Renæssancemusik - Renaissance music

En gruppe renæssancemusikere i The Concert (1623) af Gerard van Honthorst

Renæssancemusik forstås traditionelt at dække perioden fra omkring 1420 til 1600, senere end renæssancetiden, som den forstås i andre discipliner. I stedet for at starte fra 14c ars nova og den menneskelige notation, som Philippe de Vitry (en samtid og ven af Petrarch ) forkæmpede , blev musikken fra Trecento behandlet af musikvidenskab som en coda til middelaldermusik og den nye æra dateret fra fremkomsten af triadisk harmoni og spredningen af ​​' contenance angloise ' fra Storbritannien til den burgundiske skole . Et bekvemt vandskel for dens afslutning er vedtagelsen af basso continuo i begyndelsen af barokperioden .

Perioden kan groft underinddeles, med en tidlig periode svarende til Guillaume Du Fays karriere (c. 1397–1474) og dyrkning af cantilena-stil, en midte domineret af den fransk-flamske skole og de firdelte teksturer foretrukket af Johannes Ockeghem (1410'erne eller 20'erne 1497) og Josquin des Prez (slutningen af ​​1450'erne-1521), og kulminerede under kontrareformationen i det blomstrende kontrapunkt i Palestrina (ca. 1525-1594) og den romerske skole .

Musik blev i stigende grad frigjort fra middelalderens begrænsninger, og mere variation var tilladt inden for rækkevidde, rytme, harmoni, form og notation. På den anden side blev kontrapunktsregler mere begrænsede, især med hensyn til behandling af dissonanser . I renæssancen blev musik et redskab til personligt udtryk. Komponister fandt måder at gøre vokalmusik mere udtryksfuld for de tekster, de satte. Sekulær musik absorberede teknikker fra hellig musik og omvendt. Populære sekulære former som chanson og madrigal spredte sig i hele Europa. Domstole ansatte virtuose artister, både sangere og instrumentalister. Musik blev også mere selvforsynende med sin tilgængelighed i trykt form, der eksisterede for sin egen skyld.

Forløberversioner af mange velkendte moderne instrumenter (herunder violin , guitar , lut og keyboardinstrumenter ) udviklede sig til nye former under renæssancen. Disse instrumenter blev ændret for at reagere på udviklingen af ​​musikalske ideer, og de præsenterede nye muligheder for komponister og musikere at udforske. Tidlige former for moderne træblæsere og messinginstrumenter som fagot og trombone dukkede også op, hvilket udvider rækkevidden af ​​sonisk farve og øger lyden af ​​instrumentale ensembler. I løbet af 1400 -tallet blev lyden af ​​fulde triader almindelig, og mod slutningen af ​​1500 -tallet begyndte systemet med kirkemåder helt at bryde ned og gav plads til funktionel tonalitet (det system, hvor sange og stykker er baseret på musikalsk " nøgler "), som ville dominere vestlig kunstmusik i de næste tre århundreder.

Fra renæssancens æra overlever noteret sekulær og hellig musik i mængde, herunder vokal- og instrumentalværker og blandede vokale/instrumentale værker. En lang række musikalske stilarter og genrer blomstrede op under renæssancen, herunder masser, motetter, madrigaler, chansons, akkompagnerede sange, instrumentaldanse og mange andre. Fra slutningen af ​​det 20. århundrede blev der dannet talrige tidlige musikensembler. Ensembler med speciale i musik fra renæssancetiden giver koncertrundvisninger og foretager optagelser, ved hjælp af moderne gengivelser af historiske instrumenter og ved hjælp af sang- og opførelsesstile, som musikforskere mener blev brugt i løbet af æraen.

Oversigt

Et af de mest markante træk ved tidlig renæssance -europæisk kunstmusik var den stigende afhængighed af intervallet for den tredje og dens inversion, den sjette (i middelalderen var tredjedele og sjettedele blevet betragtet som dissonanser, og kun perfekte intervaller blev behandlet som konsonanser : den perfekte fjerde den perfekte femte , oktaven og unisonten ). Polyfoni  - brugen af ​​flere, uafhængige melodiske linjer, udført samtidigt - blev mere og mere detaljeret gennem hele 1300 -tallet med meget uafhængige stemmer (både i vokalmusik og i instrumental musik). Begyndelsen af ​​1400 -tallet viste forenkling, hvor komponisterne ofte stræbte efter jævnhed i de melodiske dele. Dette var muligt på grund af et stærkt forøget vokalinterval inden for musik - i middelalderen gjorde det snævre område nødvendig hyppig krydsning af dele, hvilket krævede en større kontrast mellem dem for at skelne mellem de forskellige dele. De modale (i modsætning til tonal , også kendt som "musikalsk nøgle", en fremgangsmåde udviklet i den efterfølgende barokmusiktid , ca. 1600-1750) begyndte renæssancemusikken at bryde ned mod slutningen af ​​perioden med den øgede brug af rodbevægelser af femtedele eller fjerdedele (se " cirkel af femtedele " for detaljer). Et eksempel på en akkordprogression, hvor akkordrødderne bevæger sig med intervallet på en fjerde, ville være akkordprogressionen i nøglen til C-dur: "D-moll/G-dur/C-dur" (disse er alle triader; tre-note akkorder). Bevægelsen fra d -moll -akkorden til G -dur -akkorden er et interval på en perfekt fjerde. Bevægelsen fra G -dur -akkorden til C -dur -akkorden er også et interval på en perfekt fjerde. Dette udviklede sig senere til en af ​​de afgørende egenskaber ved tonalitet i baroktiden.

