Japansk skulptur - Japanese sculpture

Tamonten i Tōdai-ji , Wood, Edo periode

Den skulptur af Japan startede fra ler figure.Towards enden af den lange neolitiske Jomon periode , nogle lerkar var "flamme-kantede" med ekstravagante udvidelser til fælgen, som kun kan kaldes skulpturel, og meget stiliserede keramik Dogu tal blev produceret , mange med de karakteristiske "sne-beskyttelsesbriller" øjne. I løbet af Kofun-perioden fra 3. til 6. århundrede e.Kr. blev haniwa- terrakottafigurer af mennesker og dyr i en forenklet stil rejst uden for vigtige grave. Buddhismens ankomst i det 6. århundrede bragte sofistikerede traditioner inden for skulptur, kinesiske stilarter formidlet via Korea. Hōryū-ji fra det 7. århundrede og dets indhold har overlevet mere intakt end ethvert østasiatiske buddhisttempel fra sin dato med værker, herunder en Shaka-treenighed på 623 i bronze, der viser den historiske Buddha flankeret af to bodhisattvaer og også Guardian Kings of the Fire retninger .

Jōchō siges at være en af ​​de største buddhistiske billedhuggere ikke kun i Heian-perioden, men også i historien om buddhistiske statuer i Japan. Jōchō omdefinerede kropsformen af ​​Buddha-statuer ved at perfektionere teknikken "yosegi zukuri" (寄 木造 り), som er en kombination af flere skove. Det fredelige udtryk og den yndefulde figur af Buddha-statuen, som han lavede, afsluttede en japansk skulpturstil af Buddha-statuer kaldet "Jōchō yō" (Jōchō-stil, 定 朝 様) og bestemte stilen med japanske buddhistiske statuer i den senere periode. Hans præstation rejste dramatisk den sociale status for busshi (buddhistisk billedhugger) i Japan.

I Kamakura periode , den Minamoto klanen etablerede Kamakura shogunatet og samurai klassen nærmest regerede Japan for første gang. Jochos efterfølgere, billedhuggere af Kei-skolen for buddhistiske statuer, skabte realistiske og dynamiske statuer, der passer til smagen af ​​samurai, og den japanske buddhistiske skulptur nåede sit højdepunkt. Unkei , Kaikei og Tankei var berømte, og de lavede mange nye Buddha-statuer i mange templer såsom Kofuku-ji , hvor mange Buddha-statuer var gået tabt i krige og brande.

Næsten alle efterfølgende betydningsfulde store skulpturer i Japan var buddhistiske med nogle Shinto- ækvivalenter, og efter at buddhismen faldt i Japan i det 15. århundrede, blev monumental skulptur stort set arkitektonisk dekoration og mindre markant. Imidlertid blev skulpturelt arbejde inden for dekorativ kunst udviklet til et bemærkelsesværdigt niveau af teknisk præstation og forfining i små genstande som inro og netsuke i mange materialer og metal tosogu eller japanske sværdbeslag . I det 19. århundrede var der eksportindustrier af små bronzeskulpturer af ekstrem virtuositet, elfenben og porcelænsfigurer og andre typer små skulpturer, der i stigende grad understreger teknisk præstation.

Historie

Gammel kunst

Dogu eller statuette i den sene Jōmon-periode

Interessen for gammel kunst er at se en bred stigning og spontanitet og søge at producere et lignende kunstværk i deres egne værker. Under alle omstændigheder har eksempler på gammel kunst vist sig at have egenskaber, der er identiske med moderne kunst; og de gamle japanske lerfigurer kendt som dogū (土 偶) og haniwa (埴 輪) er ingen undtagelser fra denne regel.

Ingen lærd har været i stand til at bestemme helt præcist, hvornår mennesker flyttede ind i den japanske øhav. Det var disse tidlige indbyggere, der til sidst udviklede den første japanske indfødte kunst i ru lertøj og i mærkelige lerfigurer kaldet dogu, som sandsynligvis er fetisher af en eller anden religiøs karakter. Nogle kan have været brugt i fertilitetsritualer, og andre i eksorsisme eller andre former for ritualer.

