig i beklædning af deres fag på en iøjnefaldende måde. Gainsboroughs Blue Boy er et af de mest berømte og anerkendte portrætter nogensinde, malet med meget lange pensler og tynd oliefarve for at opnå den blå udklædnings skinnende effekt. Gainsborough blev også kendt for sine detaljerede baggrundsindstillinger for sine emner.

De to britiske kunstnere havde modsatte meninger om brug af assistenter. Reynolds ansætter dem regelmæssigt (nogle gange laver kun 20 procent af maleriet selv), mens Gainsborough sjældent gjorde det. Nogle gange ville en klient udtrække et løfte fra kunstneren, ligesom Sir Richard Newdegate fra portrætisten Peter Lely (van Dycks efterfølger i England), der lovede, at portrættet ville være "fra begyndelsen til slutningen af ​​mine egne hænder." I modsætning til den nøjagtighed, de flamske mestre anvender, opsummerede Reynolds sin tilgang til portrætter ved at konstatere, at "nåde, og vi kan tilføje, ligheden, består mere i at tage den generelle luft end i at observere den nøjagtige lighed med hver funktion . " Også fremtrædende i England var William Hogarth , der turde bukke konventionelle metoder ved at indføre strejf af humor i sine portrætter. Hans "Selvportræt med Pug" er klart mere et humoristisk syn på sit kæledyr end et selvforkælende maleri.

I 1700 -tallet fik kvindelige malere ny betydning, især inden for portrætter. Bemærkelsesværdige kvindelige kunstnere omfatter den franske maler Élisabeth Vigée-Lebrun , den italienske pastellkunstner Rosalba Carriera og den schweiziske kunstner Angelica Kauffman . Også i løbet af dette århundrede, før fotograferingens opfindelse, blev miniatureportrætter ― malet med utrolig præcision og ofte indkapslet i guld eller emaljerede medaljoner ― højt værdsat.

I USA blev John Singleton Copley , skolet på den raffinerede britiske måde, den førende maler i fuld størrelse og miniatureportrætter med sine hyperrealistiske billeder af Samuel Adams og Paul Revere særligt velrenommerede. Copley er også kendt for sine bestræbelser på at fusionere portrætter med den akademisk mere ærede historiemaleri, som han forsøgte med sine gruppeportrætter af berømte militærmænd. Lige så berømt var Gilbert Stuart, der malede over 1.000 portrætter og var især kendt for sit præsidentportræt. Stuart malede over 100 kopier af George Washington alene. Stuart arbejdede hurtigt og brugte blødere, mindre detaljerede penselstrøg end Copley for at fange essensen af ​​sine emner. Nogle gange ville han lave flere versioner til en klient, så sitteren kunne vælge deres favorit. Stuart blev bemærket for sine rosenrøde kindtoner og skrev: "kød er som intet andet stof under himlen. Det har al den glæde silkehandleren har uden sin glans af glans og al blødhed af gammel mahogni uden dets sorg." Andre fremtrædende amerikanske portrætister fra kolonitiden var John Smibert , Thomas Sully , Ralph Earl , John Trumbull , Benjamin West , Robert Feke , James Peale , Charles Willson Peale og Rembrandt Peale .

19. århundrede

Madame Récamier (1800), på højden af nyklassicistisk mode, Jacques-Louis David

I slutningen af ​​1700 -tallet og begyndelsen af ​​det 19. århundrede fortsatte neoklassiske kunstnere traditionen med at skildre emner i de nyeste mode, hvilket for kvinder dengang betød blide kjoler, der stammer fra gamle græske og romerske tøjstilarter. Kunstnerne brugte rettet lys til at definere tekstur og den enkle rundhed af ansigter og lemmer. Franske malere Jacques-Louis David og Jean-Auguste-Dominique Ingres demonstrerede virtuositet i denne tegnerlignende teknik samt et skarpt øje for karakter. Ingres, en elev af David, er kendt for sine portrætter, hvor der er malet et spejl bag emnet for at simulere et set bagfra af motivet. Hans portræt af Napoleon på hans kejserlige trone er en tour de force af kongelig portræt. (se galleri herunder)

Romantiske kunstnere, der arbejdede i første halvdel af 1800 -tallet, malede portrætter af inspirerende ledere, smukke kvinder og ophidsede emner ved hjælp af livlige penselstrøg og dramatisk, til tider humørfuld, belysning. Franske kunstnere Eugène Delacroix og Théodore Géricault malede særligt fine portrætter af denne type, især voldsomme ryttere. Et bemærkelsesværdigt eksempel på kunstner fra den romantiske periode i Polen , der praktiserede et rytterportræt, var Piotr Michałowski (1800–1855). Også bemærkelsesværdigt er Géricaults serie af portrætter af psykiske patienter (1822-1824). Den spanske maler Francisco de Goya malede nogle af periodens mest søgende og provokerende billeder, herunder La maja desnuda (ca. 1797–1800) samt berømte hofportrætter af Karl IV .

