Teater - Theatre

Sarah Bernhardt som Hamlet , i 1899

Teater eller teater er en samarbejdsform for scenekunst, der bruger levende kunstnere, normalt skuespillere eller skuespillerinder , til at præsentere oplevelsen af ​​en reel eller forestillet begivenhed for et levende publikum på et bestemt sted, ofte en scene. Kunstnerne kan kommunikere denne oplevelse til publikum gennem kombinationer af gestus , tale, sang, musik og dans . Kunstelementer, såsom malet natur og scenekunst som belysning , bruges til at forbedre oplevelsens fysiske, tilstedeværelse og umiddelbare nærhed. Det specifikke sted for forestillingen er også navngivet med ordet "teater", som stammer fra det antikke græske θέατρον (théatron, "et sted for visning"), selv fra θεάομαι (theáomai, "at se", "at se", " at observere").

Moderne vestlig teater kommer i vid udstrækning fra teatret i det antikke Grækenland , hvorfra det låner teknisk terminologi, klassificering i genrer og mange af dets temaer , aktiekarakterer og plotelementer. Teater kunstner Patrice Pavis definerer teatralske, teatralsk sprog , scene skrivning og specificitet af teatret som synonyme udtryk, der differentierer teater fra de andre scenekunst , litteratur og kunst i almindelighed.

Moderne teater omfatter forestillinger af skuespil og musikteater . Kunstformerne ballet og opera er også teater og bruger mange konventioner som skuespil , kostumer og iscenesættelse. De var indflydelsesrige for udviklingen af musikteater ; se disse artikler for mere information.

Teaterhistorie

Klassisk og hellenistisk Grækenland

Græsk teater i Taormina , Sicilien , Italien
En skildring af skuespillere, der spiller rollerne som en mester (højre) og hans slave (til venstre) i et græsk phlyax -stykke , omkring 350/340 fvt.

Den bystat af Athen er der, hvor vestlige teater stammer fra. Det var en del af en bredere kultur af teatralitet og performance i det klassiske Grækenland, der omfattede festivaler , religiøse ritualer , politik , jura , atletik og gymnastik, musik , poesi , bryllupper, begravelser og symposier .

Deltagelse i bystatens mange festivaler-og obligatorisk fremmøde i City Dionysia som publikummer (eller endda som deltager i teaterproduktionerne) især-var en vigtig del af medborgerskabet . Borgerdeltagelse involverede også evalueringen af retorikken for talere, der fremgår af forestillinger i lovretten eller den politiske forsamling , som begge blev forstået som analoge med teatret og i stigende grad kom til at absorbere dets dramatiske ordforråd. Grækerne udviklede også begreberne dramatisk kritik og teaterarkitektur. Skuespillere var enten amatører eller i bedste fald semi-professionelle. Det teater i oldtidens Grækenland bestod af tre typer af drama : tragedie , komedie , og den Satyrspillet .

Teaterets oprindelse i det antikke Grækenland, ifølge Aristoteles (384–322 fvt), teaterets første teoretiker, findes på de festivaler, der hædrede Dionysos. Forestillingerne blev givet i halvcirkelformede auditorier skåret i bakker, der kunne rumme 10.000–20.000 mennesker. Scenen bestod af et dansegulv (orkester), omklædningsrum og sceneopbygningsområde (skene). Da ordene var den vigtigste del, var god akustik og klar levering i højsædet. Skuespillerne (altid mænd) bar masker, der passede til de karakterer, de repræsenterede, og hver kunne spille flere dele.

Athensk tragedie -den ældste form for tragedie, der overlevede -er en type dans -drama, der udgjorde en vigtig del af bystatens teaterkultur. Efter at være dukket op engang i løbet af det 6. århundrede fvt., Blomstrede den i løbet af det 5. århundrede fvt (fra slutningen af ​​hvilken den begyndte at sprede sig i den græske verden) og fortsatte med at være populær indtil begyndelsen af ​​den hellenistiske periode .

Ingen tragedier fra det 6. århundrede fvt og kun 32 af de mere end tusind, der blev udført i løbet af det 5. århundrede fvt, har overlevet. Vi har komplette tekster bevarede af Aischylos , Sofokles og Euripides . Oprindelsen af tragedien forbliver uklar, selvom ved det 5. århundrede fvt blev institutionaliseret i konkurrencer ( agon ) indgår festligheder fejrer Dionysus (den gud af vin og fertilitet ). Som deltagere i City Dionysias konkurrence (den mest prestigefyldte af festivalerne til at opføre drama) blev dramatikere forpligtet til at præsentere en tetralogi af skuespil (selvom de enkelte værker ikke nødvendigvis var forbundet med historie eller tema), som normalt bestod af tre tragedier og en satyrspil. Udførelsen af ​​tragedier i City Dionysia kan være begyndt allerede i 534 fvt. officielle optegnelser ( didaskaliai ) begynder fra 501 fvt, da satyrspillet blev introduceret.

De fleste athenske tragedier dramatiserer begivenheder fra græsk mytologi , selvom perserne - som iscenesætter det persiske svar på nyheder om deres militære nederlag i slaget ved Salamis i 480 fvt - er den bemærkelsesværdige undtagelse i det overlevende drama. Da Aeschylos vandt førstepræmien for den i City Dionysia i 472 fvt, havde han skrevet tragedier i mere end 25 år, men alligevel er dens tragiske behandling af nyere historie det tidligste eksempel på drama, der overlevede. Mere end 130 år senere analyserede filosofen Aristoteles den athenske tragedie fra det 5. århundrede i den ældste overlevende dramatiske teori- hans poetik (ca. 335 fvt).