Dogu-figurerne er imponerende i deres udførlige og mystiske symbolik; og der er en følelse af kraft og lidenskab i de stærkt indgraverede linjer og hvirvler, som figurerne er dekoreret med.

Legenden, som registreret i Nihon Shoki (Chronicles of Japan), som er en oldtidshistorie i Japan udarbejdet i 720, siger, at thaniwa blev beordret på tidspunktet for en kejseres død af kejseren, der beklagede skikken hos de afdøde tjenere og tjenestepiger efter deres herre i døden og beordrede, at lerfigurer blev støbt og placeret omkring kofun gravhaugen i stedet for at ofre levende væsener. Forskere tvivler på ægtheden af ​​denne historie og hævder, at almindelige cylindriske lerrør var de første haniwa-former, og at de blev brugt på en måde med stave til at holde jorden på gravhaugen på plads. Senere kom disse almindelige cylindriske haniwaer til at blive dekoreret og antage forskellige former, herunder formerne for huse og husdyr såvel som mennesker. De er fundet arrangeret i en cirkel omkring bunken og giver tillid til forskernes teori. Haniwa-figurerne kom dog uden tvivl til at påtage sig en slags religiøs symbolik senere, bortset fra deres oprindelige praktiske formål som stave.

  • 'Flamme-stil' fartøj, neolitisk jōmon periode ; c. 2750 fvt; fajance med udskåret og anvendt dekoration; højde: 61 cm, diameter: 55,8 cm

  • Dogū med "sne-beskyttelsesbriller" øjne, 1000–400 fvt

  • haniwa figur

Asuka og Hakuhō perioder

Shakyamuni Triad i Horyuji af Tori Busshi

Japansk fremkomst fra hendes periode med indfødte primitive kunst blev tilskyndet hovedsageligt af indførelsen af ​​buddhismen fra det asiatiske kontinent fastland omkring midten af ​​det 6. århundrede. Sammen med den nye religion kom dygtige kunstnere og håndværkere fra Kina til Japan for at bygge sine templer og skulpturelle idoler og viderebringe kunstneriske teknikker til indfødte håndværkere.

De tidligste eksempler på buddhistisk kunst kan ses i akkumuleret pragt i Horyū-ji- templet fra det syvende århundrede i Nara , hvis bygninger i sig selv er anbragt i et foreskrevet mønster med hovedhal, klokketårn, pagoder og andre bygninger, der er indesluttet i en omkranset tagkorridor bevarer en aura fra den antikke æra sammen med de utallige kunstskatte, der er bevaret i deres haller.

Nara og dens nærhed indeholder langt størstedelen af ​​landets skatte fra den tidlige periode med buddhistisk kunst, kendt i kunsthistorien som Asuka-perioden. Skulpturen i denne periode viser, ligesom næsten alle efterfølgende skulpturer, indflydelsen fra den kontinentale kunst. Bemærket Asuka-billedhugger Tori Busshi fulgte stilen med North Wei-skulptur og etablerede det, der er blevet kendt som Tori-skolen for skulptur. Bemærkelsesværdige eksempler på Tori-værker er Sakyamuni-triaden, som er de vigtigste ikoner i Golden Hall of Horyū-ji-templet og Kannon Boddhisatva af Yumedono Hall i samme tempel, også kendt som Guze Kannon.

Nogle af de vigtigste buddhistiske skulpturer tilhører den efterfølgende Hakuho-kunstperiode, da skulpturen overvejende viste Tang- indflydelse. Den mystiske urealistiske luft i den tidligere Tori-stil kom til at blive erstattet af en blød smidig udgørelse og en næsten sanselig skønhed mere på samme måde som Maitreya med lange smalle spalteøjne og blide brændende træk, som på trods af deres ærefrygt har om dem en intim tilgængelighed. Den tidligere Asuka-skulpturs uafhængighed blødgøres til en mere indfødt form; og der skal ses i dem et kompromis mellem det guddommelige og det menneskelige ideal.