Thomas Eakins , Gross Clinic , 1875

De realistiske kunstnere fra det 19. århundrede, såsom Gustave Courbet , skabte objektive portrætter, der skildrede mennesker fra lavere og middelklasse. Courbet demonstrerede sin romantik og malede flere selvportrætter, der viste sig i forskellige stemninger og udtryk. Andre franske realister omfatter Honoré Daumier, der producerede mange karikaturer af sin samtid. Henri de Toulouse-Lautrec kroniserede nogle af de berømte kunstnere i teatret, herunder Jane Avril, og fangede dem i bevægelse. Fransk maler Édouard Manet , var en vigtig overgangskunstner, hvis arbejde svæver mellem realisme og impressionisme . Han var en portrætist med enestående indsigt og teknik, hvor hans maleri af Stéphane Mallarmé var et godt eksempel på hans overgangsstil. Hans nutidige Edgar Degas var primært en realist, og hans maleri Portræt af Bellelli -familien er en indsigtsfuld gengivelse af en ulykkelig familie og et af hans fineste portrætter.

I Amerika regerede Thomas Eakins som den førende portrætmaler og tog realismen til et nyt niveau af ærlighed, især med sine to portrætter af kirurger på arbejde, såvel som atleter og musikere i aktion. I mange portrætter, f.eks. "Portræt af fru Edith Mahon", formidler Eakins frimodigt de uflatterende følelser af sorg og melankoli.

Vincent van Gogh , Selvportræt , 1887

Realisterne gav for det meste plads til impressionisterne i 1870'erne. Dels på grund af deres sparsomme indkomst stolede mange af impressionisterne på, at familie og venner skulle modellere dem, og de malede intime grupper og enkeltfigurer enten udendørs eller i lyst interiør. Impressionistiske portrætter er kendt for deres skinnende overflader og rige malingskvader og er ofte afvæbnende intime og tiltalende. Franske malere Claude Monet og Pierre-Auguste Renoir skabte nogle af de mest populære billeder af individuelle sittere og grupper. Den amerikanske kunstner Mary Cassatt , der uddannede og arbejdede i Frankrig, er populær selv i dag for sine engagerende malerier af mødre og børn, ligesom Renoir. Paul Gauguin og Vincent van Gogh , begge postimpressionister , malede afslørende portrætter af mennesker, de kendte, hvirvlende i farve, men ikke nødvendigvis flatterende. De fejres ligeledes, hvis ikke mere, for deres kraftfulde selvportrætter.

John Singer Sargent strakte sig også over århundredeskiftet, men han afviste åbenbar impressionisme og postimpressionisme. Han var den mest succesrige portrætmaler i sin æra, ved hjælp af en for det meste realistisk teknik, der ofte blev oversvømmet med den geniale brug af farve. Han var lige så velegnet til individuelle og gruppeportrætter, især familier fra overklassen. Sargent blev født i Firenze, Italien af ​​amerikanske forældre. Han studerede i Italien og Tyskland og i Paris. Sargent anses for at være den sidste store eksponent for den britiske portrættradition, der begynder med van Dyck. En anden fremtrædende amerikansk portrætist, der trænede i udlandet, var William Merritt Chase . Det amerikanske samfundsmaler Cecilia Beaux , kaldet "den kvindelige Sargent", blev født af en fransk far, studerede i udlandet og fik succes derhjemme og holdt fast ved traditionelle metoder. En anden portrætist sammenlignet med Sargent for sin frodige teknik var italienskfødte parisiske kunstner Giovanni Boldini , en ven af ​​Degas og Whistler .

