Stilleben - Still life

For anden anvendelse, se Still Life (disambiguation) .
"Naturaleza muerta" omdirigerer her. For anden anvendelse, se Naturaleza muerta (disambiguation) .
Jan Brueghel den ældre (1568–1625), Buket (1599). Nogle af de tidligste eksempler på stilleben var malerier af blomster af nederlandske renæssancesmalere. Stilleben-maleri (inklusive vanitas ), som en bestemt genre, opnåede sin største betydning i nederlandsk kunsts guldalder (ca. 1500-1600).
Juan Sánchez Cotán , Stilleben med vildtfugle , grøntsager og frugter (1602), Museo del Prado Madrid

Et stilleben (flertal: stilleben ) er et kunstværk, der hovedsageligt skildrer livløse emner, typisk almindelige genstande, der enten er naturlige (mad, blomster, døde dyr, planter, sten, skaller osv.) Eller menneskeskabte (drikkevarer glas, bøger, vaser, smykker, mønter, rør osv.).

Med oprindelse i middelalderen og gammel græsk-romersk kunst opstod stilleben-maleri som en særskilt genre og professionel specialisering i vestligt maleri i slutningen af ​​1500-tallet og har været betydningsfuld siden da. En fordel ved stillebenets kunstform er, at den giver en kunstner stor frihed til at eksperimentere med arrangementet af elementer i en sammensætning af et maleri. Stadig liv, som en bestemt genre, begyndte med nederlandsk maleri fra det 16. og 17. århundrede, og det engelske udtryk stilleben stammer fra det hollandske ord stilleven . Tidlige stilleben-malerier, især før 1700, indeholdt ofte religiøs og allegorisk symbolik vedrørende de afbildede objekter. Senere produceres stillebenværker med en række forskellige medier og teknologi, såsom fundne objekter, fotografering, computergrafik samt video og lyd.

Udtrykket omfatter maleri af døde dyr, især vildt. Levende betragtes som dyrekunst , selvom de i praksis ofte blev malet efter døde modeller. På grund af brugen af ​​planter og dyr som emne deler stillebenskategorien også fællestræk med zoologisk og især botanisk illustration . Men med visuel eller kunst er værket ikke kun beregnet til at illustrere emnet korrekt.

Stadig liv indtog den laveste fase af genrerhierarkiet , men har været ekstremt populær blandt købere. Ud over det uafhængige stilleben-emne omfatter stilleben-maleri andre former for maleri med fremtrædende stilleben-elementer, normalt symbolske, og "billeder, der er afhængige af en lang række stilleben-elementer, der tilsyneladende skal gengive et" stykke liv " ' ". Den trompe-l'oeil maleri, som har til hensigt at vildlede beskueren til at tro, den scene er reel, er en specialiseret form for stilleben, som regel viser livløse og relativt flade objekter.

Forløb og udvikling

Stadig liv på en mosaik 2. århundrede, med fisk, fjerkræ, datoer og grøntsager fra Vatikanets museum
Glasskål med frugt og vaser. Romersk vægmaleri i Pompeji (omkring 70 e.Kr.), Napoli National Archaeological Museum , Napoli , Italien

Stilleben-malerier pryder ofte interiøret i gamle egyptiske grave. Det blev antaget, at madgenstande og andre genstande, der blev afbildet der, i det hinsidige ville blive virkelige og tilgængelige for den afdøde. Gamle græske vasemalerier viser også stor dygtighed i at skildre dagligdags genstande og dyr. Peiraikos nævnes af Plinius den Ældre som panelmaler af "lave" emner, såsom overlevelse i mosaikversioner og provinsielle vægmalerier i Pompeji : "barbersaloner, skomagerboder, æsler, spisesteder og lignende emner".

Lignende stilleben, mere enkelt dekorativt med hensigt, men med realistisk perspektiv, er også fundet i de romerske vægmalerier og gulvmosaikker, der blev opdaget i Pompeji, Herculaneum og Villa Boscoreale , herunder det senere velkendte motiv af en glasskål med frugt. Dekorative mosaikker kaldet "emblema", der findes i de rige romers hjem, demonstrerede den række mad, som overklassen nyder godt af, og fungerede også som tegn på gæstfrihed og som fejringer af årstider og liv.

Ved 1500 -tallet ville mad og blomster igen dukke op som symboler på årstiderne og de fem sanser. Traditionen med brugen af ​​kraniet i malerier som et symbol på dødelighed og jordiske rester starter også i romertiden, ofte med den ledsagende sætning Omnia mors aequat (Døden gør alle lige). Disse vanitas- billeder er blevet genfortolket gennem de sidste 400 års kunsthistorie, begyndende med hollandske malere omkring 1600.

Den populære påskønnelse af realismen i stillebensmaleri hænger sammen med den gamle græske legende om Zeuxis og Parrhasius , der siges at have engang konkurreret om at skabe de mest naturtro objekter, historiens tidligste beskrivelser af trompe-l'œil- maleri. Som Plinius den Ældre indspillede i oldtidens romertid, var græske kunstnere århundreder tidligere allerede avancerede inden for portrætmaleri , genremaleri og stilleben. Han udpegede Peiraikos , "hvis kunstfærdighed kun overgås af meget få ... Han malede barbersaloner og skomagerboder, æsler, grøntsager og sådan, og blev derfor kaldt 'maleren af ​​vulgære emner'; alligevel disse værker er helt herlige, og de blev solgt til højere priser end de største [malerier] af mange andre kunstnere. "

Middelalder og tidlig renæssance

Hans Memling (1430–1494), Vase af blomster (1480), Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid . Ifølge nogle forskere er Vase of Flowers fyldt med religiøs symbolik.