De vigtigste kendetegn ved renæssancemusik er:

  • Musik baseret på tilstande.
  • Rigere tekstur, hvor fire eller flere uafhængige melodiske dele udføres samtidigt. Disse sammenvævede melodiske linjer, en stil kaldet polyfoni , er et af de afgørende træk ved renæssancemusik.
  • Blander melodiske linjer frem for kontrasterende i den musikalske tekstur.
  • Harmoni, der lagde større vægt på musikens jævne flow og dets progression af akkorder .

Udviklingen af ​​polyfoni frembragte de bemærkelsesværdige ændringer i musikinstrumenter, der musikalsk markerer renæssancen fra middelalderen. Dets anvendelse opmuntrede til brug af større ensembler og krævede sæt instrumenter, der ville smelte sammen på tværs af hele vokalområdet.

Baggrund

Som i de andre kunstarter blev periodens musik betydeligt påvirket af den udvikling, der definerer den tidlige moderne periode: stigningen i den humanistiske tanke; genopretning af den litterære og kunstneriske arv i det antikke Grækenland og det antikke Rom ; øget innovation og opdagelse; væksten i kommercielle virksomheder; fremkomsten af ​​en borgerlig klasse; og den protestantiske reformation . Fra dette samfund i forandring opstod et fælles, samlende musikalsk sprog, især den polyfoniske stil på den fransk-flamske skole .

Opfindelsen af trykpressen i 1439 gjorde det billigere og lettere at distribuere musik og musikteoretiske tekster på en bredere geografisk skala og til flere mennesker. Før opfindelsen af ​​trykning skulle skriftlig musik og musikteoretiske tekster håndkopieres, en tidskrævende og dyr proces. Efterspørgslen efter musik som underholdning og som fritidsaktivitet for uddannede amatører steg med fremkomsten af ​​en borgerlig klasse. Formidling af chansoner , motetter og masser i hele Europa faldt sammen med foreningen af ​​polyfonisk praksis i den flydende stil, der kulminerede i anden halvdel af det sekstende århundrede i værker af komponister som Giovanni Pierluigi da Palestrina , Orlande de Lassus , Thomas Tallis , William Byrd og Tomás Luis de Victoria . Relativ politisk stabilitet og velstand i de lave lande sammen med et blomstrende system med musikundervisning i områdets mange kirker og katedraler tillod uddannelse af et stort antal sangere, instrumentalister og komponister. Disse musikere var meget eftertragtede i hele Europa, især i Italien, hvor kirker og aristokratiske domstole hyrede dem som komponister, performere og lærere. Siden trykpressen gjorde det lettere at udbrede trykt musik, havde Italien i slutningen af ​​1500 -tallet absorberet de nordlige musikalske påvirkninger med Venedig , Rom og andre byer, der blev centre for musikalsk aktivitet. Dette vendte situationen fra hundrede år tidligere. Opera , en dramatisk iscenesat genre, hvor sangere ledsages af instrumenter, opstod på dette tidspunkt i Firenze. Opera blev udviklet som et bevidst forsøg på at genoplive musikken i det antikke Grækenland.

Genrer

Hoved liturgiske (kirkebaserede) musikalske former, der forblev i brug i hele renæssanceperioden, var masser og motetter , med nogle andre udviklinger mod slutningen af ​​æraen, især da komponister af hellig musik begyndte at vedtage sekulære (ikke-religiøse) musikalske former (såsom madrigalen ) til religiøs brug. Masserne fra det 15. og 16. århundrede havde to slags kilder, der blev brugt, monofonisk (en enkelt melodilinje) og polyfonisk (flere, uafhængige melodiske linjer), med to hovedformer for udarbejdelse, baseret på cantus firmus -praksis eller, der begyndte nogen tid 1500, den nye stil med "gennemgående efterligning", hvor komponister ville skrive musik, hvor de forskellige stemmer eller dele ville efterligne de melodiske og/eller rytmiske motiver udført af andre stemmer eller dele. Fire hovedtyper af masser blev brugt:

Masser blev normalt tituleret efter den kilde, de lånte fra. Cantus firmus masse bruger den samme monofoniske melodi, sædvanligvis hentet fra sang og normalt i tenoren og oftest i længere nodeværdier end de andre stemmer. Andre hellige genrer var madrigale spirituale og laude .

I perioden havde sekulær (ikke-religiøs) musik en stigende distribution med en lang række former, men man skal være forsigtig med at antage en eksplosion i sort: siden tryk gjorde musik mere bredt tilgængelig, har meget mere overlevet fra denne æra end fra den foregående middelalder, og sandsynligvis er en rig butik af populærmusik i senmiddelalderen gået tabt. Sekulær musik var musik, der var uafhængig af kirker. Hovedtyperne var den tyske Lied , italiensk frottola , den franske chanson , den italienske madrigal og den spanske villancico . Andre sekulære vokale genrer omfattede caccia , Rondeau , Virelai , bergerette , Ballade , musique mesurée , canzonetta , Villanella , villotta , og lut sang . Blandede former som motet-chanson og den sekulære motet dukkede også op.

Rent instrumental musik omfattede konsortmusik til blokfløjter eller viols og andre instrumenter og danse til forskellige ensembler. Almindelige instrumentale genrer var toccata , prelude , ricercar og canzona . Danser spilles af instrumentale ensembler (eller nogle gange sunget) omfattede basse danse (It. Bassadanza ), Tourdion , Saltarello , Pavane , Galliard , Allemande , courante , Bränsle , Canarie , Piva , og lavolta . Musik af mange genrer kunne arrangeres til et soloinstrument som lut, vihuela, harpe eller keyboard. Sådanne arrangementer blev kaldt intabulationer (It. Intavolatura , Ger. Intabulierung ).