Amerikanskfødte internationalist James Abbott McNeill Whistler var godt forbundet med europæiske kunstnere og malede også nogle usædvanlige portrætter, mest berømt hans arrangement i gråt og sort, The Artist's Mother (1871), også kendt som Whistlers mor . Selv med sine portrætter, som med hans tonale landskaber, ønskede Whistler, at hans seere skulle fokusere på det harmoniske arrangement af form og farve i sine malerier. Whistler brugte en dæmpet palette til at skabe sine tiltænkte effekter, idet den understregede farvebalance og bløde toner. Som han sagde, "som musik er lydens poesi, er det at male synens poesi, og emnet har intet at gøre med lydens eller farveens harmoni." Form og farve var også centralt for Cézannes portrætter, mens endnu mere ekstrem farve- og penselstrøgsteknik dominerer portrætterne af André Derain og Henri Matisse .

Fotografiets udvikling i det 19. århundrede havde en betydelig indvirkning på portrætter og erstattede den tidligere camera obscura, som også tidligere var blevet brugt som hjælpemiddel til maleri. Mange modernister strømmede til fotostudierne for at få lavet deres portrætter, herunder Baudelaire, der, selvom han udråbte fotografering til "kunstens fjende", fandt sig tiltrukket af fotografiets ærlighed og magt. Ved at tilbyde et billigt alternativ fortrængte fotografering meget af det laveste niveau af portrætmaleri. Nogle realistiske kunstnere, såsom Thomas Eakins og Edgar Degas , var begejstrede for kamerafotografering og fandt det en nyttig hjælp til komposition. Fra impressionisterne og frem fandt portrætmalerne et utal af måder at genfortolke portrættet på for at konkurrere effektivt med fotografering. Sargent og Whistler var blandt dem, der blev stimuleret til at udvide deres teknik for at skabe effekter, som kameraet ikke kunne fange.

20. århundrede

Portræt af Gertrude Stein , 1906, Metropolitan Museum of Art , New York City. Da nogen kommenterede, at Stein ikke lignede hendes portræt, svarede Picasso: "Det vil hun".

Andre kunstnere fra begyndelsen af ​​det 20. århundrede udvidede også portrætrepertoiret i nye retninger. Fauvist- kunstneren Henri Matisse fremstillede kraftfulde portrætter ved hjælp af ikke-naturalistiske, endda garish, farver til hudtoner. Cézanne stolede på stærkt forenklede former i sine portrætter, idet han undgik detaljer, mens han fremhævede farvekompositioner. Østrigske Gustav Klimts unikke stil anvendte byzantinske motiver og guldmaling på hans mindeværdige portrætter. Hans elev Oskar Kokoschka var en vigtig portrætist af den wienske overklasse. Den fremtrædende spanske kunstner Pablo Picasso malede mange portrætter, herunder flere kubistiske gengivelser af hans elskerinder, hvor emnets lighed groft forvrænges for at opnå et følelsesmæssigt udsagn langt over grænserne for normal karikatur. Olga Boznańska (1865–1940) var en enestående kvindelig portrætmaler fra begyndelsen af ​​det 20. århundrede, forbundet med den franske impressionisme . Ekspressionistiske malere leverede nogle af de mest hjemsøgende og overbevisende psykologiske undersøgelser, der nogensinde er produceret. Tyske kunstnere som Otto Dix og Max Beckmann frembragte bemærkelsesværdige eksempler på ekspressionistisk portræt. Beckmann var en produktiv selvportrætist, der producerede mindst syvogtyve. Amedeo Modigliani malede mange portrætter i sin aflange stil, som afskræmte den "indre person" til fordel for strenge undersøgelser af form og farve. For at hjælpe med at opnå dette afstregede han de normalt udtryksfulde øjne og øjenbryn til punktet med sorte slidser og enkle buer.

Britisk kunst blev repræsenteret af vortexerne , der malede nogle bemærkelsesværdige portrætter i begyndelsen af ​​det 20. århundrede. Den Dada maler Francis Picabia henrettet talrige portrætter i hans unikke måde. Derudover fangede Tamara de Lempickas portrætter med succes art deco -æraen med sine strømlinede kurver, rige farver og skarpe vinkler. I Amerika var Robert Henri og George Bellows fine portrætister fra 1920'erne og 1930'erne på den amerikanske realistiske skole. Max Ernst fremstillede et eksempel på et moderne kollegialt portræt med sit maleri All Friends Together fra 1922 .