Repræsentative skulpturer i denne periode er den smukke Sho Kannon fra Yakushiji- templet og Yumatagae Kannon fra Horyū-ji, der begge viser fyldet med afrundet kød inden for de traditionelle fold af tøjet, hvilket afspejler sig i deres kunstneriske træk ved Gupta- kunsten, der overføres til Japansk gennem Tang.

  • Bodhisattva, Asuka-periode, 7. århundrede. Tokyo National Museum.

  • Shakyamuni Daibutsu Bronze (4,8 meter) er den ældste kendte skulptur af Buddha i Japan støbt af Tori Busshi i 609.

Nara periode

Asura, 733, Kofufu-ji

I 710–793 lærte japanske billedhuggere høj Tang-stil og producerede en stil "Tenpyō-skulptur", der viser realistisk ansigt, massivt solidt volumen, naturlig draperi og delikat repræsentation af stemning. Kejser Shōmu beordrede den kolossale forgyldte bronze Vairocana Buddha i Tōdai-ji- templet og blev færdiggjort i 752. Selv om statuen er blevet ødelagt to gange og repareret, har den mindre originale del overlevet. Blandt mange originale værker er Asura i Kōfukuji-templet attraktivt, hvilket er en tørlakstatue og viser en delikat repræsentation af stemningen. De fire værger i Kaidanin: en opdeling af Tōdai-ji-templet er mesterværk, som er lerstatuer. En national officiel fabrik Zō Tōdai-ji shi ("Kontoret til at bygge Tōdai-ji-templet") producerede mange buddhismeskulpturer ved opdeling af arbejdet for Tōdai-ji og andre officielle templer og templer til nyheder. Forgyldte bronze, tørlak, ler, terracotta, repousee, sten og sølv blev skabt på fabrikken. Generelt er billedhuggerne sekulære og har officiel status og løn. Nogle private atelierer tilbød buddhistiske ikoner til mennesker, og nogle munke lavede det selv.

  • Triade af Yakushi ved Yakushi-ji

  • Jūichimen kannon. 8. århundrede, Shōrin-ji i Nara

  • Senju Kannon fra Fujii-dera i Osaka

  • Stor Buddha af Tōdai-ji i Nara

  • Fuku-kensaku Kannon fra Hokke-do. Todai-ji i Nara

  • Shukongoshin. Todai-ji i Nara

Heian periode

Taishakuten Sakra , 839, TO-ji

Med flytningen af ​​den kejserlige hovedstad fra Nara til Kyoto i 794 flyttede store templer ikke til Kyoto. Regeringen fodrede ny esoterisk buddhisme importeret fra Tang Kina. Den officielle fabrik Zo Tōdai-ji shi　blev lukket i 789. Fyrede billedhuggere arbejdede under protektion af store templer i Nara, nye templer af esoterisk sekte, retten og nyhederne. Billedhuggere fik tempelpræstestatus, uanset om de var medlemmer af ordenen. Træ blev det primære medium. På stilen blev Heian-perioden opdelt i to: den tidlige Heian-periode og den senere. I den tidlige Heian-periode (794 til omkring midten af ​​det 10. århundrede) blomstrede statuer af esoterisk buddhisme. Kūkai , Saichō og andre medlemmer af kejserlige japanske ambassader til Kina importerede den høje til senere Tang-stil. Statuelegemerne blev hugget ud fra enkelte træblokke og ser imponerende, massive og tunge ud sammenlignet med Nara-periodens værker. Deres tykke lemmer og alvorlige næsten brodende ansigtsdrag trænger dem ind med en følelse af mørkt mysterium og inspirerer ærefrygt i betragteren i overensstemmelse med hemmeligholdelsen af ​​esoteriske buddhistiske ritualer. Tungt udskårne forhæng, hvor afrundede folder skifter med skarpt skårne folder er typiske for perioden. Blandt esoteriske buddhisme guder har japansk som Acala produceret enorme Acala- billeder.