Mod slutningen af ​​perioden høres de tidlige dramatiske forstadier til opera som monody , madrigal -komedien og intermediet .

Teori og notation

Ockeghem, Kyrie "Au travail suis," uddrag, der viser hvid mensural notation.

Ifølge Margaret Bent : "Renaissance notationen er under-foreskrivende af vores [moderne] standarder når oversat til moderne form den får en normativ vægt at overspecifies og fordrejer sin oprindelige åbenhed". Renæssancesammensætninger blev kun noteret i enkelte dele; score var yderst sjælden, og barlines blev ikke brugt. Noteværdier var generelt større end der er i brug i dag; den primære enhed for beat var halvbrikken eller hele noten . Som det havde været tilfældet siden Ars Nova (se middelaldermusik ), kunne der være enten to eller tre af disse for hver breve (en dobbelt-hel note), som dog kan betragtes som ækvivalent med den moderne "foranstaltning" det var i sig selv en noteværdi, og et mål er det ikke. Situationen kan betragtes på denne måde: Det er det samme som reglen, hvorefter en moderne node kan svare til to ottendedelsnoter eller tre i moderne musik, hvilket ville blive skrevet som en "trilling". Ved samme opgørelse kan der være to eller tre af de næste mindste noter, "minim", (svarer til den moderne "halve note") til hver halvkreds.

Disse forskellige permutationer blev kaldt "perfekt/ufuldkommen tempus" på niveauet mellem breve -semibreve -forholdet, "perfekt/imperfekt prolation" på niveau med semibreve -minim, og fandtes i alle mulige kombinationer med hinanden. Tre-til-en blev kaldt "perfekt" og to-til-en "ufuldkommen". Der fandtes også regler, hvorved enkelte sedler kunne halveres eller fordobles i værdi (henholdsvis "ufuldkommen" eller "ændret"), når de gik forud eller efterfulgt af andre bestemte noter. Noter med sorte hoved (f.eks. Kvartnoter ) forekom sjældnere. Denne udvikling af hvid mensural notation kan være et resultat af den øgede brug af papir (frem for velin ), da det svagere papir var mindre i stand til at modstå den ridsning, der kræves for at udfylde faste nitter; notering af tidligere gange, skrevet på velvum, havde været sort. Andre farver og senere udfyldte noter blev også brugt rutinemæssigt, hovedsageligt til at håndhæve de førnævnte ufuldkommenheder eller ændringer og kræve andre midlertidige rytmiske ændringer.

Tilfældigheder (f.eks. Tilføjede skarpe, lejligheder og naturals, der ændrer noterne) blev ikke altid specificeret, lidt som i visse fingernotationer for guitarfamilieinstrumenter ( tabulaturer ) i dag. Renæssancemusikanter ville imidlertid have været højtuddannede i dyadisk kontrapunkt og dermed besat denne og andre oplysninger, der er nødvendige for at læse en partitur korrekt, selvom utilsigtede ikke var skrevet i. Som sådan ville "hvad moderne notation kræver [utilsigtede] da have været helt tydelig uden notation til en sanger, der er bevandret i kontrapunkt. " (Se musica ficta .) En sanger ville fortolke sin del ved at finde kadentielle formler med andre dele i tankerne, og når de synger sammen, ville musikere undgå parallelle oktaver og parallelle femtedele eller ændre deres kadentielle dele i lyset af beslutninger fra andre musikere. Det er gennem nutidige tabulaturer for forskellige plukkede instrumenter, at vi har fået meget information om, hvilke utilsigtede hændelser der blev udført af de oprindelige praktiserende læger.

For oplysninger om specifikke teoretikere, se Johannes Tinctoris , Franchinus Gaffurius , Heinrich Glarean , Pietro Aron , Nicola Vicentino , Tomás de Santa María , Gioseffo Zarlino , Vicente Lusitano , Vincenzo Galilei , Giovanni Artusi , Johannes Nucius og Pietro Cerone .

Komponister - tidslinje

Orlando Gibbons Michael Praetorius John Cooper (composer) Claudio Monteverdi Thomas Campion Hans Leo Hassler John Dowland Carlo Gesualdo Philippe Rogier Giovanni Gabrieli Thomas Morley Alonso Lobo Luca Marenzio Giovanni de Macque Tomás Luis de Victoria Luzzasco Luzzaschi William Byrd Giaches de Wert Andrea Gabrieli Orlande de Lassus Claude Le Jeune Costanzo Porta Francisco Guerrero (composer) Giovanni Pierluigi da Palestrina Cipriano de Rore Jacob Clemens non Papa Claude Goudimel Pierre de Manchicourt Hans Newsidler Thomas Tallis Christopher Tye Cristóbal de Morales Costanzo Festa John Taverner Adrian Willaert Thomas Crecquillon Nicolas Gombert Clément Janequin Philippe Verdelot Antoine Brumel Antonius Divitis Antoine de Févin Martin Agricola Pierre de La Rue Jean Mouton Heinrich Isaac Josquin des Prez Jacob Obrecht Alexander Agricola Loyset Compère Antoine Busnois Walter Frye Johannes Ockeghem Guillaume Dufay Gilles Binchois John Dunstable Leonel Power Oswald von Wolkenstein

Tidlig periode (1400–1470)