Et betydeligt bidrag til udviklingen af ​​portrætmaleri fra 1930–2000 blev ydet af russiske kunstnere, der hovedsageligt arbejdede i traditionerne for realistisk og figurativt maleri. Blandt dem skal hedde Isaak Brodsky , Nikolai Fechin , Abram Arkhipov og andre.

Portrætproduktion i Europa (undtagen Rusland) og Amerika faldt generelt i 1940'erne og 1950'erne, et resultat af den stigende interesse for abstraktion og nonfigurativ kunst. En undtagelse var imidlertid Andrew Wyeth, der udviklede sig til den førende amerikanske realistiske portrætmaler. Hos Wyeth er realismen, selvom den er åben, sekundær i forhold til de tonale kvaliteter og stemning i hans malerier. Dette demonstreres passende med hans skelsættende malerier, kendt som "Helga" -billederne, den største gruppe portrætter af en enkelt person af en større kunstner (247 undersøgelser af hans nabo Helga Testorf, klædt og nøgen, i varierende omgivelser, malet under perioden 1971–1985).

I 1960'erne og 1970'erne var der en genoplivning af portrætter. Engelske kunstnere som Lucian Freud (barnebarn af Sigmund Freud ) og Francis Bacon har produceret kraftfulde malerier. Bacons portrætter er kendt for deres mareridtsfulde kvalitet. I maj 2008 blev Freuds portræt Benefits Supervisor Sleeping fra 1995 solgt på auktion af Christie's i New York City for $ 33,6 millioner, hvilket satte verdensrekord for salgsværdien af ​​et maleri af en levende kunstner.

Mange nutidige amerikanske kunstnere, såsom Andy Warhol , Alex Katz og Chuck Close , har gjort det menneskelige ansigt til et omdrejningspunkt for deres arbejde.

Warhol var en af ​​de mest produktive portrætmalere i det 20. århundrede. Warhols maleri Orange Shot Marilyn af Marilyn Monroe er et ikonisk tidligt eksempel fra hans arbejde fra 1960'erne, og Orange Prince (1984) af popsangerinden Prince er senere et eksempel, der begge viser Warhols unikke grafiske portrætstil.

Close's speciale var enorme, hyperrealistiske vægstørrelser i hovedstørrelse baseret på fotografiske billeder. Jamie Wyeth fortsætter i sin far Andrews realistiske tradition og producerer berømte portrætter, hvis emner spænder fra præsidenter til svin.

Islamisk verden og Sydasien

Den Mughal kejser Jahangir havde ofte selv afbildet med en glorie af hidtil uset størrelse. ca. 1620

Den persiske miniaturetradition undgik at give figurer individualiserede ansigtstræk i lang tid, dels af religiøse årsager, for at undgå enhver antydning til afgudsdyrkelse . Herskere i den islamiske verden lagde aldrig deres billeder på deres mønter, og deres udseende var ikke en del af deres public relations -indsats på den måde, som det gjorde i Vesten. Selv hvor det er klart, at en scene viser domstolen for prinsen, der bestiller værket, har hovedfigurens træk de samme temmelig kinesisk udseende træk som alle andre. Denne langvarige konvention synes at stamme fra starten på miniaturetraditionen under de mongolske ilkhanider , men overlevede dem længe.

Da den persiske tradition udviklede sig som Mughal -miniaturen i Indien, ændrede tingene sig hurtigt. I modsætning til deres persiske forgængere lagde Mughal -lånere stor vægt på detaljerede naturalistiske ligheder med alle de ukendte naturlige former for deres nye imperium, såsom dyr, fugle og planter. De havde den samme holdning til menneskelige portrætter, og individuelle portrætter, normalt i profil, blev et vigtigt element i traditionen. Dette fik en særlig vægt under kejser Akbar den Store , der synes at have været ordblind og knap kunne læse eller skrive selv. Han lod lave et stort album ( muraqqa ) med portrætter af alle de førende medlemmer af hans enorme domstol, og brugte dette, når han overvejede aftaler omkring imperiet med sine rådgivere.

Senere kejsere, især Jahangir og Shah Jahan , gjorde stor brug af idealiserede miniatureportrætter af sig selv som en form for propaganda og distribuerede dem til betydelige allierede. Disse bød ofte på glorier, der var større end dem, der blev givet til nogen religiøse figurer. Sådanne billeder spredte ideen om herskerens portræt til mindre domstole, så mange små rajahs i det 18. århundrede bevarede hofkunstnere til at skildre dem, der nyder fyrstelige aktiviteter i ret stiliserede billeder, der kombinerer sanser for uformel og majestæt.