I 1300, begyndende med Giotto og hans elever, blev stillebensmaleri genoplivet i form af fiktive nicher på religiøse vægmalerier, der skildrede dagligdags genstande. Gennem middelalderen og renæssancen forblev stilleben i vestlig kunst primært et supplement til kristne religiøse emner og tilkaldte religiøs og allegorisk betydning. Dette var især tilfældet i værker af nordeuropæiske kunstnere, hvis fascination af meget detaljeret optisk realisme og symbolik førte dem til overdådig stor opmærksomhed på deres maleriers samlede budskab. Malere som Jan van Eyck brugte ofte stillebenelementer som en del af et ikonografisk program.

I slutningen af ​​middelalderen blev stillebenelementer, mest blomster, men også dyr og undertiden livløse objekter, malet med stigende realisme i grænserne for belyste manuskripter , udviklende modeller og tekniske fremskridt, der blev brugt af malere af større billeder. Der var et betydeligt overlap mellem kunstnerne, der lavede miniaturer til manuskripter og disse malerpaneler, især i det tidlige nederlandske maleri . Catherine of Cleves ' timer , sandsynligvis fremstillet i Utrecht omkring 1440, er et af de fremragende eksempler på denne trend, med grænser med et ekstraordinært udvalg af objekter, herunder mønter og fiskenet, valgt som supplement til teksten eller hovedbilledet på det tidspunkt bestemt punkt. Flamske værksteder senere i århundredet tog grænseelementernes naturalisme endnu længere. Gothic millefleur gobeliner er endnu et eksempel på den generelle stigende interesse for præcise skildringer af planter og dyr. Sættet med The Lady and the Unicorn er det mest kendte eksempel, designet i Paris omkring 1500 og derefter vævet i Flandern .

Udviklingen af oliemaleriteknik af Jan van Eyck og andre nordeuropæiske kunstnere gjorde det muligt at male dagligdags genstande på denne hyperrealistiske måde på grund af oliefarvernes langsomme tørring, blanding og lagdeling. Blandt de første, der slap fri for religiøs betydning, var Leonardo da Vinci , der skabte akvarelundersøgelser af frugt (omkring 1495) som en del af sin rastløse undersøgelse af naturen, og Albrecht Dürer, der også lavede præcise farvede tegninger af flora og fauna.

Petrus Christus 'portræt af et brud og brudgom, der besøger en guldsmed, er et typisk eksempel på et overgangsstilleben, der skildrer både religiøst og sekulært indhold. Selvom det for det meste er allegorisk i budskab, er parrets figurer realistiske, og de viste objekter (mønter, fartøjer osv.) Er nøjagtigt malede, men guldsmed er faktisk en skildring af St. Eligius og objekterne stærkt symbolske. En anden lignende maleritype er familieportrættet, der kombinerer figurer med et veldekket madbord, som symboliserer både de menneskelige undersøgelsers fromhed og deres tak for Guds overflod. Omkring dette tidspunkt begyndte der at blive malet simple skildringer af stilleben, der var skilt fra figurer (men ikke allegorisk betydning) på ydersiden af ​​skodder til private andagtsmalerier. Et andet skridt i retning af det autonome stilleben var maleriet af symbolske blomster i vaser på bagsiden af ​​sekulære portrætter omkring 1475. Jacopo de 'Barbari gik et skridt videre med sit stilleben med agerhøns og hansker (1504), blandt de tidligste signerede og daterede trompe-l'œil stilleben malerier, som indeholder minimalt religiøst indhold.

Senere renæssance

Joachim Beuckelaer (1533–1575), Køkkenscene , med Jesus i huset til Martha og Mary i baggrunden (1566), 171 × 250 cm (67,3 × 98,4 in).

Sekstende århundrede

Se også: hollandsk og flamsk renæssancemaleri

Selvom de fleste stilleben efter 1600 var relativt små malerier, var et afgørende stadie i udviklingen af ​​genren traditionen, hovedsageligt centreret om Antwerpen , af det "monumentale stilleben", som var store malerier, der omfattede store opslag af stillebenmateriale med figurer og ofte dyr. Dette var en udvikling af Pieter Aertsen , hvis A Meat Stall with the Holy Family Giving Alms (1551, nu Uppsala ) introducerede typen med et maleri, der stadig skræmmer. Et andet eksempel er "The Butcher Shop" af Aertsens nevø Joachim Beuckelaer (1568), med sin realistiske skildring af råt kød, der dominerer forgrunden, mens en baggrundsscene formidler farerne ved beruselse og lechery. Typen af ​​meget stort køkken eller markedsscene udviklet af Pieter Aertsen og hans nevø Joachim Beuckelaer skildrer typisk en overflod af mad med et køkkentøjsstilleben og voldsomme flamske køkkenpiger. En lille religiøs scene kan ofte laves i det fjerne, eller et tema som de fire sæsoner tilføjes for at hæve emnet. Denne form for storstilet stilleben fortsatte med at udvikle sig i det flamske maleri efter adskillelsen mellem Nord og Syd, men er sjælden i hollandsk maleri, selvom andre værker i denne tradition forudser den " lystige virksomhed " -genremaleri .

