Klassisk skulptur - Classical sculpture
Klassisk skulptur (normalt med små bogstaver "c") refererer generelt til skulptur fra det antikke Grækenland og det antikke Rom , samt de helleniserede og romaniserede civilisationer under deres styre eller indflydelse, fra omkring 500 f.Kr. til omkring 200 e.Kr. Det kan også mere præcist referere en periode inden for gammel græsk skulptur fra omkring 500 f.Kr. til begyndelsen af den hellenistiske stil omkring 323 f.Kr., i dette tilfælde normalt givet et stort "C". Udtrykket "klassisk" er også meget udbredt om en stilistisk tendens i senere skulptur, ikke begrænset til værker i en nyklassisk eller klassisk stil.
Hovedemnet for den antikke græske skulptur fra de tidligste dage var menneskeskikkelsen, normalt mandlig og nøgen (eller næsten det). Bortset fra hovederne på portrætskulpturer var ligene stærkt idealiserede, men opnåede en hidtil uset grad af naturalisme. Ud over fritstående statuer inkorporerer udtrykket klassisk skulptur reliefarbejde (såsom de berømte Elgin Marbles i Parthenon) og den fladere basrelieffstil . Mens skulpturelle værker understregede den menneskelige form, blev der brugt relieffer til at skabe detaljerede dekorative scener.
Selvom store eller monumentale skulpturer næsten ophørte i den tidlige middelalder og i byzantinsk kunst , genoplivede det meget i den italienske renæssance, da romerske eksempler blev udgravet, og klassisk skulptur forblev en stor indflydelse indtil mindst det 19. århundrede.
Gammel græsk skulptur
Der er flere perioder:
Arkaisk periode
Den vigtigste skulpturelle form i den arkaiske periode var kouros (flertals: kouroi ), den stående mandlige nøgen (Se f.eks. Biton og Kleobis). Spejler egyptisk indflydelse, står kouroerne oprejst med venstre ben lidt fremad og armene ved siderne. Selvom kouroi er fundet i mange gamle græske territorier, var de især fremtrædende i Attica og Boiotia. Overvægten af disse blev fundet i helligdomme i Apollo med mere end hundrede fra helligdommen i Apollo Ptoion, Boeotia, alene. Disse fritstående skulpturer var typisk marmor, men formen er også gengivet i kalksten, træ, bronze, elfenben og terracotta. De er typisk i størrelse, selvom tidlige kolossale eksempler er op til 3 meter høje.
Ærkaiske græske billedhuggere ser ud til at have været stilistisk påvirket af egypterne, selvom der opdagede forskelle tidligt. Især havde de mandlige figurer i det arkaiske Grækenland en tendens til at være repræsenteret i nøgen, mens dette var ualmindeligt i alle perioder med gammel egyptisk kunst (undtagen når slaver eller fjender blev afbildet). Som i egyptisk kunst blev kvindelige emner altid portrætteret klædt; kvindelig nøgenhed ville først dukke op meget senere. De forfulgte og minutiøst vendte læber og det tomme blik, der er identificeret som det "arkaiske smil", vises på mange definerende værker i den arkaiske periode.
I denne periode havde den senere vægt på naturalistisk knogle- og muskelanatomi endnu ikke udviklet sig, hvilket kan ses ved at observere detaljer som knæ og andre kritiske led. Nogle detaljer synes at være "indskårne" snarere end fuldt modellerede, et levn fra mere gamle traditioner. Efterhånden som den arkaiske stil gradvist forvandlede sig til det, der er kendt som den klassiske stil, kan der opdages en klar progression, der viser mere og mere teknisk viden og færdigheder.
Ukendt kunstner: Kouros Anavissos . Det Nationale Arkæologiske Museum i Athen , ca. 530 f.Kr.
Ukendt kunstner: Treasury of Siphnos frise (detalje), Delphi Archaeological Museum , ca. 525 f.Kr.
Tillagt af nogle til Onatas eller hans skole: Faldet trojansk kriger , figur W-VII fra vestfoden af templet Aphaia, Glyptothek , München, ca. 505–500 f.Kr.
Ukendt kunstner: Begravelsesløve fundet ved den hellige port ved Kerameikon. Kerameikos Arkæologiske Museum , Athen, ca. 590–580 f.Kr.
Klassisk periode
Den klassiske periode oplevede ændringer i både skulpturens stil og funktion. Poses blev mere naturalistiske (se Delphis vognmand for et eksempel på overgangen til mere naturalistisk skulptur), og græske billedhuggeres tekniske færdigheder i at skildre den menneskelige form i forskellige stillinger steg stærkt. Fra omkring 500 f.Kr. begyndte statuer at skildre rigtige mennesker. Statuerne af Harmodius og Aristogeiton blev rejst i Athen for at fejre mordet på den sidste Peisistratid -tyran, Hipparchus . De siges at være de første offentlige monumenter, der skildrede faktiske mennesker.