Osmanniske miniaturer havde generelt figurer med ansigter, der var endnu mindre individualiserede end dens persiske ækvivalenter, men der udviklede sig en genre med små portrætter af mænd fra den kejserlige familie. Disse havde meget individuelle, og ret overdrevne, træk, nogle på kant med karikaturer ; de blev sandsynligvis kun set af en meget begrænset cirkel.

Det persiske Qajar -dynasti , fra 1781, tog til store kongelige portrætter i olier samt miniaturer og tekstilophæng. Disse har en tendens til at blive domineret af shahernes storslåede kostumer og lange skæg.

Kinesisk portrætmaleri

Kinesisk portrætmaleri var langsomt til at begære eller opnå en egentlig lighed. Mange "portrætter" var af berømte figurer fra fortiden, og viste en idé om, hvordan vedkommende skulle se ud. Buddhistiske præster, især inden for skulptur, var noget af en undtagelse herfra. Portrætter af kejseren blev længe aldrig set offentligt, dels af frygt for at mishandling af dem kunne vanære kejseren eller endda forårsage uheld. De ældste ministre fik lov til en gang om året at hylde billederne i det kejserlige galleri med forfædreportrætter som en særlig ære.

Han -dynastiet (206 f.Kr. – 220 e.Kr.)

Under Han -dynastiet førte fremkomsten af konfucianismen , der betragtede mennesket som universets og samfundets centrum, til fokus på psykologisk undersøgelse. I mellemtiden startede taoistiske lærde studiet af fysiognomi . De kombinerede interesser for menneskelige psykologiske og fysiske træk forårsagede en vækst i biografi og portrætter. Portrætmalerier, der blev skabt under Han -dynastiet, blev betragtet som prototyper af de tidligste kinesiske portrætmalerier, hvoraf de fleste blev fundet på vægge i paladshaller, gravkamre og byder på helligdomme. For eksempel angiver den indgraverede figur af en mand fundet i en gravflise fra det vestlige Henan fra det tredje århundrede f.Kr. malerens observation og ønske om at skabe livlige figurer. Emner for de fleste vægportrætter er imidlertid anonyme figurer, der deltager i samtale. På trods af den levende skildring af fysiske træk og ansigtsudtryk på grund af manglen på identitet og den tætte forbindelse til fortællende kontekst kategoriserer mange lærde disse Han -dynastiets vægmalerier som "karakterfigurer i aktion" i stedet for faktiske ligheder med bestemte individer.

Jin -dynastiet (265–410 e.Kr.)

Den Jin dynasti var en af de mest turbulente perioder i gammel kinesisk historie. Efter årtiers krige mellem de tre stater Wei , Shu og Wu fra 184 til 280 e.Kr., grundlagde Sima Yan til sidst det vestlige Jin -dynasti i 266 e.Kr. Det ustabile socialpolitiske miljø og den faldende kejserlige autoritet resulterede i en overgang fra konfucianisme til neo-daoisme . Da holdningen om at bryde det sociale hierarki og indretning blomstrede, begyndte selvudfoldelse og individualisme at vokse blandt intelligentsia.

The Seven Sages of the Bamboo Grove og Rong Qiqi er et trådrelieffmaleri på fliser fundet i en Jin-dynastiets murstenskammergrav i Nanjing . Relieffet er 96 tommer i længden og 35 tommer i bredden, med mere end 300 mursten. Det er et af de mest velbevarede trådrelieffmalerier fra Jin-dynastiet, der afspejler håndværk i høj kvalitet. Der er to dele af reliefen og hver indeholder fire figurportrætter. Ifølge de navne, der er indskrevet ved siden af ​​figurerne, fra top til bund og fra venstre til højre, er de otte figurer Rong Qiqi , Ruan Xian , Liu Ling , Xiang Xiu , Ji Kang , Ruan Ji , Shan Tao , og Wang Rong . Bortset fra Rong Qiqi var de syv andre berømte neo-daoistiske lærde fra Jin-dynastiet og blev kendt som "de syv vismænd i bambuslunden ". De var eminent intelligentsias opnået inden for litteratur, musik eller filosofi. Relieffet skildrer en fortællende scene med de otte kultiverede herrer, der sad på jorden i lunden og udførte forskellige aktiviteter. Figurerne blev portrætteret i en afslappet og selvoptaget kropsholdning iført løse beklædningsgenstande med bare fødder.