Den athenske komedie er traditionelt opdelt i tre perioder, "Old Comedy", "Middle Comedy" og "New Comedy". Old Comedy overlever i dag stort set i form af de elleve overlevende skuespil af Aristofanes , mens Middle Comedy stort set går tabt (kun bevaret i relativt korte fragmenter hos forfattere som Athenaeus af Naucratis ). Ny komedie kendes primært fra de betydelige papyrusfragmenter fra Menander . Aristoteles definerede komedie som en repræsentation af latterlige mennesker, der indebærer en form for fejl eller grimhed, der ikke forårsager smerte eller katastrofe.

Udover kategorierne komedie og tragedie i City Dionysia omfattede festivalen også Satyr Play . Efter at have fundet sin oprindelse i landdistrikterne, landbrugsritualer dedikeret til Dionysos, fandt satyrspillet til sidst vej til Athen i sin mest kendte form. Satyrs selv var knyttet til guden Dionysos som hans loyale skovkammerater, der ofte deltog i beruset fest og ulykke ved hans side. Selve satyrspillet blev klassificeret som tragikomedi, der tog fejl på siden af ​​de mere moderne burleske traditioner i begyndelsen af ​​det tyvende århundrede. Skuespillernes plotlinjer var typisk optaget af gudenes panteon og deres engagement i menneskelige anliggender, bakket op af satyrernes kor . Ifølge Webster udførte satyraktører imidlertid ikke altid typiske satyrhandlinger og ville bryde fra de skuespiltraditioner, der blev tildelt karaktertypen af ​​et mytisk skovdyr.

Romersk teater

Mosaik, der skildrer maskerede skuespillere i et teaterstykke: to kvinder konsulterer en "heks"

Vestlig teater udviklede og udvidede betydeligt under romerne . Den romerske historiker Livy skrev, at romerne første gang oplevede teater i det 4. århundrede fvt, med en forestilling af etruskiske skuespillere. Beacham hævder, at de havde været bekendt med "præ-teatralsk praksis" i nogen tid før den registrerede kontakt. Det teater i det gamle Rom var en blomstrende og mangfoldigt kunstform, der spænder fra festivalens forestillinger af gadeteater , nøgen dans og akrobatik , at iscenesættelsen af Plautus 's bredt appellerende situationen komedier , til høj-stil , verbalt kunstfærdige tragedier af Seneca . Selvom Rom havde en indfødt tradition for performance, havde helleniseringen af romersk kultur i det 3. århundrede fvt en dybtgående og energigivende effekt på romersk teater og tilskyndede udviklingen af latinsk litteratur af højeste kvalitet til scenen. De eneste overlevende skuespil fra Romerriget er ti dramaer, der tilskrives Lucius Annaeus Seneca (4 f.Kr.-65 e.Kr.), den Corduba-fødte stoiske filosof og underviser i Nero.

Indisk teater

Koothu er en gammel form for scenekunst, der stammer fra det tidlige Tamilakam .

De tidligste overlevende fragmenter af sanskritdrama stammer fra det 1. århundrede e.Kr. Rigdom af arkæologiske beviser fra tidligere perioder giver ingen indikation af eksistensen af ​​en tradition for teater. De gamle vedaer ( salmer fra mellem 1500 og 1000 fvt, der er blandt de tidligste eksempler på litteratur i verden) indeholder ingen antydning af det (selvom et lille antal er sammensat i en form for dialog ), og ritualerne i den vediske periode gør det ikke synes at have udviklet sig til teater. Den Mahābhāṣya af Patañjali indeholder den tidligste henvisning til, hvad der kan have været kimen til sanskrit drama. Denne afhandling om grammatik fra 140 fvt giver en mulig dato for begyndelsen af teater i Indien .

Den største beviskilde for sanskrit -teater er A Treatise on Theatre ( Nātyaśāstra ), et kompendium, hvis sammensætningsdato er usikker (estimater spænder fra 200 fvt til 200 e.Kr.), og hvis forfatterskab tilskrives Bharata Muni . Den Afhandling er den mest komplette værk af dramaturgi i den antikke verden. Det omhandler skuespil , dans , musik , dramatisk konstruktion , arkitektur , kostume , make-up , rekvisitter , organisering af virksomheder, publikum, konkurrencer og giver en mytologisk redegørelse for teaterets oprindelse. Derved giver det indikationer om arten af ​​de faktiske teaterpraksis. Sanskrit teater blev fremført på hellig grund af præster, der var blevet trænet i de nødvendige færdigheder (dans, musik og recitation) i en [arvelig proces]. Formålet var både at uddanne og underholde.

Performer spiller Sugriva i Koodiyattam -formen af sanskritteater

Under protektion af kongelige domstole tilhørte kunstnere professionelle virksomheder, der blev ledet af en sceneleder ( sutradhara ), som muligvis også har handlet. Denne opgave blev anset for at være analog med en dukkefører - den bogstavelige betydning af " sutradhara " er "indehaver af strengene eller trådene". Kunstnerne blev trænet grundigt i vokal og fysisk teknik. Der var ingen forbud mod kvindelige kunstnere; virksomheder var alle-mænd, alle-kvinder og af blandet køn. Visse følelser blev imidlertid anset for upassende for mænd at vedtage og blev anset for bedre egnet til kvinder. Nogle kunstnere spillede karakterer på deres egen alder, mens andre spillede aldre, der var forskellige fra deres egne (uanset om de var yngre eller ældre). Af alle teaterelementerne giver afhandlingen størst opmærksomhed på skuespil ( abhinaya ), der består af to stilarter: realistisk ( lokadharmi ) og konventionel ( natyadharmi ), selvom hovedfokus er på sidstnævnte.