I den senere Heian-periode (midten af ​​det 10. århundrede til det 12. århundrede) gav sofistikeret hofkultur og populariteten af ​​Amida Worship anledning til en ny stil: blide, rolige og raffinerede træk med mere svækket andel. Billedhuggere japaniserede ansigter af billeder. Pure Land sect (Amida Worship) leder Genshin og hans arbejde Ōjōyoshu påvirkede mange skulpturer. Mesterværket er Amida Buddha i Byōdō-in i Uji af mesteren Jōchō . Han etablerede en kanon af buddhistisk skulptur. Han blev kaldt eksperten i yosegi zukuri-teknikken: billedhuggerne arbejdede også med flere blokke af træ. Denne teknik tillod mestre atelierproduktion med lærlinger. I skolen oprettede et barnebarn af Jocho et atelier, der arbejdede sammen med den kejserlige domstol i Kyoto. En skole  [ ja ], en disciplin fra Jōchō , etablerede også Sanjyō-Atlier i Kyoto.

Kamakura periode

Muchaku af Unkei , Kōfuku-ji

Denne Kamakura-periode betragtes som "den japanske skulpturs renæssance æra". Kei skoleskulpturer førte denne tendens; de er efterkommere af Jocho . De etablerede en ny stil med buddhistisk skulptur baseret på realisme, der inkorporerede elementer i Tenpyo- stilen fra Nara-perioden samt yosegi-zukuri- teknikken, der blev etableret af Jocho i Heian-perioden. Deres skulpturer er kendetegnet ved skarpe og strenge udtryk, muskuløse og tredimensionelle kroppe og stillinger og tøj, der udtrykker bevægelse, og de har formået at udtrykke deres følelser, tredimensionelle følelser og bevægelser mere end før. Denne realisme afspejlede smagen af samurai , der effektivt havde styret Japan siden Kamakura-perioden og var blevet nye beskyttere af buddhistiske skulpturer. På den anden side genoplivede ler, tørlak, prægning og terracotta skulpturer ikke. De brugte hovedsageligt træ og undertiden bronze.

Kei-skolen slog rod i Nara-byen , som var den tidligere hovedstad (710-793), og arbejdede i store templer i Nara. I Kamakura-perioden rekonstruerede Kyoto-domstolen og Kamakura- militærregeringen store templer brændt i krige i slutningen af ​​det 12. århundrede. Mange skulpturer blev repareret, og mange bygninger blev genopbygget eller repareret. "Renæssancens" karakter afspejles i projektet.

Blandt billedhuggere af Kei-skolen er Unkei den mest berømte. Blandt hans værker er et par kolossale Kongo-rikishi i Tōdai-ji mest berømte, og de portrætlignende statuer af indiske præster i Kōfuku-ji er detaljerede mesterværker. Unkei havde seks billedhuggersønner, og deres arbejde var også gennemsyret af den nye humanisme. Tankei , den ældste søn og en strålende billedhugger, blev leder af studiet. Kōshō, den 4. søn, producerede en bemærkelsesværdig skulptur af den japanske buddhistiske lærer Kuya fra det 10. århundrede (903–972). Kaikei var en samarbejdspartner af Unkei. Han var en troende tilhænger af sektionen om det rene land . Han arbejdede med præsten Chogen (1121–1206), direktøren for Tōdai-ji genopbygningsprojekt. Mange af hans figurer er mere idealiserede end Unkei og hans sønner og er præget af en smukt færdig overflade, rigt dekoreret med pigmenter og guld. Mere end 40 af hans værker har overlevet, hvoraf mange er underskrevet af ham. Hans vigtigste arbejde er Amitabha Triad of Ono Jōdo-ji (1195).

En af de mest fremragende buddhistiske kunst i perioden var statuen af ​​Buddha nedfældet i Sanjūsangen-do bestående af 1032 statuer produceret af billedhuggere af buddhistiske statuer af Kei skolen, i skolen og En skole. Det første hovedbillede Senju Kannon i centrum, det omkringliggende 1001 Senju Kannon, de 28 ledsagere af Senju Kannon, Fūjin og Raijin skaber et højtideligt rum, og alle Buddha-statuer er udpeget som nationale skatte.