Efterhånden faldt religiøst indhold i størrelse og placering i denne type malerier, selvom moralske lektioner fortsatte som underkontekster. Et af de relativt få italienske værker i stilen, Annibale Carraccis behandling af det samme emne i 1583, Butcher's Shop , begynder at fjerne de moralske budskaber, ligesom andre "køkken- og markedsførings" stilleben-malerier fra denne periode. Vincenzo Campi introducerede sandsynligvis Antwerpen -stilen til Italien i 1570'erne. Traditionen fortsatte ind i det næste århundrede med flere værker af Rubens , der for det meste underleveranderede stilleben og dyreelementer til specialiserede mestre som Frans Snyders og hans elev Jan Fyt . I anden halvdel af 1500 -tallet udviklede det autonome stilleben sig.

Michelangelo Merisi da Caravaggio , Frugtkurv (1595–96), olie på lærred, 31 × 47 cm

Det 16. århundrede var vidne til en eksplosion af interesse for den naturlige verden og skabelsen af ​​overdådige botaniske encyklopædias, der registrerer opdagelserne af den nye verden og Asien. Det førte også til begyndelsen på den videnskabelige illustration og klassificeringen af ​​prøver. Naturlige genstande begyndte at blive værdsat som individuelle studieobjekter bortset fra religiøse eller mytologiske foreninger. Den tidlige videnskab om naturlægemidler begyndte også på dette tidspunkt, hvilket var en praktisk forlængelse af denne nye viden. Derudover begyndte velhavende lånere at tegne samlingen af ​​dyre- og mineralprøver, hvilket skabte omfattende kabinetter med nysgerrigheder . Disse eksemplarer tjente som modeller for malere, der søgte realisme og nyhed. Skaller, insekter, eksotiske frugter og blomster begyndte at blive indsamlet og handlet, og nye planter som tulipanen (importeret til Europa fra Tyrkiet) blev fejret i stilleben-malerier.

Gartnereksplosionen var af stor interesse i Europa og kunstneren udnyttede det til at producere tusindvis af stilleben-malerier. Nogle regioner og domstole havde særlige interesser. Skildringen af ​​citrus var for eksempel en særlig passion for Medici -domstolen i Firenze, Italien. Denne store spredning af naturlige prøver og den voksende interesse for naturlig illustration i hele Europa resulterede i næsten samtidig oprettelse af moderne stilleben-malerier omkring 1600.

Ved århundredeskiftet var den spanske maler Juan Sánchez Cotán banebrydende for det spanske stilleben med strengt rolige malerier af grøntsager, inden han kom ind i et kloster i fyrre i 1603, hvorefter han malede religiøse emner.

Sekstende århundredes malerier

Syttende århundrede

Jacopo da Empoli (Jacopo Chimenti), Stilleben (ca. 1625)

Fremtrædende akademikere i begyndelsen af ​​1600-tallet, såsom Andrea Sacchi , følte, at genre og stilleben-maleri ikke bar de "gravitas", der var fortjente til at maleriet kunne betragtes som stort. En indflydelsesrig formulering fra 1667 af André Félibien , en historiograf, arkitekt og teoretiker om fransk klassicisme blev den klassiske erklæring om teorien om genrerhierarkiet i det 18. århundrede:

Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des fruits, des fleurs ou des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que des choses mortes & sans mouvement; & comme la figure de l'homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il est sure aussi que celui qui se rend l'imitateur de Dieu en peignant des figures humaines, est beaucoup plus excellent que tous les autres ...

Den, der producerer perfekte landskaber, er over en anden, der kun producerer frugt, blomster eller skaldyr. Den, der maler levende dyr, er mere estimeret end dem, der kun repræsenterer døde ting uden bevægelse, og da mennesket er det mest perfekte Guds værk på jorden, er det også sikkert, at den, der bliver en efterligner af Gud ved at repræsentere menneskeskikkelser, er meget mere fremragende end alle de andre ... ".

Hollandsk og flamsk maleri

Yderligere information: Hollandsk guldaldermaleri og flamsk barokmaleri
Willem Kalf (1619–1693), olie på lærred, The J. Paul Getty Museum
Pieter Claesz (1597–1660), Stilleben med musikinstrumenter (1623)

Stilleben udviklede sig som en separat kategori i de lave lande i sidste kvartal af 1500 -tallet. Det engelske udtryk stilleben stammer fra det hollandske ord stilleven, mens romanske sprog (samt græsk, polsk, russisk og tyrkisk) har tendens til at bruge udtryk, der betyder død natur . Det tidlige nederlandske maleri fra 1400-tallet havde udviklet stærkt illusionistiske teknikker i både panelmaleri og belyste manuskripter , hvor grænserne ofte bød på detaljerede udstillinger af blomster, insekter og, i et værk som Catherine of Cleves 'timer , en lang række objekter. Da det oplyste manuskript blev fortrængt af den trykte bog, blev de samme færdigheder senere anvendt i videnskabelig botanisk illustration; lavlande førte Europa i både botanik og dets skildring i kunst. Den flamske kunstner Joris Hoefnagel (1542–1601) lavede akvarel- og gouachemalerier af blomster og andre stillebenemner til kejser Rudolf II , og der var mange indgraverede illustrationer til bøger (ofte derefter håndfarvede), såsom Hans Collaert ' s Florilegium , udgivet af Plantin i 1600.

Omkring 1600 blomstermalerier i olier blev noget af en dille; Karel van Mander malede selv nogle værker og registrerer, at andre nordmanneristiske kunstnere som Cornelis van Haarlem også gjorde det. Der kendes ingen overlevende blomsterstykker af dem, men mange overlever af de førende specialister, Jan Brueghel den Ældre og Ambrosius Bosschaert , begge aktive i det sydlige Holland.