Nøglekomponisterne fra den tidlige renæssancetid skrev også i en senmiddelalderlig stil, og som sådan er de overgangsfigurer. Leonel Power (ca. 1370'erne eller 1380'erne – 1445) var en engelsk komponist fra de senmiddelalderlige og tidlige renæssancemusikperioder. Sammen med John Dunstaple var han en af hovedfigurerne i engelsk musik i begyndelsen af ​​1400 -tallet .) Power er den komponist, der bedst repræsenteres i Old Hall -manuskriptet , en af ​​de eneste ubeskadigede kilder til engelsk musik fra begyndelsen af ​​1400 -tallet. Power var en af ​​de første komponister, der satte separate bevægelser af massens almindelige, som var tematisk forenet og beregnet til sammenhængende optræden. Det gamle salmanuskript indeholder sin masse baseret på den marianske antifon , Alma Redemptoris Mater , hvor antifonen bogstaveligt står i tenorstemmen i hver sats, uden melodiske ornamenter. Dette er den eneste cykliske indstilling af den almindelige masse, som kan tilskrives ham. Han skrev massecyklusser, fragmenter og enkeltbevægelser og en række andre hellige værker.

John Dunstaple (eller Dunstable) (ca. 1390–1453) var en engelsk komponist af polyfonisk musik fra senmiddelalderen og tidlige renæssanceperioder. Han var en af ​​de mest berømte komponister, der var aktive i begyndelsen af ​​1400-tallet, en nær samtid af magt og havde stor indflydelse, ikke kun i England, men på kontinentet, især i den udviklende stil på den burgundiske skole . Dunstaples indflydelse på kontinentets musikalske ordforråd var enorm, især i betragtning af den relative mangel på hans (tilskrivelige) værker. Han blev anerkendt for at have noget, han aldrig før har hørt inden for musik fra den burgundiske skole : la contenance angloise ("det engelske ansigt"), et begreb, der blev brugt af digteren Martin le Franc i hans Le Champion des Dames. Le Franc tilføjede, at stilen påvirkede Dufay og Binchois . Den flamske komponist og musikteoretiker Tinctoris skrev et par årtier senere i omkring 1476 og bekræftede den kraftfulde indflydelse, Dunstaple havde, og understregede den "nye kunst", som Dunstaple havde inspireret. Tinctoris hyldede Dunstaple som stilens fons et origo , dets "kilde og oprindelse."

Den contenance angloise, mens der ikke er defineret af Martin le Franc, var sandsynligvis en reference til Dunstaple stilistiske træk for at bruge fuld triadisk harmoni (tre note akkorder), sammen med en smag for intervallet af den tredje . Forudsat at han havde været på kontinentet med hertugen af ​​Bedford, ville Dunstaple have været introduceret til fransk fauxbourdon ; ved at låne nogle af sonoriteterne, skabte han elegante harmonier i sin egen musik ved hjælp af tredjedele og sjettedele (et eksempel på et tredje interval er tonerne C og E; et eksempel på et sjette interval er tonerne C og A). Tilsammen ses disse som definerende egenskaber ved tidlig renæssancemusik. Mange af disse egenskaber kan have deres oprindelse i England og slå rod i den burgundiske skole omkring midten af ​​århundredet.

Fordi der er fundet adskillige kopier af Dunstaples værker i italienske og tyske manuskripter, må hans berømmelse i hele Europa have været udbredt. Af de værker, der tilskrives ham, overlever kun omkring halvtreds, heraf to komplette masser, tre sammenhængende massesektioner, fjorten individuelle massesektioner , tolv komplette isoritmiske motetter og syv indstillinger af Marian antifoner , såsom Alma redemptoris Mater og Salve Regina, Mater misericordiae . Dunstaple var en af ​​de første til at komponere masser ved hjælp af en enkelt melodi som cantus firmus . Et godt eksempel på denne teknik er hans Missa Rex seculorum . Han menes at have skrevet verdslig (ikke-religiøs) musik, men ingen sange i folkemunden kan tilskrives ham med nogen grad af sikkerhed.

Oswald von Wolkenstein (ca. 1376–1445) er en af ​​de vigtigste komponister i den tidlige tyske renæssance. Han er bedst kendt for sine velskrevne melodier og for sin brug af tre temaer: rejse, Gud og sex .

Gilles Binchois (ca. 1400–1460) var en nederlandsk komponist, et af de tidligste medlemmer af den burgundiske skole og en af ​​de tre mest berømte komponister i begyndelsen af ​​1400 -tallet. Mens han ofte var placeret bag sine samtidige Guillaume Dufay og John Dunstaple af samtidige forskere, blev hans værker stadig citeret, lånt og brugt som kildemateriale efter hans død. Binchois anses for at være en fin melodist, der skriver omhyggeligt formede linjer, der er lette at synge og mindeværdige. Hans melodier optrådte i kopier årtier efter hans død og blev ofte brugt som kilder til massekomposition af senere komponister. Det meste af hans musik, selv hans hellige musik, er enkel og klar i kontur, nogle gange endda asketisk (munkeagtig). En større kontrast mellem Binchois og den ekstreme kompleksitet af ars subtilior i det foregående (fjortende) århundrede ville være svært at forestille sig. De fleste af hans sekulære sange er rondeaux , som blev den mest almindelige sangform i løbet af århundredet. Han skrev sjældent i strofisk form , og hans melodier er generelt uafhængige af rimskemaet for de vers, de er indstillet til. Binchois skrev musik til hoffet, sekulære sange om kærlighed og ridderlighed, der levede op til forventningerne og tilfredsstilte smagen hos hertugene af Bourgogne, der ansatte ham, og åbenbart elskede hans musik i overensstemmelse hermed. Omkring halvdelen af ​​hans eksisterende sekulære musik findes i Oxford Bodleian Library.