Dets drama betragtes som den højeste præstation i sanskritlitteratur . Det udnyttede stock tegn , såsom helten ( nayaka ), heltinde ( nayika ) eller klovn ( vidusaka ). Skuespillere kan have specialiseret sig i en bestemt type. Kālidāsa i det første århundrede fvt anses uden tvivl for at være det gamle Indiens største sanskritdramatiker. Tre berømte romantiske skuespil skrevet af Kālidāsa er Mālavikāgnimitram ( Mālavikā og Agnimitra ), Vikramuurvashiiya ( vedrørende Vikrama og Urvashi ) og Abhijñānaśākuntala ( anerkendelsen af ​​Shakuntala ). Den sidste var inspireret af en historie i Mahabharata og er den mest berømte. Det var den første, der blev oversat til engelsk og tysk . Śakuntalā (i engelsk oversættelse) påvirkede Goethes Faust (1808–1832).

Den næste store indiske dramatiker var Bhavabhuti (ca. 7. århundrede e.Kr.). Han siges at have skrevet følgende tre skuespil: Malati-Madhava , Mahaviracharita og Uttar Ramacharita . Blandt disse tre dækker de to sidste mellem dem hele Ramayanas epos . Den magtfulde indiske kejser Harsha (606–648) krediteres for at have skrevet tre skuespil: komedien Ratnavali , Priyadarsika og det buddhistiske drama Nagananda .

Kinesisk teater

Offentlig forestilling i Jade Dragon Snow Mountain Open Air Theatre

Den Tang-dynastiet er også kendt som "The Age of 1000 Entertainments". I løbet af denne æra dannede Ming Huang en skuespillerskole kendt som The Pear Garden for at producere en form for drama, der primært var musikalsk. Det er derfor, skuespillere almindeligvis kaldes "Børn i pærehaven". Under kejserinde Lings dynasti opstod skygge -dukketeater først som en anerkendt form for teater i Kina. Der var to forskellige former for skygge -dukketeater, pekingese (nordlig) og kantonesisk (sydlig). De to stilarter blev differentieret ved metoden til fremstilling af dukkerne og placeringen af ​​stængerne på dukkerne , i modsætning til den type leg, dukkerne udførte. Begge stilarter fremførte generelt skuespil, der skildrede store eventyr og fantasi, sjældent blev denne meget stiliserede teaterform brugt til politisk propaganda.

Kantonesiske skyggedukker var den største af de to. De blev bygget i tykt læder, hvilket skabte mere betydelige skygger. Symbolsk farve var også meget udbredt; et sort ansigt repræsenterede ærlighed, et rødt mod. Stængerne, der blev brugt til at kontrollere kantonesiske dukker, blev fastgjort vinkelret på dukkernes hoveder. Således blev de ikke set af publikum, da skyggen blev skabt. Pekingese dukker var mere sarte og mindre. De blev skabt af tyndt, gennemskinneligt læder (normalt taget fra et æseles mave). De blev malet med levende maling, og derfor kastede de en meget farverig skygge. De tynde stænger, der kontrollerede deres bevægelser, blev fastgjort til en læderkrave ved dukkens hals. Stængerne løb parallelt med dukkens kroppe og drejede derefter i en 90 graders vinkel for at forbinde til nakken. Mens disse stænger var synlige, da skyggen blev kastet, lagde de sig uden for dukkens skygge; således forstyrrede de ikke figurens udseende. Stængerne fastgjort ved halsen for at lette brugen af ​​flere hoveder med en krop. Når hovederne ikke blev brugt, blev de opbevaret i en muslinbog eller stofforet æske. Hovederne blev altid fjernet om natten. Dette var i overensstemmelse med den gamle overtro om, at dukkerne ville blive levende om natten, hvis de blev intakte. Nogle dukkespillere gik så langt som at gemme hovederne i en bog og ligene i en anden for yderligere at reducere muligheden for at genopdrive dukker. Shadow puppetry siges at have nået sit højeste punkt for kunstnerisk udvikling i det ellevte århundrede, før det blev et redskab for regeringen.

I Song -dynastiet var der mange populære teaterstykker, der involverede akrobatik og musik. Disse udviklede sig i Yuan-dynastiet til en mere sofistikeret form kendt som zaju , med en fire- eller fem- aktet struktur. Yuan -drama spredte sig over Kina og diversificerede sig til talrige regionale former, hvoraf en af ​​de mest kendte er Peking Opera, som stadig er populær i dag.

Xiangsheng er en bestemt traditionel kinesisk komisk forestilling i form af monolog eller dialog.

Indonesisk teater

Rama og Shinta i Wayang Wong ydeevne nær Prambanan tempel kompleks

I Indonesien er teaterforestillinger blevet en vigtig del af den lokale kultur, teaterforestillinger i Indonesien er blevet udviklet i tusinder af år. De fleste af Indonesiens ældste teaterformer er knyttet direkte til lokale litterære traditioner (mundtlige og skriftlige). De fremtrædende dukketeatre - wayang golek (træstang-dukkespil) fra sundaneserne og wayang kulit (skygge-dukketeater i læder) fra javaneserne og balineserne- trak meget af deres repertoire fra indfødte versioner af Ramayana og Mahabharata . Disse fortællinger giver også kildemateriale til wayang wong (menneskeligt teater) i Java og Bali , som bruger skuespillere. Nogle wayang golek -forestillinger præsenterer imidlertid også muslimske historier, kaldet menak . Wayang er en gammel form for historiefortælling, der er kendt for sin udførlige marionet/menneskelige og komplekse musikalske stilarter. Det tidligste bevis er fra slutningen af ​​det første årtusinde i tekster fra middelalderen og arkæologiske steder. Den ældste kendte rekord, der vedrører wayang, er fra det 9. århundrede. Omkring 840 e.Kr. nævner en gammel javansk (Kawi) indskrift kaldet Jaha Inscriptions udstedt af Maharaja Sri Lokapalaform Medang Kingdom i Central Java tre slags kunstnere: atapukan, aringgit og abanol. Aringgit betyder Wayang dukketeater, Atapukan betyder Maske danseshow, og abanwal betyder joke art. Ringgit beskrives i et javansk digt fra det 11. århundrede som en skyggefigur.