Mens kunstnere i nord fandt begrænset mulighed for at producere den religiøse ikonografi, som længe havde været deres hæfteklammer - billeder af religiøse emner var forbudt i den hollandske reformerede protestantiske kirke - appellerede den fortsatte nordlige tradition med detaljeret realisme og skjulte symboler til de voksende hollandske middelklasser , der erstattede kirke og stat som de vigtigste kunstmæskere i Holland. Hertil kom den hollandske mani for havebrug, især tulipanen. Disse to syn på blomster - som æstetiske genstande og som religiøse symboler - smeltede sammen for at skabe et meget stærkt marked for denne type stilleben. Stilleben blev ligesom de fleste hollandske kunstværker generelt solgt på åbne markeder eller af forhandlere eller af kunstnere i deres atelierer og blev sjældent bestilt; derfor valgte kunstnere normalt emnet og arrangementet. Så populær var denne type stillebensmaleri, at meget af teknikken til hollandsk blomstermaleri blev kodificeret i afhandlingen Groot Schilderboeck fra 1740 af Gerard de Lairesse, som gav vidtgående råd om farve, indretning, penselarbejde, forberedelse af eksemplarer, harmoni, komposition, perspektiv osv.

Blomstersymbolikken havde udviklet sig siden de tidlige kristne dage. De mest almindelige blomster og deres symbolske betydninger omfatter: rose (Jomfru Maria, forgængelighed, Venus, kærlighed); lilje (jomfru Maria, jomfruelighed, kvindelig bryst, sindets renhed eller retfærdighed); tulipan (prangende, adel); solsikke (trofasthed, guddommelig kærlighed, hengivenhed); violet (beskedenhed, reserve, ydmyghed); columbine (melankoli); valmue (strøm, søvn, død). Hvad angår insekter, repræsenterer sommerfuglen transformation og opstandelse, mens guldsmed symboliserer forgængelighed og myren hårdt arbejde og opmærksomhed på høsten.

Flamske og hollandske kunstnere forgrenede og genoplivede også den antikke græske stillebenstradition af trompe-l'œil , især efterligningen af ​​naturen eller mimesis , som de kaldte bedriegertje ("lille bedrag"). Ud over disse typer stilleben identificerede og udviklede hollandske kunstnere separat "køkken- og markedsmalerier", morgenmads- og madbordstilleben, vanitas -malerier og allegoriske samlingsmalerier.

I de katolske sydlige Holland blev genren guirlandemalerier udviklet. Omkring 1607-1608 begyndte Antwerpen -kunstnerne Jan Brueghel den Ældre og Hendrick van Balen at skabe disse billeder, der består af et billede (normalt andagtigt), der er omkranset af en frodig stillebenskrans. Malerierne var et samarbejde mellem to specialister: et stilleben og en figurmaler. Daniel Seghers udviklede genren yderligere. Oprindeligt tjente en hengiven funktion, guirlande malerier blev ekstremt populære og blev meget brugt som dekoration af hjem.

En særlig genre af stilleben var den såkaldte pronkstilleven (hollandsk for 'prangende stilleben'). Denne stil med udsmykkede stilleben-maleri blev udviklet i 1640'erne i Antwerpen af flamske kunstnere som Frans Snyders og Adriaen van Utrecht . De malede stilleben, der understregede overflod ved at skildre en mangfoldighed af genstande, frugter, blomster og dødt vildt, ofte sammen med levende mennesker og dyr. Stilen blev hurtigt vedtaget af kunstnere fra den hollandske republik .

Særligt populær i denne periode var vanitas -malerier , hvor overdådige arrangementer af frugt og blomster, bøger, statuetter, vaser, mønter, smykker, malerier, musikalske og videnskabelige instrumenter, militære insignier, fint sølv og krystal, blev ledsaget af symbolske påmindelser om livets forgængelighed. Derudover ville et kranium, et timeglas eller lommeur, et lys, der brænder ned, eller en bog med sider vende, tjene som et moraliserende budskab om flygtigheden af ​​sanselige fornøjelser. Ofte vil nogle af frugterne og blomsterne i sig selv blive vist at ødelægge eller falme for at understrege det samme punkt.

En anden form for stilleben, kendt som morgenjes eller "morgenmalerier", repræsenterer både en bogstavelig præsentation af delikatesser, som overklassen kan nyde og en religiøs påmindelse om at undgå frosseri. Omkring 1650 malede Samuel van Hoogstraten et af de første vægstativbilleder , trompe-l'œil stillebenmalerier, der indeholder genstande bundet, klæbet eller fastgjort på anden måde til et vægbræt, en type stilleben meget populær i USA i det 19. århundrede. En anden variation var trompe-l'œil stilleben afbildet objekter, der er forbundet med et givet erhverv, som med Cornelis Norbertus Gysbrechts maleri "Malerens staffeli med frugtstykke", der viser alle værktøjerne til et malerhåndværk. Også populær i første halvdel af 1600 -tallet var maleriet af et stort udvalg af eksemplarer i allegorisk form, såsom "fem sanser", "fire kontinenter" eller "de fire årstider", der viser en gudinde eller allegorisk figur omgivet ved passende naturlige og menneskeskabte genstande. Populariteten af ​​vanitas -malerier og disse andre former for stilleben spredte sig hurtigt fra Holland til Flandern og Tyskland og også til Spanien og Frankrig.

Den nederlandske produktion af stilleben var enorm, og de blev meget vidt eksporteret, især til Nordeuropa; Storbritannien producerede næppe nogen selv. Tysk stilleben fulgte nøje de hollandske modeller; Georg Flegel var en pioner inden for rent stilleben uden figurer og skabte den kompositionsmæssige innovation ved at placere detaljerede objekter i skabe, skabe og vitriner og producere samtidige flere visninger.