De historisk indspillede navneindskrifter ved siden af ​​figurerne forårsager reliefmaleriets funktioner som "portræt repræsenterer bestemte mennesker". Derudover gør de ikonografiske detaljer for hver figur baseret på biografi et omfang af individualisering. For eksempel registrerer biografien om Liu Ling i Jins Bog hans besættelse af alkohol. I lindrende smerter sidder Liu Lings skikkelse i en afslappet kropsholdning med et buet knæ og holder en erbei , et kar til alkohol, mens han dypper den anden hånd i koppen for at få en smag af drikken. Portrættet afspejler essensen af ​​Liu Lings karakteristika og temperament. Figuren af ​​Ruan Xian, der var berømt for musikalske talenter ifølge Jin 's Bog, spiller en fløjte i portrættet.

Gu Kaizhi , en af ​​de mest berømte kunstnere i det østlige Jin -dynasti, instruerede i, hvordan man afspejler sitters egenskaber gennem nøjagtig skildring af de fysiske træk i sin bog On Painting . Han understregede også fangsten af ​​sitters ånd gennem levende skildring af øjne.

Tang -dynastiet (618–907)

Under Tang -dynastiet var der en stigning i humanisering og personalisering i portrætmaleri. På grund af tilstrømningen af buddhismen antog maleriportrættet en mere realistisk lighed, især for munkernes portrætter. Troen på "tidsmæssig uforgængelighed" af den udødelige krop i Mahayana -buddhismen forbandt tilstedeværelsen i et billede med tilstedeværelsen i virkeligheden. Portræt blev betragtet som den visuelle udførelsesform og erstatning for en rigtig person. Således var den sande lighed højt værdsat i munkenes malerier og statuer. Tang -dynastiets vægmaleri portrætmaleri værdsætter den åndelige kvalitet - "animationen gennem åndekonsonans" ( qi yun shen tong ).

Med hensyn til det kejserlige portræt brugte kejser Taizong , Tang -dynastiets anden kejser, portrætter til at legitimere arv og forstærke magten. Han bestilte Portrait of Succession Emperors, der indeholder portrætter af 13 kejsere i de tidligere dynastier i kronologisk rækkefølge. Almindelighed blandt de udvalgte kejsere var, at de var sønner af dynastiernes grundlæggere. Da kejser Taizongs far, kejser Gaozu , var grundlæggeren af ​​Tang -dynastiet , fungerede kejser Taizongs valg af de tidligere kejsere i den samme stilling som ham selv som en politisk hentydning. Hans arv var under tvivl og kritik, da han myrdede to af sine brødre og tvang sin far til at give tronen til ham. Gennem bestilling af de tidligere kejsers kollektive portrætter havde han til formål at legitimere regeringstidens overførsel. Desuden indebar forskellen i kostumerne til de skildrede kejsere kejser Taizongs mening om dem. Kejserne afbildet i uformelle kostumer blev betragtet som de dårlige eksempler på en hersker som at være svag eller voldelig, mens dem i formelle kjoler blev antaget at opnå enten civile eller militære præstationer. Kommissionen var en indirekte metode af kejser Taizong til at forkynde, at hans præstationer havde overgået præcedens kejserne. Kejser Taizong bestilte også en række portrætmalerier af berømte lærde og intellektuelle, før han blev kejser. Han forsøgte at blive ven med de intellektuelle ved at sætte portrætterne på væggen af ​​Pingyan Pavilion som et signal om respekt. Portrætterne tjente også som bevis på, at han havde fået politisk støtte fra de portrætterede berømte lærde for at skræmme sine modstandere. Under hans regeringstid bestilte kejser Taizong portrætter af sig selv, der modtog tilbud fra ambassadørerne i de erobrede fremmede lande for at fejre og annoncere sine militære præstationer.

Sangdynastiet (960–1279)

Portræt af den Zen buddhistiske Wuzhun Shifan , 1238 e.Kr.

Under Song-dynastiet , kejser Gaozong bestilt Portrætter af Confucius og Seventy-to disciple ( Sheng Xian tu ) på tom jorden med sin håndskrevne inskription. Figurerne blev portrætteret i levende linjer, animerede gestus, og ansigtsudtrykene blev gengivet som en fortællende kvalitet. Portrættet af de hellige og hans disciple blev fundet på en stentavle på væggen af ​​Imperial University som en moralsk kodeks for at uddanne de studerende. Men forskere hævdede, at kejser Gaozongs sande formål med kommissionen var at meddele, at hans politik blev understøttet af konfucianisme samt hans kontrol over den konfucianske arv.