Da græske kunstnere begyndte at studere menneskelig bevægelse og anatomi, opdagede de, at levende mennesker har en tendens til at udvise et "vægtskifte" eller kontraposition, når de står.
Den første græske statue, der udstillede contrapposto, er den berømte Kritios Boy, der dateres omkring 480 f.Kr. Contrapposto blev hurtigt et definerende element i græsk skulpturel teknik, der kulminerede i Polykleitos 'Canon. Canon er et teoretisk værk, der diskuterer ideelle matematiske proportioner for menneskekroppens dele og foreslår en skulptur af menneskeskikkelsen en dynamisk modvægt - mellem de afslappede og spændte kropsdele og mellem de retninger, hvor delene bevæger sig. Polykleitos forsøgte at bevise nøjagtigheden af sine beregninger ved at implementere sine regler i en statue, der bare havde titlen: Canon. Selvom selve statuen er tabt for historien, manifesterer dens principper sig i Doryphoros (" spydbærer "), der adopterede ekstremt dynamisk og sofistikeret kontrapposto i sin tværbalance mellem stive og løse lemmer.
Græske templer blev specielt fremstillet til at passe til de store kultstatuer. De mente, at placering af helligdomme omkring de områder, der siges at være hellige, ville glæde guderne. I løbet af den klassiske periode var billedhuggere ikke kun ved at skabe værker til templer, men også statuer for at vise hyldest til afdøde kære. Skulpturerne ville ofte vise den afdøde person i en afslappet stilling. Succesfulde atleter og rige familier ville bestille statuer af sig selv til templer for at vise guderne respekt. I det 5. århundrede f.Kr. blev portrætter populære og buster med generaler, filosoffer og politiske ledere dukkede op.
Den høje kvalitet af græsk arbejde tiltrak italiensk interesse og havde stor indflydelse på både etruskisk og senere romersk kunst. Den entusiasme, som Rom hilste på græsk kunst, har vist sig at være vigtig ikke kun på grund af overførsel af klassisk græsk stil, men også fordi de fleste af de eksisterende klassiske græske værker hovedsageligt overlever i form af romerske marmor kopier af græske bronzede originaler. Da bronze altid har været et værdifuldt metal, var de fleste originaler sandsynligvis for længst smeltet, og de få ægte overlevelser er for det meste fundet i forbindelse med skibsvrag.
Grækere huggede dog marmor, og en række klassiske græske marmor har overlevet; de berømte Parthenon Marbles (også kendt som Elgin Marbles), varede in situ indtil begyndelsen af det 19. århundrede. Faktisk er mange af de overlevende klassiske græske kugler fra en arkitektonisk kontekst.
Polykleitos : Doryphoros . Cast i Pushkin Museum , Moskva.
Tilskrevet Euphranor : Paris eller Perseus . Atikythera forlis, ca. 340–330 f.Kr. Det Nationale Arkæologiske Museum, Athen.
Phidias 'værksted: Liggende Dionysos , fra Parthenon østfod, ca. 447–433 f.Kr. British Museum
Aphrodite Braschi , gratis kopi (1. århundrede f.Kr.) efter en votivstatue af Praxitele i Cnidus ( Aphrodite af Cnidus -type, ca. 350–340 f.Kr.). Glyptothek, München
Hellenistisk periode
Overgangen fra den klassiske til den hellenistiske periode fandt sted i løbet af det 4. århundrede f.Kr. Skulpturen blev mere og mere naturalistisk. Almindelige mennesker, kvinder, børn, dyr og hjemlige scener blev acceptable emner til skulptur, som blev bestilt af velhavende familier til udsmykning af deres hjem og haver. Realistiske portrætter af mænd og kvinder i alle aldre blev produceret, og billedhuggere følte sig ikke længere forpligtet til at skildre mennesker som idealer om skønhed eller fysisk perfektion. De fleste græske mænd blev skulpturelle stående med hofterne lidt til siden. Når mennesker står på denne måde, bruger det flere muskler.
Tildelt af Plinius den Ældre til Agesander , Athanodoros og Polydoros : Laokoons og hans Sons . Kopi efter en hellenistisk original fra ca. 200 f.Kr. Vatikanmuseerne
Ukendt kunstner: Nike of Samothrace , ca. 220-190 f.Kr. Louvre
Ukendt kunstner: Nereus, Doris, en kæmpe, Oceanus , fra Pergamonalteret (detalje), 2. århundrede f.Kr. Pergamonmuseum , Berlin
Ukendt kunstner: Ludovisi Gallien og hans kone . Romersk kopi efter en hellenistisk original fra et monument bygget af Attalus I af Pergamon efter hans sejr over gallere, ca. 220 f.Kr. Palazzo Altemps , Rom
Romersk skulptur
Studiet af romersk skulptur er kompliceret af dets relation til græsk skulptur . Mange eksempler på selv de mest berømte græske skulpturer, såsom Apollo Belvedere og Barberini Faun , kendes kun fra romerske kejserlige eller hellenistiske "kopier". På et tidspunkt blev denne efterligning taget af kunsthistorikere som en tegn på, at den romerske kunstneriske fantasi var snæver, men i slutningen af det 20. århundrede begyndte den romanske kunst at blive revurderet på sine egne præmisser: nogle indtryk af den græske skulpturs natur kan i Faktisk være baseret på romersk kunst.