Hollandske, flamske, tyske og franske malerier

Sydeuropa

Diego Velázquez , Old Woman Frying Eggs (1618), ( National Gallery of Scotland ), er et af de tidligste eksempler på bodegón .

I spansk kunst er et bodegón et stillebensmaleri, der skildrer spisekammerartikler, såsom madvarer, spil og drikke, ofte arrangeret på en enkel stenplade, og også et maleri med en eller flere figurer, men betydelige stillebenelementer, typisk placeret i et køkken eller værtshus. Fra barokperioden blev sådanne malerier populære i Spanien i andet kvartal af 1600 -tallet. Traditionen med stillebensmaleri ser ud til at være startet og var langt mere populær i de moderne lavlande , i dag Belgien og Holland (dengang flamske og hollandske kunstnere), end den nogensinde var i Sydeuropa. Nordlige stilleben havde mange undergenrer; den morgenmad stykke blev forstærket af den trompe-l'oeil , den blomsterbuket , og Vanitas .

I Spanien var der langt færre lånere til denne slags ting, men en form for morgenmad blev populær med et par madvarer og service, der blev lagt på et bord. Stilleben-maleri i Spanien, også kaldet bodegones , var stram. Det adskilte sig fra hollandsk stilleben, som ofte indeholdt rige banketter omgivet af udsmykkede og luksuriøse stof- eller glasartikler. Spillet i spanske malerier er ofte almindelige døde dyr, der stadig venter på at blive flået. Frugter og grøntsager er ubehandlede. Baggrunde er dystre eller almindelige trægeometriske blokke, der ofte skaber en surrealistisk luft. Selvom både hollandsk og spansk stilleben ofte havde et indlejret moralsk formål, synes stramningerne, som nogle finder beslægtet med nogle af de spanske platåers dysterhed, at afvise de sanselige fornøjelser, fyldenhed og luksus af hollandske stilleben-malerier.

Francisco de Zurbarán , Bodegón eller stilleben med keramikglas (1636), Museo del Prado , Madrid
Josefa de Ayala (Josefa de Óbidos) , Stilleben (ca. 1679), Santarém , Kommunebibliotek

Selvom det italienske stilleben-maleri (på italiensk kaldet natura morta , "død natur") blev mere og mere populært, forblev det historisk set mindre respekteret end det "storslåede" maleri af historiske, religiøse og mytiske emner. På den anden side fandt succesrige italienske stilleben-kunstnere rigelig protektion i deres tid. Desuden valgte eller malede kvindelige malere, få som de var, almindeligvis eller var begrænset til at male stilleben; Giovanna Garzoni , Laura Bernasconi , Maria Theresa van Thielen og Fede Galizia er bemærkelsesværdige eksempler.

Mange førende italienske kunstnere inden for anden genre producerede også nogle stilleben-malerier. Især Caravaggio anvendte sin indflydelsesrige form for naturalisme på stilleben. Hans frugtkurv (ca. 1595–1600) er et af de første eksempler på rent stilleben, præcist gengivet og sat i øjenhøjde. Selvom det ikke var åbenlyst symbolsk, var dette maleri ejet af kardinal Federico Borromeo og kan have været værdsat af både religiøse og æstetiske årsager. Jan Bruegel malede også sin store Milano -buket (1606) til kardinalen og hævdede, at han malede den 'fatta tutti del natturel' (lavet alt fra naturen), og han debiterede ekstra for den ekstra indsats. Disse var blandt mange stilleben-malerier i kardinalens samling, foruden hans store samling af nysgerrigheder. Blandt andre italienske stadig liv, Bernardo Strozzi 's The Cook er en 'køkken scene' på den hollandske måde, som både er en detaljeret portræt af en kok og fuglevildt hun forbereder. På en lignende måde kombinerer et af Rembrandts sjældne stilleben-malerier, Lille pige med døde påfugle, et lignende sympatisk kvindeportræt med billeder af vildtfugle.

I det katolske Italien og Spanien var det rene vanitamaleri sjældent, og der var langt færre stilleben-specialister. I Sydeuropa er der mere beskæftigelse af Caravaggios bløde naturalisme og mindre vægt på hyperrealisme i sammenligning med nordeuropæiske stilarter. I Frankrig blev malere af stilleben ( nature morte ) påvirket af både de nordlige og sydlige skoler, lånt fra vanitas -malerierne i Holland og reservearrangementerne i Spanien.

Italiensk galleri

Attende århundrede

Luis Meléndez (1716–1780), Stilleben med æbler, druer, meloner, brød, kande og flaske

Det 18. århundrede fortsatte i høj grad med at forfine formler fra 1600-tallet, og produktionsniveauet faldt. I rokokostil blev blomsterdekoration langt mere almindelig på porcelæn , tapet , tekstiler og udskårne træmøbler, så køberne foretrak, at deres malerier havde figurer til kontrast. En ændring var en ny entusiasme blandt franske malere, der nu udgør en stor andel af de mest bemærkelsesværdige kunstnere, mens englænderne forblev tilfredse med at importere. Jean-Baptiste Chardin malede små og enkle samlinger af mad og genstande i en meget subtil stil, der både byggede på de hollandske guldalderherrer og skulle have stor indflydelse på kompositioner fra det 19. århundrede. Døde vildtpersoner fortsatte med at være populære, især til jagthytter; de fleste specialister malede også levende dyremner. Jean-Baptiste Oudry kombinerede suveræne gengivelser af teksturerne af pels og fjer med enkle baggrunde, ofte glatte hvide af en kalkvasket skabsvæg, der viste dem med fordel.