Yuan -dynastiet (1271–1368)

Den Yuan-dynastiet var en skelsættende øjeblik i kinesisk historie. Efter at det mongolske imperium erobrede det kinesiske fastland og sluttede Song -dynastiet, stod det traditionelle kinesiske intelligentsia tilbage i en dilemma -situation om at vælge mellem tilbagetrækning fra den udenlandske regering eller at forfølge nye politiske karrierer. Portrætmalerier af "kulturmænd" ( wen ren hua ) i den periode afspejler dette dilemma. For eksempel skildrede portrættet af Yang Qian ham stående i en bambusskov. Mens bambus symboliserer hans moralske retfærdighed, hentyder det halvt lukkede og halvåbnede rum i baggrunden til hans potentiale for at vælge mellem tilbagetrækning og tjeneste i den mongolske regering.

Med hensyn til kejserligt portræt afspejler portrættet af Kublai og portrættet af Chabi af den mongolske kejserlige maler Araniko i 1294 sammensmeltningen af ​​de traditionelle kinesiske kejserlige portrætteknikker og den himalaya-mongolske æstetiske værdi. Kublai Khan blev portrætteret som en ældre mand, mens kejserinde Chabi blev afbildet i ungdommen, begge iført traditionelle mongolske kejserdragter. Araniko vedtog den kinesiske portrætteknik som at skitsere formen med blæk og forstærke formen med farve, hvorimod højdepunkterne på Chabis smykker med samme nuance, men lettere værdi viste sig at være en fortsættelse af Himalaya -stilen. Den fulde frontale orientering af sidderne og deres centrerede elev tilføjer en konfronterende effekt på betragteren, hvilket afspejler den nepalesiske æstetik og stil. Den meget symmetriske komposition og den stive fremstilling af hår og tøj adskilte sig fra den tidligere maleri i Song -dynastiet. Der er ringe indflydelse på sitternes moralske fortjeneste eller deres personlighed, hvilket indikerer en løsrivelse af maleren fra siteren, hvilket modsiger Song -dynastiets vægt på fangst af ånden.

Qing -dynastiet (1636–1912)

Under Qing -dynastiet blev det europæiske maskeraderets portrætter fra det attende århundrede, der skildrede aristokraterne, der deltog i forskellige aktiviteter i forskellige kostumer, importeret til Kina. Den Yongzheng Kejser og hans søn, den Qianlong kejser , bestilt en række maskerade portrætmalerier med forskellige politiske implikationer. I det meste af Yongzheng -kejserens maskeradeportræt bærer han eksotiske kostumer såsom dragten til den europæiske herre. Manglen på indskrift på portrætmaleriet efterlader hans hensigt uklart, men nogle forskere mener, at det eksotiske kostume afspejler hans interesse for fremmed kultur og ønske om at styre verden. Sammenlignet med Yongzheng -kejserens tvetydige indstilling skrev Qianlong -kejseren inskriptioner på sine maskeradeportrætter for at annoncere sin filosofi om "Herskernes måde", som skulle skjule og bedrage, så hans underordnede og fjender ikke kan spore hans strategier. Sammenlignet med Yongzheng -kejserens entusiasme i eksotisk kostume, viste Qianlong -kejseren større interesse for kinesisk traditionelt kostume, såsom omklædning som en konfuciansk lærd, taoistisk præst og buddhistisk munk, hvilket viser hans ønske om at erobre den traditionelle kinesiske arv.

Qianlong -kejseren bestilte forårets fredelige budskab, efter at han arvede tronen fra sin far, som er et dobbeltportrætmaleri af ham og hans far klædt i konfucianske lærdebeklædninger i stedet for traditionelle manchukåber, der stod side om side ved siden af ​​bambus. Forskere mener, at kommissionen havde til formål at legitimere hans tronfølger ved at understrege den fysiske lighed mellem ham og hans far, såsom ansigtsstruktur, identisk kostume og frisure. Bambusskoven i baggrunden angiver deres moralske retfærdighed foreslået af traditionel konfucianisme. Portrættet viser Yongzheng -kejseren, der er i større målestok og overlader en blomstrende gren til Qianlong -kejseren som en politisk metafor for den kejserlige myndighed til at regere. Qianlong -kejseren annoncerede også sin filiale fromhed foreslået af konfucianisme ved at stille i en beskeden gest.