Postklassisk teater i Vesten

Teater antog mange alternative former i Vesten mellem det 15. og 19. århundrede, herunder commedia dell'arte og melodrama . Den generelle tendens var væk fra grækernes og renæssancens poetiske drama og mod en mere naturalistisk prosastil, især efter den industrielle revolution .

Theatre Royal, Drury Lane i West End . Det blev åbnet i maj 1663 og er det ældste teater i London.

Teatret tog en stor pause i løbet af 1642 og 1660 i England på grund af den puritanske interregnum. Puritanerne betragtede teater som noget syndigt og beordrede lukning af Londons teatre i 1642 . Denne stillestående periode sluttede, da Karl II kom tilbage til tronen i 1660 i restaureringen . Teater (blandt andre kunstarter) eksploderede med indflydelse fra fransk kultur, siden Charles var blevet forvist i Frankrig i årene forud for hans regeringstid.

I 1660 fik to kompagnier licens til at optræde, hertugens kompagni og kongens kompagni . Forestillinger blev afholdt i ombyggede bygninger, såsom Lisles Tennisbane . Det første West End -teater , kendt som Theatre Royal i Covent Garden , London, blev designet af Thomas Killigrew og bygget på stedet for det nuværende Theatre Royal, Drury Lane .

En af de store ændringer var det nye teaterhus. I stedet for typen af ​​den elisabethanske æra, som f.eks. Globe Theatre , uden at skuespillerne virkelig kunne forberede sig på den næste akt og uden "teatermanerer", blev teaterhuset forvandlet til et sted med forfining, med en scene foran og stadion sidder mod den. Da siddepladser ikke længere var hele vejen rundt om scenen, blev det prioriteret - nogle sæder var naturligvis bedre end andre. Kongen ville have den bedste plads i huset: selve midten af ​​teatret, der fik det bredeste syn på scenen samt den bedste måde at se det synspunkt og forsvindingspunkt, som scenen var bygget op omkring. Philippe Jacques de Loutherbourg var en af tidens mest indflydelsesrige scenografer på grund af hans brug af gulvplads og kulisser.

På grund af uroen før denne tid var der stadig en del kontroverser om, hvad der skulle og ikke skulle sættes på scenen. Jeremy Collier , en prædikant, var et af hovederne i denne bevægelse gennem sit stykke A Short View of the Immorality and Profaneness of the English Stage . Troen på dette papir var hovedsageligt ejet af ikke-teaterbesøgere og resten af ​​puritanerne og meget religiøse på den tid. Hovedspørgsmålet var, om at se noget umoralsk på scenen påvirker adfærd i livet for dem, der ser det, en kontrovers, der stadig spiller ud i dag.

Fakturering for et britisk teater i 1829

Det syttende århundrede havde også introduceret kvinder til scenen, hvilket tidligere blev anset for upassende. Disse kvinder blev betragtet som berømtheder (også et nyere koncept, takket være ideer om individualisme, der opstod i kølvandet på renæssancehumanisme ), men på den anden side var det stadig meget nyt og revolutionerende, at de var på scenen, og nogle sagde de var uformede og så ned på dem. Charles II kunne ikke lide, at unge mænd spillede rollerne som unge kvinder, så han bad om, at kvinder skulle spille deres egne roller. Fordi kvinder fik lov til at stå på scenen, havde dramatikere mere spillerum med plotvendinger, som kvinder, der klædte sig som mænd og havde smalle flugter fra moralsk klæbrige situationer som komediformer.

Komedier var fulde af de unge og meget på mode, hvor historien fulgte deres kærlighedsliv: almindeligvis en ung uhyggelig helt, der bekender sin kærlighed til den kyske og frisindede heltinde ved slutningen af ​​stykket, ligesom Sheridans The School for Scandal . Mange af komedierne blev formet efter den franske tradition, hovedsagelig Molière, der igen haglede tilbage til den franske indflydelse, som kongen og de kongelige bragte tilbage efter deres eksil. Molière var en af ​​tidens bedste komiske dramatikere og revolutionerede den måde, komedie blev skrevet og fremført ved at kombinere italiensk commedia dell'arte og neoklassisk fransk komedie til at skabe nogle af de længstvarende og mest indflydelsesrige satiriske komedier. Tragedier sejrede ligeledes i deres følelse af at rette op på politisk magt, især gribende på grund af den nylige restaurering af kronen. De var også efterligninger af fransk tragedie, selvom franskmændene havde en større sondring mellem komedie og tragedie, hvorimod englænderne af og til slog stregerne og satte nogle komiske dele i deres tragedier. Almindelige former for ikke-komiske skuespil var sentimentale komedier samt noget, der senere ville blive kaldt tragédie bourgeoise eller hjemlig tragedie-det vil sige tragedien i det almindelige liv-var mere populær i England, fordi de appellerede mere til engelske følelser.

Mens teatergrupper tidligere ofte var på rejse, fik ideen om nationalteatret støtte i 1700 -tallet, inspireret af Ludvig Holberg . Den største promotor for ideen om nationalteatret i Tyskland og også for Sturm und Drang -digterne var Abel Seyler , ejeren af Hamburgische Entreprise og Seyler Theatre Company .