I det 18. århundrede blev de religiøse og allegoriske konnotationer af stillebensmalerier i mange tilfælde droppet, og køkkenbordsmalerier udviklede sig til beregnede skildringer af varieret farve og form, der viser dagligdags mad. Det franske aristokrati ansatte kunstnere til at udføre malerier af overdådige og ekstravagante stillebenemner, der prydede deres spisebord, også uden deres hollandske forgængeres moralistiske vanitas-budskab. Den rokoko kærlighed påhit førte til en stigning i påskønnelse i Frankrig for trompe-l'oeil (fransk: "narre øjet") maleri. Jean-Baptiste Chardins stillebenmalerier anvender en række forskellige teknikker fra realisme i hollandsk stil til blødere harmonier.

Hovedparten af Anne Vallayer-Coster 's arbejde var afsat til stillebenets sprog, som det var blevet udviklet i løbet af det syttende og attende århundrede. I løbet af disse århundreder blev genren af ​​stilleben placeret lavest på den hierarkiske stige. Vallayer-Coster havde en måde om sine malerier, der resulterede i deres tiltrækningskraft. Det var de "dristige, dekorative linjer i hendes kompositioner, righeden af ​​hendes farver og simulerede teksturer og illusionismens præstationer, hun opnåede ved at skildre en lang række forskellige objekter, både naturlige og kunstige", der vakte opmærksomhed fra Royal Académie og de mange samlere, der købte hendes malerier. Dette samspil mellem kunst og natur var ret almindeligt i hollandske , flamske og franske stilleben. Hendes arbejde afslører den klare indflydelse fra Jean-Baptiste-Siméon Chardin , såvel som hollandske mestre fra 1600-tallet, hvis arbejde har været langt mere værdsat, men det der fik Vallayer-Costers stil til at skille sig ud mod de andre stilleben-malere var hendes unik måde at samle repræsentativ illusionisme med dekorative kompositionelle strukturer.

Slutningen af ​​det attende århundrede og faldet af det franske monarki lukkede dørene til Vallayer-Costers stilleben 'æra' og åbnede dem for hendes nye blomsterstil. Det er blevet hævdet, at dette var højdepunktet i hendes karriere, og det hun er bedst kendt for. Det er imidlertid også blevet argumenteret for, at blomstermalerierne var forgæves for hendes karriere. Ikke desto mindre indeholdt denne samling blomsterundersøgelser i olie, akvarel og gouache .

Nittende århundrede

Vincent van Gogh (1853–1890), Solsikker eller vase med femten solsikker (1888), National Gallery (London)
Mound af smør ved Antoine Vollon , 1875-1885

Med fremkomsten af ​​de europæiske akademier, især Académie française, der spillede en central rolle i akademisk kunst , begyndte stilleben at falde fra gunst. Akademierne underviste i doktrinen om " genrerhierarkiet " (eller "Hierarchy of Subject Matter"), der mente, at et maleris kunstneriske fortjeneste primært var baseret på dets emne. I det akademiske system bestod den højeste form for maleri af billeder af historisk , bibelsk eller mytologisk betydning, med stadig-stille emner henvist til den allerlaveste rækkefølge af kunstnerisk anerkendelse. I stedet for at bruge stilleben til at forherlige naturen , valgte nogle kunstnere, såsom John Constable og Camille Corot , landskaber for at tjene dette formål.

Da nyklassicismen begyndte at falde i 1830'erne, blev genre- og portrætmaleri fokus for de realistiske og romantiske kunstneriske revolutioner. Mange af de store kunstnere i den periode inkluderede stilleben i deres værk. Stilleben-malerierne af Francisco Goya , Gustave Courbet og Eugène Delacroix formidler en stærk følelsesmæssig strøm og er mindre bekymrede over præcision og mere interesseret i humør. Selvom Édouard Manets still-life-malerier er mønstrede på de tidligere stillebenemner i Chardin , er de stærkt tonale og klart på vej mod impressionisme. Henri Fantin-Latour var ved hjælp af en mere traditionel teknik berømt for sine udsøgte blomstermalerier og levede næsten udelukkende af at male stilleben for samlere.

Det var imidlertid ikke før det sidste fald i det akademiske hierarki i Europa og fremkomsten af ​​de impressionistiske og postimpressionistiske malere, at teknik og farveharmoni sejrede over emnet, og at stilleben igen blev ivrigt praktiseret af kunstnere. I sit tidlige stilleben viser Claude Monet indflydelsen fra Fantin-Latour, men er en af ​​de første til at bryde traditionen med den mørke baggrund, som Pierre-Auguste Renoir også kasserer i Stilleben med buket og blæser (1871), med dens lyse orange baggrund. Med det impressionistiske stilleben er allegorisk og mytologisk indhold helt fraværende, ligesom omhyggeligt detaljeret penselarbejde. Impressionister fokuserede i stedet på eksperimentering i brede, duppende penselstrøg, tonale værdier og farveplacering. Impressionisterne og postimpressionisterne blev inspireret af naturens farveskemaer, men genfortolkede naturen med deres egne farveharmonier, som nogle gange viste sig overraskende unaturlig. Som Gauguin sagde: "Farver har deres egne betydninger." Variationer i perspektiv afprøves også, f.eks. Ved at bruge stramt beskæring og høje vinkler, som med frugt vist på et stativ af Gustave Caillebotte , et maleri, der dengang blev hånet som en "frugtvisning i fugleperspektiv".