Billedhuggere arbejdede også for Kamakura-shogunatet og andre militære klaner. De producerede buddhistiske skulpturer og portrætskulpturer til dem. Den kolossale bronze Amitabha Buddha i Kamakura Kōtoku-in blev fremstillet i 1252. Alle samfundsklasser bidrog med midler til at fremstille denne kolossale bronze. Sådan protektion rejste og undertiden erstattede den tidligere protektion for velhavende og magtfulde mænd.

Muromachi periode og Sengoku periode

Śākyamuni kommer ud af bjergene. 15.-16. Århundrede. Nara National Museum

Buddhistiske skulpturer faldt i mængde og kvalitet. Den nye zenbuddhisme forældede billeder af Buddha. Store templer fra de gamle sekter var deprimerede under borgerkrige. Portrætskulpturer af Zen-mestre blev en ny genre i denne periode. Kunsten at udskære masker til Noh- teatret blomstrede og forbedredes fra det 15. til det 17. århundrede.

  • Senju Kannon, 14. århundrede. Tokyo National Museum

  • Jūichimen Kannon, 14. århundrede. Metropolitan Museum of Art

  • Zao Gongen. 14.-16. århundrede, Metropolitan Museum of Art

  • Noh- maske, 16. århundrede

Edo periode

Skulptur af en pensioneret chonin som en læg-buddhist .
Edo-periode , ca. 1700.

Rekonstruktionen af ​​buddhistiske templer brændt i borgerkrigen krævede billedhuggere. De nye skulpturer blev for det meste konservativt udskåret i træ og forgyldt eller polykromeret. De mangler mest kunstnerisk magt. Imidlertid producerede nogle buddhistiske munkeskulptører umalet, groft hugget billeder af træ. Enkū (1632–1695) og Mokujiki (1718–1810) er repræsentative. De rejste gennem Japan og producerede enorme værker til missionære og ceremonielle formål. Deres arkaiske og åndelige stilarter blev revurderet i det 20. århundrede. Kunsten at udskære masker til Noh fortsatte også med at producere bedre værker i det 17. århundrede.

I Edo-perioden udviklede urbaniseringen sig i forskellige dele af Japan, og byens kultur udviklede sig meget. I denne periode blev inro og netsuke populær som tilbehør til mænd. Netsuke er udførlige udskæringer af træ og elfenben, og hovedsagelig dyr og imaginære væsner var genstand for. Fordi netsuke er lille og let at samle, er der mange samlere selv nu.

I denne periode blev mange skulpturer knyttet til bygningerne i Shinto-helligdomme bygget i Gongen-zukuri- stil.

  • Netsuke af tigress med to unger, midten af ​​det 19. århundrede, elfenben med skalindlæg

  • Sværdbeslag . Tsuba (øverst til venstre) og fuchigashira (øverst til højre) lavet af Ishiguro Masayoshi i det 18. eller 19. århundrede. Kogai (midten) og kozuka (nederst) lavet af Yanagawa Naomasa i det 18. århundrede.

  • Izumiya Tomotada, netsuke i form af en hund, slutningen af ​​det 18. århundrede

  • Seishi Bosatsu (Bodhisattva). 17. eller 18. århundrede. Metropolitan Museum of Art

  • Noh Mask Hannya type. 17. eller 18. århundrede. Tokyo National Museum

  • Kangiin-templet

Meiji til moderne periode

Haneakarutama , drakongen , der tilbyder en tidevandsjuvel til Susano'o . 1881 eller senere, Khalili Collection of Japanese Art