Vanemuine Theatrets "lille hus" fra 1918 i Tartu , Estland .

Gennem det 19. århundrede , de populære teatralske former for romantikken , melodrama , viktoriansk burlesk og vellavet skuespil af Scribe og Sardou gav vej til problemet spiller for naturalismen og realisme ; de farcer af Feydeau ; Wagners operatiske Gesamtkunstwerk ; musikteater (herunder Gilbert og Sullivans operaer); FC Burnands , WS Gilberts og Oscar Wildes komedier i stuen; Symbolik ; proto- Ekspressionisme i de sene værker af August Strindberg og Henrik Ibsen ; og edwardiansk musikalsk komedie .

Disse tendenser fortsatte gennem det 20. århundrede i realismen af Stanislavski og Lee Strasberg , det politiske teater for Erwin Piscator og Bertolt Brecht , det såkaldte Theatre of the Absurd of Samuel Beckett og Eugène Ionesco , amerikanske og britiske musicals, de kollektive kreationer af virksomheder af skuespillere og instruktører som Joan Littlewood 's Theatre Workshop , eksperimenterende og postmoderne teater af Robert Wilson og Robert Lepage , den postkoloniale teater august Wilson eller Tomson Highway , og Augusto Boal ' s de undertryktes teater .

Østlige teatertraditioner

Rakshasa eller dæmonen som afbildet i Yakshagana , en form for musikalsk dans - drama fra Indien

Den første form for indisk teater var sanskrit -teatret . Det begyndte efter udviklingen af ​​det græske og romerske teater og før udviklingen af ​​teatret i andre dele af Asien. Det opstod engang mellem det 2. århundrede fvt og det første århundrede og blomstrede mellem det 1. århundrede og det 10., hvilket var en periode med relativ fred i Indiens historie, hvor hundredvis af skuespil blev skrevet. Japanske former for Kabuki , og Kyōgen udviklede sig i det 17. århundrede CE. Teater i den middelalderlige islamiske verden omfattede dukketeater (som omfattede hånddukker, skyggespil og marionetproduktioner ) og levende passionstykker kendt som ta'ziya , hvor skuespillere genopfører episoder fra muslimsk historie . Især shiamuslimske skuespil kredsede om shaheed (martyrium) af Alis sønner Hasan ibn Ali og Husayn ibn Ali . Sekulære skuespil blev kendt som akhraja , optaget i middelalderens adab -litteratur, selvom de var mindre almindelige end dukketeater og ta'ziya -teater.


Typer

Drama

Drama er den specifikke tilstand af fiktion repræsenteret i ydeevne . Udtrykket kommer fra et græsk ord, der betyder " handling ", som stammer fra verbet δράω, dráō , "at gøre" eller "at handle". Vedtagelsen af ​​drama i teater, udført af skuespillere på en scene foran et publikum , forudsætter samarbejdende produktionsmåder og en kollektiv form for modtagelse. Den struktur dramatiske tekster , i modsætning til andre former for litteratur , er direkte påvirket af dette samarbejde produktion og kollektive modtagelse. Den tidligt moderne tragedie Hamlet (1601) af Shakespeare og den klassiske athenske tragedie Oedipus Rex (ca. 429 fvt.) Af Sophokles er blandt mesterværkerne i dramakunsten. Et moderne eksempel er Long Day's Journey into Night af Eugene O'Neill (1956).

Betragtet som en genre inden for poesi generelt har den dramatiske tilstand været i kontrast til den episke og den lyriske måde siden Aristoteles ' poetik (ca. 335 fvt) - den tidligste dramatiske teori . Brugen af "drama" i snæver forstand til at betegne en bestemt form af play datoer fra 19. århundrede . Drama i denne forstand refererer til et skuespil, der hverken er en komedie eller en tragedie - for eksempel Zolas Thérèse Raquin (1873) eller Tjekhovs Ivanov (1887). I det antikke Grækenland omfattede ordet drama imidlertid alle teaterstykker, tragiske, komiske eller noget derimellem.

Drama kombineres ofte med musik og dans : dramaet i opera synges generelt igennem; musicals indeholder generelt både talt dialog og sange ; og nogle former for drama har tilfældig musik eller musikalsk akkompagnement, der understreger dialogen ( for eksempel melodrama og japansk ). I visse perioder af historien (den gamle romerske og moderne romantik ) er nogle dramaer blevet skrevet for at blive læst frem for at blive fremført. I improvisation eksisterer dramaet ikke præstationens øjeblik på forhånd; kunstnere udformer et dramatisk manuskript spontant foran et publikum.

Musikteater

Musik og teater har haft et nært forhold siden oldtiden - athensk tragedie var for eksempel en form for dans - drama, der brugte et kor, hvis dele blev sunget (til akkompagnement af en aulos - et instrument, der kan sammenlignes med den moderne klarinet ), ligesom nogle af skuespillernes svar og deres 'solosange' ( monodier ). Moderne musikteater er en teaterform, der også kombinerer musik, talt dialog og dans. Det stammer fra komisk opera (især Gilbert og Sullivan ), variationer , vaudeville og musikhallsgenrer fra slutningen af ​​det 19. og begyndelsen af ​​det 20. århundrede . Efter den edwardianske musikalske komedie, der begyndte i 1890'erne, Princess Theatre -musicals fra begyndelsen af ​​det 20. århundrede og komedier i 1920'erne og 1930'erne (f.eks. Rodgers og Hammersteins værker ), med Oklahoma! (1943), musicals bevægede sig i en mere dramatisk retning. Berømte musicals i de efterfølgende årtier omfattede My Fair Lady (1956), West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1980), Cats (1981), Into the Woods (1986) og The Phantom of the Opera (1986) samt mere nutidige hits, herunder Rent (1994), The Lion King (1997), Wicked (2003), Hamilton (2015) og Frozen (2018) .