Styrkerne ved den romerske skulptur er i portrætter, hvor de var mindre optaget af idealet end grækerne eller de gamle egyptere, og producerede meget karakteristiske værker og i narrative reliefscener. Eksempler på romersk skulptur er bevaret rigeligt, i total kontrast til romersk maleri, som blev praktiseret meget udbredt, men næsten alle er gået tabt. Latin og nogle græske forfattere , især Plinius den Ældre i bog 34 i hans naturhistorie , beskriver statuer, og et par af disse beskrivelser matcher eksisterende værker. Mens en stor del af romersk skulptur, især i sten, overlever mere eller mindre intakt, er den ofte beskadiget eller fragmentarisk; bronzestatuer i naturlig størrelse er meget mere sjældne, da de fleste er blevet genbrugt til deres metal.
De fleste statuer var faktisk langt mere naturtro og ofte farvestrålende, da de oprindeligt blev oprettet; de råstenoverflader, der findes i dag, skyldes, at pigmentet er gået tabt gennem århundrederne.
Portrætter
Portrætter er en dominerende genre af romersk skulptur, der måske vokser fra den traditionelle romerske vægt på familie og forfædre; entreen ( atrium ) til et romersk elitehus viste forfædres portrætbuster . Under den romerske republik blev det betragtet som et tegn på karakter ikke at overskue fysiske ufuldkommenheder og især skildre mænd som barske og ubekymrede forfængelighed: portrættet var et kort over oplevelser. I løbet af den kejserlige æra blev mere idealiserede statuer af romerske kejsere allestedsnærværende, især i forbindelse med statsreligionen i Rom . Gravsten af selv den beskedent rige middelklasse udviser undertiden portrætter af den ellers ukendte afdøde udskåret i relief .
Farve
Gamle statuer og basrelieffer overlever og viser den bare overflade af det materiale, de er fremstillet af, og folk forbinder generelt klassisk kunst med hvid marmorskulptur. Men der er tegn på, at mange statuer blev malet i lyse farver. Det meste af farven blev forvitret over tid. Små rester blev også fjernet under rengøring. I nogle tilfælde var der stadig små spor, som dog kunne identificeres. En rejseudstilling med 20 farvede kopier af græske og romerske værker sammen med 35 originale statuer og relieffer blev afholdt i Europa og USA i løbet af 2007-2008, Gods in Color: Painted Sculpture of Classical Antiquity . Detaljer som f.eks. Om malingen blev påført i et eller to lag, hvor fint pigmenterne blev formalet, eller præcist hvilket bindemiddel der ville have været brugt i hvert tilfælde - alle elementer, der ville påvirke udseendet af et færdigt stykke - er ikke kendt.
Indflydelse
Den græsk-romerske skulptur havde stor indflydelse på vestlig kunst. Med den etablerede den græsk-romerske stil realismens mulighed og potentiale i kunsten. På grund af skulpturens relative holdbarhed er det lykkedes at overleve og fortsat påvirke og informere kunstnere i forskellige kulturer og epoker, fra Europa til Asien og i dag hele verden.
Mens den klassiske kunst gradvist faldt i unåde i Europa efter det vestromerske imperiums fald, viste dens genopdagelse under den tidlige italienske renæssance sig afgørende. En af de vigtigste billedhuggere i den klassiske genoplivning var Donatello . Mange andre billedhuggere som Michelangelo lavede også værker, der kan betragtes som klassiske. Moderne klassicisme stod på mange måder i kontrast til den klassiske skulptur fra 1800-tallet, der var præget af forpligtelser til naturalisme ( Antoine-Louis Barye ) -den melodramatiske ( François Rude ) sentimentalitet ( Jean-Baptiste Carpeaux ) -eller en slags statelig grandiositet ( Lord Leighton ) Flere forskellige retninger i den klassiske tradition blev taget, da århundredet vendte, men studiet af den levende model og traditionen efter renæssancen var stadig grundlæggende for dem.
Se også
Referencer
- Henig, Martin (red, Ch 3, "Sculpture" af Anthony Bonanno), A Handbook of Roman Art , Phaidon, 1983, ISBN 0714822140