I slutningen af ​​det 19. århundrede overgav Tokugawa-shogunatet kejseren kontrol over Japan , og Japan moderniserede hurtigt og afskaffede samurai- klassen, og japansk tøj begyndte at blive vestliggjort. Som et resultat mistede håndværkere, der lavede japanske sværd , rustninger , netsuke , kiseru , inro og møbler kunder, men med støtte fra den nye regering begyndte de at lave ekstremt detaljerede skulpturer af metal, elfenben og træ, som de derefter eksporterede til USA og Europa. Under epokerne fra Meiji og Taishō skred den japanske skulptur fra produktionen af ​​hengivne genstande til dekorative genstande og til sidst til kunst. Internationale udstillinger bragte japansk støbt bronze til et nyt udenlandsk publikum og tiltrak stærk ros. Den tidligere historie med samurai- våben udstyrede japanske metalarbejdere til at skabe metalliske overflader i en bred vifte af farver. Ved at kombinere og efterbehandle kobber, sølv og guld i forskellige proportioner skabte de specialiserede legeringer, herunder shakudō og shibuichi . Med denne række af legeringer og finish kunne en kunstner give indtryk af dekoration i fuld farve.

Stimuleringen af vestlige kunstformer vendte skulpturen tilbage til den japanske kunstscene og introducerede gipsbesætningen, den udendørs heroiske skulptur og Paris- konceptet skulptur som en "kunstform". Sådanne ideer vedtaget i Japan i slutningen af ​​det 19. århundrede sammen med tilbagevenden af ​​statens protektion, forynget skulptur.

I 1868 forbød den nye regering den traditionelle synkretisme af shinto og buddhisme og beordrede dem til at adskille buddhistiske templer og shinto-helligdomme for at etablere en centraliseret regering af kejseren, som var den øverste præst i Shinto. Som reaktion på denne situation begyndte nogle shintopræster at ødelægge buddhistiske templer. Okakura Tenshin og andre arbejdede hårdt i politiske aktiviteter for at beskytte buddhistisk kunst, og regeringen erklærede, at den ville beskytte buddhismen. Ødelæggelsen stoppede omkring 1874, men mange dyrebare buddhistiske statuer gik tabt.

  • Røgelsesbrænder ( Koro ), sølv dekoreret med ædle metaller og bjergkrystal, 1890

  • Eagle af Suzuki Chokichi, 1892, Tokyo National Museum

  • Twelve Hawks af Suzuki Chokichi, 1893

  • Twelve Hawks af Suzuki Chokichi, 1893

  • Old Monkey Af Takamura Koon , 1893

  • Kurv med blomster lavet af elfenben. omkring 1900 i Khalili-samlingen af ​​japansk kunst

  • Okimono af fisk i vand, omkring 1900 i Khalili-samlingen af ​​japansk kunst

Moderne kunst

Efter 2. verdenskrig vendte billedhuggerne sig væk fra den figurative franske skole Rodin og Maillol mod aggressive moderne og avantgardistiske former og materialer, undertiden i enorm skala. Et væld af materialer og teknikker karakteriserede disse nye eksperimentelle skulpturer, som også absorberede ideerne om international "op" ( optisk illusion ) og "pop" ( populært motiv ) kunst. En række innovative kunstnere var både billedhuggere og malere eller trykere, deres nye teorier skar på tværs af materielle grænser.

I 1970'erne blev ideerne om kontekstuel placering af naturlige genstande af sten, træ, bambus og papir i forhold til mennesker og deres omgivelser legemliggjort i mono-ha- skolen. Mono-ha-kunstnerne understregede materialitet som det vigtigste aspekt af kunsten og sluttede den anti- formalisme, der havde domineret avantgarde i de foregående to årtier. Dette fokus på forholdet mellem objekter og mennesker var allestedsnærværende i hele kunstverdenen og førte til en stigende forståelse af "japanske" kvaliteter i miljøet og en tilbagevenden til indfødte kunstneriske principper og former. Blandt disse forskrifter var en ærbødighed for naturen og forskellige buddhistiske begreber, som blev bragt i spil af arkitekter for at behandle tid og rumproblemer. Vestlig ideologi blev omhyggeligt undersøgt igen, og meget blev afvist, da kunstnere vendte sig til deres eget miljø - både indad og udad - for næring og inspiration. Fra slutningen af ​​1970'erne til slutningen af ​​1980'erne begyndte kunstnerne at skabe en vital ny kunst, som var både moderne og asiatisk i kilder og udtryk, men stadig meget en del af den internationale scene. Disse kunstnere fokuserede på at projicere deres egen individualisme og nationale stilarter snarere end på at tilpasse eller syntetisere vestlige ideer udelukkende.