Guillaume Du Fay (ca. 1397–1474) var en fransk-flamsk komponist fra den tidlige renæssance. Den centrale skikkelse i den burgundiske skole , blev af sine samtidige betragtet som den førende komponist i Europa i midten af ​​1400-tallet. Du Fay komponerede i de fleste af de almindelige former for dagen, herunder masser , motetter , magnificater , salmer , enkle sangindstillinger i fauxbourdon og antifoner inden for hellig musik og rondeaux , ballader , virelais og et par andre chansontyper inden for sekulær musik. Ingen af ​​hans overlevende musik er specifikt instrumental, selvom instrumenter bestemt blev brugt til noget af hans sekulære musik, især til de nederste dele; al hans hellige musik er vokal. Instrumenter kan have været brugt til at forstærke stemmerne i den faktiske performance for næsten ethvert af hans værker. Syv komplette masser, 28 individuelle massebevægelser, 15 indstillinger af sang, der bruges i massepropers, tre Magnificats, to Benedicamus Domino -indstillinger, 15 antifonindstillinger (seks af dem Marian antifoner ), 27 salmer, 22 moteter (13 af disse isorytmiske i mere kantet, stram 14.-århundrede-stil, der gav plads til mere melodisk, sanselig diskantdomineret delskrivning med sætninger, der sluttede i den "under-tredje" kadence i Du Fays ungdom) og 87 chansoner bestemt af ham har overlevet.

Del af Du Fays indstilling af Ave maris stella , i fauxbourdon. Den øverste linje er en omskrivning af sangen; den midterste linje, betegnet "fauxbourdon", (ikke skrevet) følger den øverste linje, men præcis en perfekt fjerde nedenfor. Bundlinjen er ofte, men ikke altid, en sjettedel under den øverste linje; den er pyntet og når kadencer på oktaven. SpilOm denne lyd 

Mange af Du Fays kompositioner var enkle indstillinger for sang, naturligvis designet til liturgisk brug, sandsynligvis som erstatninger for den usminkede sang, og kan ses som sangharmoniseringer. Ofte brugte harmoniseringen en teknik til parallelskrivning kendt som fauxbourdon , som i det følgende eksempel, en indstilling af Marian antiphon Ave maris stella . Du Fay kan have været den første komponist, der brugte udtrykket "fauxbourdon" til denne enklere kompositionsstil, fremtrædende i liturgisk musik fra det 15. århundrede generelt og den burgundiske skole i særdeleshed. De fleste af Du Fays sekulære (ikke-religiøse) sange følger formes fixes ( rondeau , ballade og virelai), som dominerede sekulær europæisk musik fra 1300- og 1400-tallet. Han skrev også en håndfuld italiensk ballat , næsten helt sikkert, mens han var i Italien. Som det er tilfældet med hans motetter, blev mange af sangene skrevet til bestemte lejligheder, og mange er daterbare, hvilket giver nyttig biografisk information. De fleste af hans sange er for tre stemmer, ved hjælp af en tekstur domineret af den højeste stemme; de to andre stemmer, der ikke er forsynet med tekst, blev sandsynligvis spillet af instrumenter.

Du Fay var en af ​​de sidste komponister, der brugte senmiddelalderlige polyfoniske strukturteknikker såsom isoritme , og en af ​​de første til at anvende de mere mellifluøse harmonier, formuleringer og melodier, der var karakteristiske for den tidlige renæssance. Hans kompositioner inden for de større genrer (masser, motetter og chansoner) ligner for det meste hinanden; hans berømmelse skyldes i høj grad det, der blev opfattet som hans perfekte kontrol over de former, han arbejdede i, samt hans gave til mindeværdig og sangbar melodi. I løbet af 1400 -tallet blev han universelt betragtet som den største komponist i sin tid, en mening, der stort set har overlevet til i dag.

Mellemperiode (1470–1530)

1611 træsnit af Josquin des Prez, kopieret fra et nu tabt oliemaleri udført i løbet af hans levetid

I løbet af 1500  -tallet  erhvervede Josquin des Prez ( c. 1450/1455 - 27. august 1521) gradvist ry som tidens største komponist, hans mestring i teknik og udtryk efterlignede og beundrede universelt. Forfattere så forskellige som Baldassare Castiglione og Martin Luther skrev om sit ry og berømmelse.

Sen periode (1530–1600)

San Marco om aftenen. Det rummelige, resonante interiør var en af ​​inspirationer til musikken fra den venetianske skole.

I Venedig , fra omkring 1530 til omkring 1600, udviklede der sig en imponerende polykoral stil, som gav Europa noget af den storslåede, mest klangfulde musik komponeret indtil da, med flere kor af sangere, messing og strygere på forskellige rumlige steder i Basilica San Marco di Venezia (se venetianske skole ). Disse flere revolutioner spredte sig over Europa i de næste flere årtier, begyndende i Tyskland og derefter flyttede til Spanien, Frankrig og England noget senere, og afgrænsede begyndelsen på det, vi nu kender som den barokke musikalske æra.

Den romerske skole var en gruppe komponister af overvejende kirkemusik i Rom, der spænder over den sene renæssance og tidlige barok -epoker. Mange af komponisterne havde en direkte forbindelse til Vatikanet og det pavelige kapel, selvom de arbejdede i flere kirker; stilistisk set står de ofte i kontrast til den venetianske komponistskole, en samtidig bevægelse, der var meget mere progressiv. Langt den mest berømte komponist af den romerske skole er Giovanni Pierluigi da Palestrina. Selvom han bedst var kendt som en produktiv komponist af masser og motetter, var han også en vigtig madrigalist. Hans evne til at samle den katolske kirkes funktionelle behov med de herskende musikalske stilarter i løbet af kontrareformationsperioden gav ham hans varige berømmelse.