Musikteater kan produceres i en intim skala Off-Broadway , i regionale teatre og andre steder, men det inkluderer ofte skuespil. For eksempel indeholder Broadway og West End musicals ofte overdådige kostumer og sæt, der understøttes af budgetter på flere millioner dollars.

Teatermasker af tragedie og komedie. Mosaik, romersk kunst , 2. århundrede e.Kr. Capitolins museer , Rom

Komedie

Teaterproduktioner, der bruger humor som et middel til at fortælle en historie, kvalificerer sig som komedier. Dette kan omfatte en moderne farce som Boeing Boeing eller et klassisk skuespil som As You Like It . Teater, der udtrykker dystre, kontroversielle eller tabubelagte emner på en bevidst humoristisk måde, kaldes sort komedie . Black Comedy kan have flere genrer som slapstick -humor, mørk og sarkastisk komedie.

Tragedie

Tragedie er altså en efterligning af en handling, der er alvorlig, fuldstændig og af en vis størrelse: på sprog udsmykket med hver slags kunstnerisk ornament, de flere slags findes i separate dele af stykket; i handlingsform, ikke som fortælling; gennem medlidenhed og frygt, der bevirker den korrekte udrensning af disse følelser.

Aristoteles 'sætning "der findes flere slags i separate dele af stykket" er en reference til dramaets strukturelle oprindelse. I den blev de talte dele skrevet på attisk dialekt, mens kor (reciteret eller sunget) på den doriske dialekt , afspejler disse uoverensstemmelser den forskellige religiøse oprindelse og poetiske målere for de dele, der blev smeltet sammen til en ny enhed, teaterdramaet .

Tragedie refererer til en specifik tradition for drama, der historisk har spillet en unik og vigtig rolle i selvdefinitionen af ​​den vestlige civilisation . Denne tradition har været mangfoldig og diskontinuerlig, men alligevel har udtrykket ofte været brugt til at påberåbe sig en stærk virkning af kulturel identitet og historisk kontinuitet - " grækerne og elisabethanerne i en kulturel form; hellenere og kristne i en fælles aktivitet" som Raymond Williams udtrykker det. Fra dens uklare oprindelse i teatrene i Athen for 2.500 år siden, hvorfra der kun overlever en brøkdel af Aeschylos , Sophokles og Euripides 'værk , gennem sine entydige artikulationer i Shakespeare , Lope de Vega , Racine og Schillers værker til den nyere naturalistiske tragedie i Strindberg , Becketts modernistiske meditationer over død, tab og lidelse og Müllers postmodernistiske omarbejdninger af den tragiske kanon, har tragedien været et vigtigt sted for kulturelle eksperimenter, forhandlinger, kamp og forandringer. I kølvandet på Aristoteles Poetics (335 fvt) er tragedie blevet brugt til at foretage genreskel , hvad enten det er på poesiens skala generelt (hvor det tragiske skiller sig mod episk og lyrisk ) eller i omfanget af dramaet (hvor tragedien modsættes til komedie ). I den moderne æra er tragedie også blevet defineret mod drama, melodrama , det tragikomiske og episke teater .

Improvisation

Improvisation har været et konsekvent træk ved teater, hvor Commedia dell'arte i det sekstende århundrede blev anerkendt som den første improvisationsform. Populariseret af Nobelprisvinderen Dario Fo og grupper som f.eks. Upright Citizens Brigade improvisationsteater fortsætter med at udvikle sig med mange forskellige strømme og filosofier. Keith Johnstone og Viola Spolin anerkendes som de første lærere i improvisation i moderne tid, hvor Johnstone udforsker improvisation som et alternativ til manuskripteteater og Spolin og hendes efterfølgere udforsker improvisation hovedsageligt som et redskab til at udvikle dramatisk arbejde eller færdigheder eller som en form for situationel komedie. Spolin blev også interesseret i, hvordan processen med at lære improvisation var anvendelig for udviklingen af ​​menneskeligt potentiale. Spolins søn, Paul Sills, populariserede improvisationsteater som en teatralsk kunstform, da han som sin første direktør grundlagde The Second City i Chicago.

Teorier

Landsbyfest med teaterforestilling omkring 1600

Efter at have været en vigtig del af den menneskelige kultur i mere end 2.500 år, har teater udviklet en lang række forskellige teorier og praksis. Nogle er relateret til politiske eller åndelige ideologier, mens andre udelukkende er baseret på "kunstneriske" bekymringer. Nogle processer fokuserer på en historie, nogle på teater som begivenhed, og nogle på teater som katalysator for sociale forandringer. Den klassiske græske filosof Aristoteles er i sin sædvanlige afhandling Poetics (ca. 335 f.Kr.) det tidligste overlevende eksempel, og dets argumenter har påvirket teorier om teater lige siden. Heri giver han en redegørelse for det, han kalder "poesi" (et begreb, der på græsk bogstaveligt betyder "at lave" og i denne sammenhæng omfatter drama - komedie , tragedie og satyrspil - såvel som lyrisk poesi , episk poesi , og dithyramb ). Han undersøger dets "første principper" og identificerer dens genrer og grundelementer; hans analyse af tragedie udgør kernen i diskussionen.