Vincent van Goghs "Solsikker" -malerier er nogle af de mest kendte stilleben-malerier fra det 19. århundrede. Van Gogh bruger mest toner af gul og ret flad gengivelse til at give et mindeværdigt bidrag til stillebenets historie. Hans stilleben med tegnebræt (1889) er et selvportræt i stilleben, hvor Van Gogh skildrer mange ting i hans personlige liv, herunder hans pibe, enkel mad (løg), en inspirerende bog og et brev fra hans bror, alt sammen lagt på sit bord, uden sit eget billede til stede. Han malede også sin egen version af et vanitas -maleri Stilleben med åben bibel, stearinlys og bog (1885).

I USA under revolutionstiden anvendte amerikanske kunstnere, der blev uddannet i udlandet, europæiske stilarter til amerikansk portrætmaleri og stilleben. Charles Willson Peale grundlagde en familie af fremtrædende amerikanske malere, og som stor leder i det amerikanske kunstsamfund grundlagde han også et samfund til uddannelse af kunstnere samt et berømt museum for naturlige nysgerrigheder. Hans søn Raphaelle Peale var en af ​​en gruppe af tidlige amerikanske stillebenskunstnere, som også omfattede John F. Francis , Charles Bird King og John Johnston. I anden halvdel af 1800 -tallet introducerede Martin Johnson Heade den amerikanske version af habitat- eller biotopbilledet, som placerede blomster og fugle i simulerede udendørs miljøer. De amerikanske trompe-l'œil- malerier blomstrede også i denne periode, skabt af John Haberle , William Michael Harnett og John Frederick Peto . Peto specialiserede sig i det nostalgiske vægstativmaleri, mens Harnett opnåede det højeste niveau af hyperrealisme i sine billedlige fejringer af det amerikanske liv gennem velkendte genstande.

Nittende århundredes malerier

Tyvende århundrede

Henri Matisse , Stilleben med pelargoner (1910), Pinakothek der Moderne , München, Tyskland
Jean Metzinger , Frugt og en kande på et bord (1916), olie og sand på lærred, 115,9 x 81 cm, Museum of Fine Arts, Boston

De første fire årtier af det 20. århundrede dannede en ekstraordinær periode med kunstnerisk gæring og revolution. Avantgarde-bevægelser udviklede sig hurtigt og overlappede i en march mod ikke-figurativ, total abstraktion. Stilleben, såvel som anden repræsentationskunst, fortsatte med at udvikle sig og tilpasse sig indtil midten af ​​århundredet, da total abstraktion, som eksemplificeret ved Jackson Pollocks dryppemalerier, eliminerede alt genkendeligt indhold.

Århundredet begyndte med flere tendenser, der tog fat i kunsten. I 1901 malede Paul Gauguin Stilleben med solsikker , hans hyldest til sin ven Van Gogh, der var død elleve år tidligere. Gruppen kendt som Les Nabis , herunder Pierre Bonnard og Édouard Vuillard , tog Gauguins harmoniske teorier op og tilføjede elementer inspireret af japanske træsnit til deres stilleben-malerier. Den franske kunstner Odilon Redon malede også bemærkelsesværdigt stilleben i denne periode, især blomster.

Henri Matisse reducerede gengivelsen af ​​stillebensobjekter endnu mere til lidt mere end fede, flade konturer fyldt med lyse farver. Han forenklede også perspektiv og introducerede baggrunde i flere farver. I nogle af hans stilleben-malerier, såsom Stilleben med auberginer , er hans bord med objekter næsten tabt midt i de andre farverige mønstre, der fylder resten af ​​rummet. Andre eksponenter for Fauvisme , såsom Maurice de Vlaminck og André Derain , udforskede yderligere ren farve og abstraktion i deres stilleben.

Paul Cézanne fandt i stilleben det perfekte redskab til sine revolutionære udforskninger i geometrisk rumlig organisation. For Cézanne var stilleben et primært middel til at tage maleri fra en illustrativ eller mimetisk funktion til en, der uafhængigt demonstrerer elementerne farve, form og linje, et stort skridt i retning af abstrakt kunst . Derudover kan Cézannes eksperimenter ses som at føre direkte til udviklingen af kubistisk stilleben i begyndelsen af ​​det 20. århundrede.

Tilpasning Cézannes flytning af fly og økser, kubisterne dæmpet farvepalet af Fauves og fokuseret i stedet på at dekonstruere genstande i rene geometriske former og fly. Mellem 1910 og 1920 malede kubistiske kunstnere som Pablo Picasso , Georges Braque og Juan Gris mange stillebenskompositioner, ofte inklusive musikinstrumenter, hvilket bragte stilleben til spidsen for kunstnerisk innovation, næsten for første gang. Stilleben var også genstand for de første syntetiske kubistiske collageværker , f.eks. Picassos ovale "Stilleben med stolekande" (1912). I disse værker overlapper stilleben-objekter og blander sig knap nok vedligeholder identificerbare todimensionelle former, mister individuel overfladestruktur og smelter sammen i baggrunden-når mål næsten modsat dem i traditionelt stilleben. Fernand Légers stilleben introducerede brugen af ​​rigeligt hvidt rum og farvede, skarpt definerede, overlappende geometriske former for at frembringe en mere mekanisk effekt.