Den Jesuit maler Giuseppe Castiglione brugt 50 år på det kejserlige hof før sin død i 1766, og var en hofmaler til tre kejsere. I sine portrætter, som med andre genrer, kombinerede han aspekter af kinesisk traditionel stil med nutidens vestlige maleri.

Portrætmaleri af kvinder fra Han -dynastiet til Qing -dynastiet

Hofportræt af kejserinde Renhuai (1016–1079) (hustru til kejser Qinzong ), Song -dynastiet

Portrætmaleri af kvinder i det gamle Kina fra Han -dynastiet til Qing -dynastiet (206 f.Kr. - 1912) udviklet under stor indflydelse fra den konfucianske patriarkalske kosmologi, men emnet og stilen varierede alt efter kulturen i hvert dynasti.

I Han -dynastiet (206 f.Kr. - 220 e.Kr.) var kvinder i portrætmaleriet hovedsageligt en type frem for et specifikt individ. Hovedemnet var idealiseret eksemplariske kvinder ( lie nü ) med dyder forårsaget af konfucianisme såsom kyskhed, tredobbelt lydighed ( san cong ) til far, mand, søn. Gu Kaizhis håndrulle eksemplariske kvinder (lie nü tu), som blev oprettet kort efter Han -dynastiet repræsenterer denne genre.

I Tang -dynastiet (618–906) blev paladskvinder ( shi nü ), der udførte daglige gøremål eller underholdning, et populært emne. Paladsdamernes feminine skønhed og charme blev værdsat, men emnet forblev uspecifikt under malernavnet "Palace Ladies". Karakteristika opmuntret af konfucianismen herunder underdanig og behagelig blev omfattet som skønhedsstandarder og fremhævet i portrættet. Malere forfulgte ridderens lighed og lighed og havde til formål at afsløre sjælens renhed.

I Song -dynastiet (960–1279) blev der skabt portrætmalerier af kvinder baseret på kærlighedsdigte skrevet af hofdigtere. Selvom de blev afbildet som at leve på luksuriøs måde og komfortable boliger, blev kvinderne i maleriet normalt fremstillet som ensomme og melankolske, fordi de føler sig øde eller fanget i huslige gøremål, mens deres ægtemænd blev udenfor og forfulgte deres karriere. Almindelige indstillinger omfatter tom havesti og tom platformsofa, der antyder fravær af mandlige figurer. Fælles baggrund omfatter blomstrende træer, der var forbundet med skønhed og banantræer, der symboliserede kvinders sårbarhed.

I Ming -dynastiet (1368–1644) blev litteraturmaleri ( wenren hua ), der kombinerede maleri, kalligrafi og poesi en populær trend blandt eliterne. De fleste kvinder i litteraturmaleriet var abstrakte figurer, der tjente som visuel metafor og forblev nonentity. I Qing -dynastiet (1644–1912) fik litteraturmaleriet større variation i penselstrøg og brug af lyse farver.

  • Portræt af Ho Bun (何斌), en sen Ming-dynastiets forsker-bureaukrat , slutningen af ​​1500-tallet til begyndelsen af ​​1600-tallet, kinesisk

  • Three Beauties of the Present Day af Utamaro , 1793

Se også

Referencer og noter

Referencer
Noter
  • New Age "Art Notes" -kolonnen af ​​28. februar 1918 er en nært begrundet analyse af portrætets begrundelse og æstetik af BH Dias (pseudonym for Ezra Pound ), en indsigtsfuld referenceramme til visning af ethvert portræt, gammelt eller moderne.

Yderligere læsning

  • Woodall, Joanna . Portrætter: Over for motivet . Manchester University Press , Manchester, 1997.
  • Vest. S. Portrætter (Oxford History of Art) , Oxford: Oxford University Press , 2004
  • Brilliant, R. Portraiture (Essays in Art and Culture) , Cambridge: Harvard University Press , 1991
  • Christiansen, K. og Weppelmann, S., red. Renæssanceportrættet: Fra Donatello til Bellini , The Metropolitan Museum of Art, New York, distribueret af Yale University Press, 2011.

eksterne links