Aristoteles hævder, at tragedien består af seks kvalitative dele, som er (i rækkefølge efter betydning) myter eller "plot", etos eller "karakter", dianoia eller "tanke", leksis eller "diktion", meloer eller "sang" og opsis eller "skue". "Selvom Aristoteles ' poetik er universelt anerkendt i den vestlige kritiske tradition", forklarer Marvin Carlson , "har næsten alle detaljer om hans skelsættende arbejde vakt forskellige meninger." Vigtige teaterudøvere i det 20. århundrede omfatter Konstantin Stanislavski , Vsevolod Meyerhold , Jacques Copeau , Edward Gordon Craig , Bertolt Brecht , Antonin Artaud , Joan Littlewood , Peter Brook , Jerzy Grotowski , Augusto Boal , Eugenio Barba , Dario Fo , Viola Spolin , Keith Johnstone og Robert Wilson (instruktør) .

Stanislavski behandlede teatret som en kunstform, der er autonom fra litteraturen, og hvor dramatikerens bidrag skulle respekteres som kun én af et ensemble af kreative kunstnere. Hans innovative bidrag til moderne skuespilsteori har forblevet kernen i den almindelige vestlige præstationstræning i store dele af det sidste århundrede. At mange af forskrifterne i hans system for skuespilleruddannelse synes at være sund fornuft og indlysende, vidner om dens hegemoniske succes. Skuespillere anvender ofte hans grundlæggende koncepter uden at vide, at de gør det. Takket være dets forfremmelse og udarbejdelse af skuespillerlærere, der var tidligere studerende og de mange oversættelser af hans teoretiske skrifter, opnåede Stanislavskis 'system' en hidtil uset evne til at krydse kulturelle grænser og udviklede en international rækkevidde, der dominerede debatter om skuespil i Europa og USA . Mange aktører sidestiller rutinemæssigt sit 'system' med den nordamerikanske metode , selvom sidstnævntes udelukkende psykologiske teknikker står i skarp kontrast til Stanislavskis multivariante, holistiske og psykofysiske tilgang, der udforsker karakter og handling både indefra og ud og udefra og behandler skuespillerens sind og krop som dele af et kontinuum.

Tekniske aspekter

En teaterscene -bygning på bagsiden af Wiener Staatsopera

Teater forudsætter samarbejdsmæssige produktionsmåder og en kollektiv form for modtagelse. Den struktur dramatiske tekster , i modsætning til andre former for litteratur , er direkte påvirket af dette samarbejde produktion og kollektive modtagelse. Produktionen af skuespil regel indebærer bidrag fra en dramatiker , instruktør , en støbt af skuespillere , og en teknisk produktion team , der inkluderer en naturskøn eller scenograf , lysdesigner , kostumedesigner , lyddesigner , regissør , produktionschef og teknisk direktør. Afhængigt af produktionen kan dette team også omfatte en komponist , dramaturg , videodesigner eller kampinstruktør .

Det roterende auditorium i det fri Pyynikki Summer Theatre i Tampere , Finland

Stagecraft er en generisk betegnelse, der refererer til de tekniske aspekter ved teater-, film- og videoproduktion. Det omfatter, men er ikke begrænset til, konstruktion og rigning af sceneri, hængning og fokusering af belysning, design og indkøb af kostumer, makeup, indkøb af rekvisitter, sceneledelse og optagelse og blanding af lyd. Stagecraft adskiller sig fra det bredere paraplybegreb scenografi. Betragtes som et teknisk snarere end et kunstnerisk felt, vedrører det primært den praktiske implementering af en designers kunstneriske vision.

I sin mest grundlæggende form styres scenekunst af en enkelt person (ofte sceneleder for en mindre produktion), der arrangerer alle scenerier, kostumer, belysning og lyd og organiserer rollelisten. På et mere professionelt niveau, for eksempel i moderne Broadway -huse, ledes scenekunst af hundredvis af dygtige tømrere, malere, elektrikere, scenemænd, syere, parykskabere og lignende. Denne moderne iscenesættelsesform er yderst teknisk og specialiseret: den omfatter mange underdiscipliner og en stor skare af historie og tradition. Størstedelen af ​​scenekunst ligger mellem disse to ekstremer. Regionale teatre og større samfundsteatre vil generelt have en teknisk direktør og et supplement af designere, der hver især har en direkte hånd i deres respektive designs.

Underkategorier og organisation

Der er mange moderne teaterbevægelser, der producerer teater på forskellige måder. Teatervirksomheder varierer enormt i sofistikering og formål. Mennesker, der er involveret, varierer fra nybegyndere og hobbyfolk (i fællesskabsteater) til professionelle (i Broadway og lignende produktioner). Teater kan udføres med et lavbudget budget eller i stor stil med budgetter på flere millioner dollars. Denne mangfoldighed manifesterer sig i overflod af teaterunderkategorier, som omfatter:

Repertoriske virksomheder

Theatre Royal, Drury Lane , London, ca. 1821

Mens de fleste moderne teaterselskaber øver et teaterstykke ad gangen, skal du fremføre det stykke for et sæt "løb", trække stykket tilbage og begynde at øve et nyt show, og repertoarvirksomheder øver flere shows ad gangen. Disse virksomheder er i stand til at udføre disse forskellige stykker efter anmodning og udfører ofte værker i årevis, før de går på pension. De fleste dansekompagnier opererer på dette repertoriske system. Det Kongelige Teater i London udfører på et repertoire system.

Repertorieteater involverer generelt en gruppe af lignende gennemførte skuespillere og bygger mere på gruppens ry end på en individuel stjerneskuespiller. Det afhænger også typisk mindre af streng kontrol fra en instruktør og mindre af overholdelse af teaterstævner, da aktører, der har arbejdet sammen i flere produktioner, kan reagere på hinanden uden at stole så meget på konvention eller ekstern retning.