Udendørs skulptur, der kom frem ved fremkomsten af Hakone Open-Air Museum i 1969, blev meget brugt i 1980'erne. Byer understøttede enorme udendørs skulpturer til parker og pladser, og store arkitekter planlagde at skulpturere i deres bygninger og bylayouts. Friluftsmuseer og udstillinger udgravede og understreger den naturlige placering af skulptur i miljøet. Fordi hård skulptursten ikke er hjemmehørende i Japan, blev de fleste udendørs stykker skabt af rustfrit stål, plast eller aluminium til "spænding og kompression" maskinkonstruktioner af spejlbelagt stål eller til elegante, polerede aluminium, ultramoderne former. Den stærke indflydelse af moderne højteknologi på kunstnerne resulteret i eksperimenter med kinetiske, trækstyrke former, såsom fleksible buer og "Info- miljø " skulpturer ved hjælp af lys. Videokomponenter og videokunst udviklede sig hurtigt fra slutningen af ​​1970'erne gennem 1980'erne. De nye japanske eksperimentelle billedhuggere kunne forstås som at arbejde med buddhistiske ideer om permeabilitet og regenerering i strukturering af deres former i modsætning til den generelle vestlige opfattelse af skulptur som noget med endelige og permanente konturer.

I 1980'erne blev træ og naturlige materialer anvendt fremtrædende af mange billedhuggere, som nu begyndte at placere deres værker i indre gårde og lukkede rum. Også en japansk følelse af rytmisk bevægelse, fanget i tilbagevendende former som en "systematisk gestusbevægelse", blev brugt af både længe etablerede kunstnere som Kyubei Kiyomizu og Hidetoshi Nagasawa og den yngre generation ledet af Shigeo Toya.

Se også

Referencer

  • Japan  Denne artikel indeholder  offentligt tilgængeligt materiale fra Library of Congress Country Studies hjemmeside http://lcweb2.loc.gov/frd/cs/ .
  • Tilnærmelse til japansk kultur , Kokusai Bunka Shinkokai, The Japan Times
  • Earle, Joe (1999). Splendors of Meiji: skatte fra det kejserlige Japan: mesterværker fra Khalili-samlingen . Skt. Petersborg, Fla .: Broughton International Inc. ISBN 1874780137. OCLC  42476594 .

Bemærkninger

  1. ^ Middle Jomon-underperiode arkiveret 2009-05-25 på Wayback Machine , Niigata Prefectural Museum of History, adgang 15. august 2012.
  2. ^ Paine & Soper, 30–31.
  3. ^ Kotobank, Jōchō. Asahi Shimbun .
  4. ^ Kotobank, Kei-skolen. Asahi Shimbun.
  5. ^ Paine & Soper, 121.
  6. ^ Yoshio Kawahara (2002) Hvordan man ser og skelner mellem buddhistiske skulpturer. s.185. Shufunotomo Co., Ltd. ISBN  978-4391126686
  7. ^ Kotobank, Sanjūsangen-do. Asahi Shimbun.
  8. ^ Buddhistiske statuer ved Sanjūsangen-do. Sanjūsangen-do.
  9. ^ Guth, Christine ME (2004). "Takamura Kōun og Takamura Kōtarō: Om at være billedhugger" . I Takeuchi, Melinda (red.). Kunstneren som professionel i Japan . Stanford University Press. s. 152. ISBN 978-0-8047-4355-6.
  10. ^ Earle 1999 , s. 64.
  11. ^ Earle 1999 , s. 66.
  12. ^ Kotobank, Shinbutsu-bunri. Asahi Shimbun.

Yderligere læsning

eksterne links