Den korte, men intense blomstring af den musikalske madrigal i England, mest fra 1588 til 1627, sammen med de komponister, der producerede dem, er kendt som den engelske Madrigal School . De engelske madrigaler var a cappella, overvejende lette i stilen, og begyndte generelt som enten kopier eller direkte oversættelser af italienske modeller. De fleste var for tre til seks stemmer.

Musica reservata er enten en stil eller en performancepraksis i a cappella vokalmusik fra sidste halvdel af 1500 -tallet, hovedsageligt i Italien og Sydtyskland, der involverer forfining, eksklusivitet og intens følelsesmæssigt udtryk for sunget tekst.

Dyrkning af europæisk musik i Amerika begyndte i det 16. århundrede kort efter ankomsten af ​​spanierne og erobringen af Mexico . Selvom det var udformet i europæisk stil, dukkede unikt mexicanske hybridværker baseret på indfødt mexicansk sprog og europæisk musikalsk praksis meget tidligt op. Musikalsk praksis i New Spain faldt løbende sammen med europæiske tendenser gennem de efterfølgende barokke og klassiske musikperioder. Blandt disse New World -komponister var Hernando Franco , Antonio de Salazar og Manuel de Zumaya .

Derudover har forfattere siden 1932 observeret det, de kalder en seconda prattica (en innovativ praksis, der involverer monodisk stil og frihed i behandlingen af ​​dissonans, begge begrundet i teksters udtryksfulde indstilling) i slutningen af ​​1500- og begyndelsen af ​​1600 -tallet.

Manérisme

I slutningen af ​​1500 -tallet, da renæssancens æra sluttede, udviklede man sig en yderst manistisk stil. I verdslig musik, især i madrigal , der var en tendens til kompleksitet og endog ekstrem chromaticism (som eksemplificeret i madrigaler af Luzzaschi , Marenzio , og Gesualdo ). Udtrykket manererisme stammer fra kunsthistorien.

Overgang til barokken

Begyndende i Firenze , var der et forsøg på at genoplive de dramatiske og musikalske former i det antikke Grækenland ved hjælp af monodi , en form for deklareret musik over et enkelt akkompagnement; en mere ekstrem kontrast til den foregående polyfoniske stil ville være svær at finde; dette var også, i det mindste i starten, en sekulær tendens. Disse musikere var kendt som den florentinske Camerata .

Vi har allerede noteret nogle af de musikalske udviklinger, der hjalp med at indlede barokken , men for yderligere forklaring af denne overgang, se antiphon , concertato , monody , madrigal og opera , samt værkerne givet under "Kilder og yderligere læsning. "

Instrumenter

Mange instrumenter opstod under renæssancen; andre var variationer af eller forbedringer af instrumenter, der havde eksisteret tidligere. Nogle har overlevet til i dag; andre er forsvundet, kun for at blive genskabt for at udføre periodens musik på autentiske instrumenter. Som i nutiden kan instrumenter klassificeres som messing, strygere, slagtøj og træblæsere.

Middelalderinstrumenter i Europa havde oftest været brugt enkeltvis, ofte selvledsaget med en drone eller lejlighedsvis i dele. Fra mindst lige så tidligt som 1200 -tallet og frem til 1400 -tallet var der en opdeling af instrumenter i haut (højt, skingrende, udendørs instrumenter) og bas (mere støjsvage, mere intime instrumenter). Kun to grupper af instrumenter kunne spille frit i begge typer ensembler: cornetten og sækkeskålen, og taboren og tamburinen.

I begyndelsen af ​​1500 -tallet blev instrumenter anset for at være mindre vigtige end stemmer. De blev brugt til danse og til at ledsage vokalmusik. Instrumentalmusik forblev underordnet vokalmusik, og meget af repertoaret stammer på forskellige måder fra eller afhænger af vokalmodeller.

Organer

Forskellige former for organer blev almindeligt anvendt i renæssancen, fra store kirkeorgler til små portativer og sivorganer kaldet kongelige .

Messing

Messinginstrumenter i renæssancen blev traditionelt spillet af professionelle. Nogle af de mere almindelige messinginstrumenter, der blev spillet:

  • Slide -trompet : Ligner dagens basun, bortset fra at i stedet for en sektion af kroppen, der glider, er kun en lille del af kroppen nær mundstykket og selve mundstykket stationær. Kroppen var også en S-form, så den var temmelig uhåndterlig, men var velegnet til den langsomme dansemusik, som den oftest blev brugt til.
  • Cornett : Lavet af træ og spillede som optageren (ved at blæse i den ene ende og flytte fingrene op og ned ad ydersiden) men bruge et kopmundstykke som en trompet.
  • Trompet : Tidlige trompeter havde ingen ventiler og var begrænset til tonerne i overtoneserien . De blev også lavet i forskellige størrelser.
  • Sackbut (undertiden sackbutt eller sagbutt): Et andet navn for basun, som erstattede glidetrompeten i midten af ​​1400 -tallet.