At afvise udfladning af rummet af kubister, Marcel Duchamp og andre medlemmer af Dada- bevægelsen gik i en radikalt anden retning og skabte 3-D "færdige" stillebenskulpturer. Som et led i genoprettelsen af ​​en symbolsk betydning for stilleben, placerede futuristerne og surrealisterne genkendelige stilleben-objekter i deres drømmebilleder. I Joan Mirós stillebenmalerier fremstår objekter vægtløse og flyder i let foreslået todimensionelt rum, og endda bjerge tegnes som enkle linjer. I Italien i løbet af denne tid var Giorgio Morandi den fremmeste stilleben-maler, der udforskede en lang række tilgange til at skildre hverdagsflasker og køkkenredskaber. Den hollandske kunstner MC Escher , bedst kendt for sin detaljerede, men tvetydige grafik, skabte Still life and Street (1937), hans opdaterede version af det traditionelle hollandske bordstilleben. I England brugte Eliot Hodgkin tempera til sine meget detaljerede stilleben-malerier.

Da amerikanske kunstnere fra det 20. århundrede blev opmærksomme på europæisk modernisme , begyndte de at fortolke stillebenemner med en kombination af amerikansk realisme og kubistisk afledt abstraktion. Typisk for de amerikanske stillebenværker i denne periode er malerierne af Georgia O'Keeffe , Stuart Davis og Marsden Hartley og fotografierne af Edward Weston . O'Keeffes blomstermalerier med ultra-nærbillede afslører både den fysiske struktur og den følelsesmæssige undertekst af kronblade og blade på en hidtil uset måde.

I Mexico skabte Frida Kahlo og andre kunstnere fra 1930'erne deres eget surrealisme-mærke med indfødte fødevarer og kulturmotiver i deres stilleben-malerier.

Fra 1930'erne reducerede den abstrakte ekspressionisme stilleben kraftigt til rå skildringer af form og farve, indtil den samlede abstraktion i 1950'erne dominerede kunstverdenen. Men popkunst i 1960'erne og 1970'erne vendt udviklingen og skabt en ny form for stadig liv. Meget popkunst (f.eks. Andy Warhols "Campbells suppe dåser") er baseret på stilleben, men dens sande emne er oftest det handelsvarebillede af det repræsenterede kommercielle produkt frem for selve det fysiske stilleben. Roy Lichtenstein 's Still Life med Goldfish Bowl (1972) kombinerer de rene farver Matisse med pop ikonografi af Warhol. Wayne Thiebaud 's frokost tabel (1964) skildrer ikke en enkelt families frokost, men et samlebånd af standardiserede amerikanske fødevarer.

Neo-dada-bevægelsen, herunder Jasper Johns , vendte tilbage til Duchamps tredimensionelle repræsentation af dagligdags husholdningsgenstande for at skabe deres eget mærke af stilleben, som i Johns ' Painted Bronze (1960) og Fool's House (1962). Avigdor Arikha , der begyndte som abstraktionist , integrerede Piet Mondrians lektioner i hans stilleben som i hans andre værker; mens han genoprettede forbindelse til gamle mestertraditioner, opnåede han en modernistisk formalisme , der arbejdede i en session og i naturligt lys, hvorigennem emnet ofte dukkede op i et overraskende perspektiv.

Et betydeligt bidrag til udviklingen af ​​stilleben-maleri i det 20. århundrede blev ydet af russiske kunstnere, blandt dem Sergei Ocipov , Victor Teterin , Evgenia Antipova , Gevork Kotiantz , Sergei Zakharov , Taisia ​​Afonina , Maya Kopitseva og andre.

I modsætning hertil bekræftede fremkomsten af fotorealisme i 1970'erne illusionistisk repræsentation, mens den bevarede noget af Pops budskab om sammensmeltning af objekt, billede og kommercielt produkt. Typisk i denne henseende er malerierne af Don Eddy og Ralph Goings .

Malerier fra det tyvende århundrede

21. århundrede

Et fuldstændigt syntetisk, computergeneret stilleben, 2006 (af Gilles Tran )

I løbet af det 20. og 21. århundrede er forestillingen om stilleben blevet udvidet ud over de traditionelle todimensionelle kunstformer til at male til videokunst og tredimensionelle kunstformer som skulptur, performance og installation. Nogle still-life-værker i blandede medier anvender fundne objekter, fotografering, video og lyd og spilder endda ud fra loft til gulv og fylder et helt rum i et galleri. Gennem video har stilleben-kunstnere indarbejdet seeren i deres arbejde. Efter computertiden med computerkunst og digital kunst har forestillingen om stilleben også omfattet digital teknologi. Computergenereret grafik har potentielt øget de teknikker, der er tilgængelige for kunstnere fra stilleben. 3D -computergrafik og 2D -computergrafik med fotorealistiske 3D -effekter bruges til at generere syntetiske stilleben -billeder. Eksempelvis indeholder grafisk software filtre, der kan anvendes på 2D -vektorgrafik eller 2D -rastergrafik på gennemsigtige lag. Billedkunstnere har kopieret eller visualiseret 3D -effekter for manuelt at gengive fotorealistiske effekter uden brug af filtre.

Se også

Noter

Referencer

  • Berman, Greta. "Fokus på kunst". The Juilliard Journal Online 18: 6 (marts 2003)
  • Ebert-Schifferer, Sybille. Still Life: A History , Harry N. Abrams, New York, 1998, ISBN  0-8109-4190-2
  • Langmuir, Erica, Still Life , 2001, National Gallery (London), ISBN  1857099613
  • Michel, Marianne Roland. "Tapisserier på designs af Anne Vallayer-Coster." The Burlington Magazine 102: 692 (november 1960): i – ii
  • Slive, Seymour, hollandsk maleri, 1600–1800 , Yale University Press, 1995, ISBN  0-300-07451-4
  • Vlieghe, Hans (1998). Flamsk kunst og arkitektur, 1585–1700 . Yale University Press Pelikan kunsthistorie. New Haven: Yale University Press. ISBN  0-300-07038-1

eksterne links