Producere vs. præsentere

Interiør i Teatro Colón , et moderne teater

For at få et teaterstykke på er der brug for både et teaterselskab og et teatersted . Når et teaterselskab er det eneste selskab, der er bosat på et teatersted, kaldes dette teater (og dets tilhørende teaterselskab) for et resident teater eller et producerende teater, fordi stedet producerer sit eget værk. Andre teaterkompagnier samt dansekompagnier, der ikke har deres eget teatersted, optræder på udlejningsteatre eller på præsenterende teatre. Både udlejnings- og præsentationsteatre har ingen fastboende virksomheder. De har dog nogle gange en eller flere deltidsvirksomheder, ud over andre uafhængige partnervirksomheder, der arrangerer at bruge pladsen, når de er tilgængelige. Et lejeteater giver de uafhængige virksomheder mulighed for at opsøge pladsen, mens et præsenterende teater opsøger de uafhængige virksomheder til at støtte deres arbejde ved at præsentere dem på deres scene.

Nogle performancegrupper optræder i ikke-teatrale rum. Sådanne forestillinger kan finde sted ude eller inde, i et ikke-traditionelt forestillingsrum og omfatte gateteater og stedsspecifikt teater . Utraditionelle spillesteder kan bruges til at skabe mere fordybende eller meningsfulde miljøer for publikum. De kan nogle gange modificeres kraftigere end traditionelle teatersteder eller kan rumme forskellige former for udstyr, belysning og sæt.

Et turneselskab er et uafhængigt teater- eller danseselskab, der rejser, ofte internationalt, og bliver præsenteret på et andet teater i hver by.

Fagforeninger

Der er mange teaterforeninger, herunder: Actors 'Equity Association (for skuespillere og sceneledere), Scenedirektørerne og koreograferforeningen (SDC) og International Alliance of Theatrical Stage Staff (IATSE, for designere og teknikere). Mange teatre kræver, at deres personale er medlemmer af disse organisationer.

Se også

Forklarende noter

Citater

Generelle kilder

Yderligere læsning

  • Aston, Elaine og George Savona. 1991. Teater som tegn-system: En semiotik i tekst og performance . London og New York: Routledge. ISBN  978-0-415-04932-0 .
  • Benjamin, Walter . 1928. Oprindelsen af ​​tysk tragisk drama. Trans. John Osborne. London og New York: Verso, 1998. ISBN  1-85984-899-0 .
  • Brown, John Russell. 1997. Hvad er teater ?: En introduktion og udforskning. Boston og Oxford: Focal P. ISBN  978-0-240-80232-9 .
  • Bryant, Jye (2018). Skrivning og iscenesættelse af en ny musical: En håndbog. Kindle Direct Publishing. ISBN  9781730897412 .
  • Carnicke, Sharon Marie. 2000. "Stanislavskys system: veje for skuespilleren". I Hodge (2000, 11–36).
  • Dacre, Kathy og Paul Fryer, red. 2008. Stanislavski på scenen. Sidcup, Kent: Stanislavski Center Rose Bruford College. ISBN  1-903454-01-8 .
  • Deleuze, Gilles og Félix Guattari . 1972. Anti-Œdipus . Trans. Robert Hurley, Mark Seem og Helen R. Lane. London og New York: Continuum, 2004. bind. 1. Nye accenter Ser. London og New York: Methuen. ISBN  0-416-72060-9 .
  • Felski, Rita, red. 2008. Rethinking Tragedy. Baltimore: Johns Hopkins UP. ISBN  0-8018-8740-2 .
  • Harrison, Martin. 1998. Teaterets sprog . London: Routledge. ISBN  978-0878300877 .
  • Hartnoll, Phyllis , red. 1983. The Oxford Companion to the Theatre . 4. udgave Oxford: Oxford UP. ISBN  978-0-19-211546-1 .
  • Hodge, Alison, red. 2000. Skuespilleruddannelse i det tyvende århundrede . London og New York: Routledge. ISBN  978-0-415-19452-5 .
  • Leach, Robert (1989). Vsevolod Meyerhold . Instruktører i serien Perspective. Cambridge: Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-31843-3.
  • Leach, Robert og Victor Borovsky, red. 1999. En historie om russisk teater. Cambridge: Cambridge UP. ISBN  978-0-521-03435-7 .
  • Meyer-Dinkgräfe, Daniel. 2001. Tilgange til at handle: Fortid og nutid. London og New York: Continuum. ISBN  978-0-8264-7879-5 .
  • Meyerhold, Vsevolod . 1991. Meyerhold på Teater . Ed. og trans. Edward Braun. Revideret udgave. London: Methuen. ISBN  978-0-413-38790-5 .
  • Mitter, Shomit. 1992. Repetitionssystemer: Stanislavsky, Brecht, Grotowski og Brook. London og NY: Routledge. ISBN  978-0-415-06784-3 .
  • O'Brien, Nick. 2010. Stanislavski i praksis . London: Routledge. ISBN  978-0-415-56843-2 .
  • Rayner, Alice. 1994. At handle, at gøre, at udføre: Drama og handlingsfænomenologi. Teater: Teori/tekst/performance Ser. Ann Arbor: University of Michigan Press. ISBN  978-0-472-10537-3 .
  • Roach, Joseph R. 1985. Player's Passion: Studies in the Science of Acting . Teater: Teori/tekst/performance Ser. Ann Arbor: U fra Michigan P. ISBN  978-0-472-08244-5 .
  • Speirs, Ronald, trans. 1999. Tragediens fødsel og andre skrifter. Af Friedrich Nietzsche . Ed. Raymond Geuss og Ronald Speirs. Cambridge Texts in the History of Philosophy ser. Cambridge: Cambridge UP. ISBN  0-521-63987-5 .

eksterne links