Strenge

Moderne fransk hurdy-gurdy

Som familie blev strenge brugt under mange omstændigheder, både hellige og sekulære. Et par medlemmer af denne familie omfatter:

  • Viol : Dette instrument, udviklet i 1400 -tallet, har normalt seks strenge. Det blev normalt spillet med en bue. Den har strukturelle kvaliteter, der ligner den spanske plukkede vihuela (kaldet viola da mano i Italien); dens vigtigste adskillelsesegenskab er dens større størrelse. Dette ændrede musikerens holdning for at hvile den mod gulvet eller mellem benene på en måde, der ligner celloen. Dens ligheder med vihuela var skarpe talje-snit, lignende bånd, en flad ryg, tynde ribben og identisk tuning. Når det blev spillet på denne måde, blev det undertiden omtalt som "viola da gamba" for at skelne det fra violer spillet "på armen": viole da braccio , som udviklede sig til violinfamilien.
  • Lyre : Dens konstruktion ligner en lille harpe, selvom den i stedet for at blive plukket, strammes med et plektrum. Dens strenge varierede i mængde fra fire, syv og ti, afhængigt af æraen. Det blev spillet med højre hånd, mens venstre hånd lydløse de toner, der ikke var ønsket. Nyere lyrer blev ændret til at blive spillet med en bue.
  • Irsk harpe : Også kaldet Clàrsach på skotsk gælisk eller Cláirseach på irsk, i middelalderen var det det mest populære instrument i Irland og Skotland. På grund af dets betydning i irsk historie ses det endda på Guinness -mærket og er Irlands nationale symbol endnu den dag i dag. For at blive spillet bliver det normalt plukket. Dens størrelse kan variere meget fra en harpe, der kan spilles i ens skød, til en harpe i fuld størrelse, der placeres på gulvet
  • Hurdy-gurdy : (Også kendt som hjulfiolen), hvor strengene lyder af et hjul, som strengene passerer over. Dens funktionalitet kan sammenlignes med en mekanisk violins, idet dens sløjfe (hjul) drejes af en håndsving. Dens karakteristiske lyd skyldes hovedsageligt dens "dronestrenge", der giver en konstant tonehøjde, der ligner deres lyd til sækkepiber.
  • Gittern og mandore : disse instrumenter blev brugt i hele Europa. Forløbere for moderne instrumenter, herunder mandolin og guitar.
  • Lira da braccio
  • Bandora
  • Cittern
  • Lut
  • Orpharion
  • Vihuela
  • Clavichord
  • Cembalo
  • Jomfruelig

Slagværk

Nogle renæssance-slaginstrumenter inkluderer trekanten , jødens harpe, tamburinen, klokkerne, cymbala , rumble-potten og forskellige former for trommer.

  • Tamburin : Tamburinen er en rammetromle. Huden, der omgiver rammen, kaldes vellum og producerer beatet ved at slå overfladen med knoerne, fingerspidserne eller hånden. Det kan også spilles ved at ryste instrumentet, så tamburinens jingler eller pilleklokker (hvis den har en) kan "klanke" og "jingle".
  • Jødens harpe : Et instrument, der producerer lyd ved hjælp af mundformer og forsøger at udtale forskellige vokaler med ens mund. Sløjfen i den bøjede ende af instrumentets tunge er plukket i forskellige vibrationsskalaer og skaber forskellige toner.

Træblæsere (aerofoner)

Træblæsere (aerofoner) producerer lyd ved hjælp af en vibrerende luftsøjle i røret. Huller langs røret gør det muligt for spilleren at styre længden af ​​luftsøjlen og dermed banen. Der er flere måder at få luftsøjlen til at vibrere, og disse måder definerer underkategorierne for træblæseinstrumenter. En spiller kan blæse over et mundhul, som i en fløjte; ind i et mundstykke med et enkelt rør, som i en moderne klarinet eller saxofon; eller et dobbelt rør, som i en obo eller fagot. Alle tre af disse metoder til toneproduktion findes i renæssanceinstrumenter.

  • Shawm : Et typisk orientalsk shawm er nøglefri og er cirka en fod lang med syv fingerhuller og et tommelfingerhul. Rørene var også oftest lavet af træ, og mange af dem havde udskæringer og dekorationer på dem. Det var det mest populære dobbeltrørinstrument i renæssanceperioden; det blev almindeligt brugt på gaderne med trommer og trompeter på grund af sin strålende, gennemtrængende og ofte øredøvende lyd. For at spille shawmen lægger en person hele siv i munden, puffer deres kinder ud og blæser ind i røret, mens han trækker vejret gennem næsen.
Renæssance optagere
  • Reed pipe : Lavet af en enkelt kort stoklængde med et mundstykke, fire eller fem fingerhuller, og rør lavet af det. Reed er lavet ved at skære en lille tunge ud, men lad basen sidde fast. Det er forgængeren for saxofon og klarinet.
  • Hornpipe : Samme som rørrør, men med en klokke for enden.
  • Sækkepibe /Bladderpipe: Troende troede på at være blevet opfundet af hyrder, der troede, at brug af en pose lavet af får- eller gedeskind ville give lufttryk, så når spilleren trækker vejret, behøver spilleren kun at klemme posen gemt under deres arm for at fortsætte tonen. Mundrøret har et enkelt rundt stykke læder, der er hængslet på posens ende af røret og fungerer som en kontraventil. Sivet er placeret inde i det lange mundstykke, som ville have været kendt som en bocal , hvis det var lavet af metal og havde siv været på ydersiden i stedet for indeni.
  • Panpipe : Bruger et antal trærør med en prop i den ene ende og åben i den anden. Hvert rør har en anden størrelse (derved producerer en anden tone), hvilket giver det et område på en og en halv oktav. Spilleren kan derefter placere deres læber mod det ønskede rør og blæse over det.
  • Tværfløjte : Tværfløjten ligner den moderne fløjte med et mundhul nær den stoppede ende og fingerhuller langs kroppen. Spilleren blæser hen over mundhullet og holder fløjten til enten højre eller venstre side.
  • Optager : Optageren var et almindeligt instrument i renæssanceperioden. I stedet for et rør bruges det et fløjtemundstykke som hovedkilde til lydproduktion. Det er normalt lavet med syv fingerhuller og et tommelfingerhul.

Se også

Referencer

Kilder

  • Anon. " Seconda prattica ". Merriam-Webster.com, 2017 (adgang 13. september 2017).
  • Anon. " Hvad er der med navnet? ". Sackbut.com websted, nd (adgang 14. oktober 2014).
  • Atlas, Allan W. Renaissance Music . New York: WW Norton, 1998. ISBN  0-393-97169-4
  • Baines, Anthony, red. Musikinstrumenter gennem tiderne . New York: Walker and Company, 1975.
  • Bent, Margaret. " Grammatik for tidlig musik: Forudsætninger for analyse ". I Tonal Structures of Early Music , [anden udgave], redigeret af Cristle Collins Judd. Kritik og analyse af tidlig musik 1. New York og London: Garland, 2000. ISBN  978-0-8153-3638-9 , 978-0815323884 Genudgivet som e-bog 2014. ISBN  978-1-135-70462-9
  • Bent, Margaret. "Magt, Leonel". Grove Music Online, redigeret af Deane Root. Sl: Oxford Music Online, nd (adgang 23. juni 2015).
  • Bessaraboff, Nicholas. Gamle europæiske musikinstrumenter , første udgave. Cambridge, MA: Harvard University Press, 1941.
  • Besseler, Heinrich. 1950. "Die Entstehung der Posaune". Acta Musicologica , 22, fasc. 1–2 (januar – juni): 8–35.
  • Bowles, Edmund A. 1954. "Haut og Bas: Gruppering af musikinstrumenter i middelalderen". Musica Disciplina 8: 115–40.
  • Brown, Howard M. Musik i renæssancen . Englewood Cliffs, NJ: Prentice Hall, 1976. ISBN  0-13-608497-4
  • J. Peter Burkholder. "Låner." Grove Music Online. Oxford Music Online, nd Hentet 30. september 2011.
  • Classen, Albrecht. "Sexens irrepressibilitet i går og i dag". I seksualitet i middelalderen og tidlig moderne tid , redigeret af Albrecht Classen, 44–47. Sl: Walter de Gruyter, 2008. ISBN  978-3-11-020940-2
  • Emmerson, Richard Kenneth og Sandra Clayton-Emmerson. Nøgletal i middelalderens Europa: Et encyklopædi . [New York?]: Routledge, 2006. ISBN  978-0-415-97385-4
  • Fenlon, Iain, red. (1989). Renæssancen: fra 1470'erne til slutningen af ​​det 16. århundrede . Mand og musik. 2 . Englewood Cliffs, NJ: Prentice Hall. ISBN 978-0-13-773417-7.
  • Fuller, Richard. 2010. Renæssancemusik (1450–1600) . GCSE Music Notes, på rpfuller.com (14. januar, adgang 14. oktober 2014).
  • Gleason, Harold og Becker, Warren. Musik i middelalderen og renæssancen (musiklitteratur skitserer serie I). Bloomington, IN: Frangipani Press, 1986. ISBN  0-89917-034-X
  • Judd, Cristle Collins, red. Tonestrukturer af tidlig musik . New York: Garland Publishing, 1998. ISBN  0-8153-2388-3
  • Lockwood, Lewis, Noel O'Regan og Jessie Ann Owens . "Palestrina, Giovanni Pierluigi da." Grove Music Online. Oxford Music Online, nd Hentet 30. september 2011.
  • Montagu, Jeremy. "Renæssanceinstrumenter". The Oxford Companion to Music , redigeret af Alison Latham. Oxford Music Online. Hentet 30. september 2011.
  • Munrow, David . Noter til optagelsen af Dufay: Misss "Se la face ay pale" . Early Music Consort of London. (1974)
  • Munrow, David. Instrumenter fra middelalderen og renæssancen . London: Oxford University Press, 1976.
  • OED. "Renæssance" . Oxford English Dictionary (Online red.). Oxford University Press. (Abonnement eller medlemskab af deltagende institution er påkrævet.)
  • Ongaro, Giulio. Renæssancens musik . Westport, Connecticut: Greenwood Press, 2003.
  • Planchart, Alejandro Enrique (2001). "Du Fay [Dufay; Du Fayt], Guillaume" . Grove Music Online . Oxford, England: Oxford University Press . doi : 10.1093/gmo/9781561592630.artikel.08268 . (abonnement eller medlemskab af det britiske bibliotek er påkrævet)
  • Pryer A. 1983. "Dufay". I The New Oxford Companion to Music , redigeret af Arnold.
  • Reese, Gustave (1959). Musik i renæssancen (revideret red.). New York, New York: WW Norton & Company . ISBN 978-0-393-09530-2.
  • Stolba, Marie (1990). Udviklingen af ​​vestlig musik: En historie . Dubuque: WC Brun. ISBN 978-0-697-00182-5. Leonel Power (ca. 1375–1445) var en af ​​de to førende komponister af engelsk musik mellem 1410 og 1445. Den anden var John Dunstaple.
  • Strunk, Oliver. Kildeaflæsninger i musikhistorie . New York: WW Norton, 1950.
  • Orpheon Foundation, Wien, Østrig

eksterne links

Moderne præstation