Dansens historie -History of dance
Dansens historie er svær at få adgang til, fordi dans ikke ofte efterlader sig tydeligt identificerbare fysiske artefakter, der varer gennem årtusinder, såsom stenredskaber , jagtredskaber eller hulemalerier . Det er ikke muligt med nøjagtig præcision at identificere, hvornår dans blev en del af den menneskelige kultur .
Tidlig dans
Den naturlige impuls til at danse kan have eksisteret hos de tidlige primater, før de udviklede sig til mennesker. Dans har været en vigtig del af ceremoni , ritualer , festligheder og underholdning siden før fødslen af de tidligste menneskelige civilisationer . Arkæologi leverer spor af dans fra forhistorisk tid , såsom den 10.000 år gamle Bhimbetka-klippeskjuler malerier i Indien og egyptiske gravmalerier, der viser dansende figurer fra ca. 3300 f.Kr. Mange nutidige danseformer kan spores tilbage til historiske , traditionelle , ceremonielle og etniske danse fra den antikke periode.
Midler til social kommunikation og binding
Dans kan have været brugt som et værktøj til social interaktion, der fremmede samarbejde, der var afgørende for overlevelse blandt tidlige mennesker. Undersøgelser viste, at nutidens bedste dansere deler to specifikke gener forbundet med en disposition for at være gode sociale kommunikatører.
Udtrykket "kinæstetisk" er også det rigtige udtryk til at hjælpe med at forstå, hvordan dans skaber kommunikation, og det betyder genkendelse af bevægelse af ens egen krop, dette ord er en kombination af to ord (kinein=at bevæge sig, æstese= perception). Og dans i kommunikation er som sprog, du kan forstå, føle, se og høre. Når nogen bruger alle kroppens muskler og følelse i en dans, vil du sende en besked til publikum, eller hvem der så på. Så dansebevægelser og baggrundslyde spiller også en stor rolle. Når der er en gruppeoptræden ved at holde i hænder eller skuldre eller endda danse overfor hinanden, føler de sig kommunikeret og bundet.
Som folkefester
Mange danse fra de tidlige perioder blev udført som et ritual for de guder, som forfædre mente, skulle holdes underholdt for verdensfreden. Dans brugt i mange festligheder og indtil nu. Gennem historien kan vi bemærke, at dans har haft mange anvendelsesmuligheder, såsom også fællesdans, høst og tilbedelse. Danseevolution startede som folkemusik oprindelse til retspræsentationer og nu teater eller endda biograffilm.
I ceremonier og ritualer
Dans kan udføres i religiøse eller shamanistiske ritualer, for eksempel i regndans udført i tørketider. Shamaner, der danser for regn, er nævnt i gamle kinesiske tekster. Dans er et vigtigt aspekt af nogle religiøse ritualer i det gamle Egypten, på samme måde er dans også integreret i mange ceremonier og riter blandt afrikanske mennesker. Rituelle danse kan også udføres i templer og under religiøse festivaler, for eksempel Rasa rituelle danse i Indien (en række indiske klassiske danse kan have deres oprindelse i rituelle danse) og Cham-danse i Tibet.
Som helingsmetode
En anden tidlig brug af dans kan have været som en forløber for ekstatiske trancetilstande i helbredende ritualer. Dans bruges til dette formål af mange kulturer fra den brasilianske regnskov til Kalahari-ørkenen . Middelalderlige europæiske danses macabres mentes at have beskyttet deltagerne mod sygdom; dog førte hysteriet og varigheden af disse danse nogle gange til døden på grund af udmattelse.
Ifølge en singalesisk legende opstod Kandyan-dansene for 2500 år siden fra et magisk danseritual, der brød fortryllelsen på en forhekset konge for at helbrede kongen for en mystisk sygdom.
Som udtryksmetode
En af de tidligste strukturerede anvendelser af danse kan have været i forestillingen og i fortællingen af myter. Det blev også nogle gange brugt til at vise følelser for en af det modsatte køn. Det er også knyttet til oprindelsen af "lovemaking." Før fremstillingen af skriftsprog var dans en af metoderne til at videregive disse historier fra generation til generation.
I europæisk kultur er en af de tidligste optegnelser om dans af Homer , hvis Iliaden beskriver chorea (χορεία khoreia ). De tidlige grækere gjorde kunsten at danse til et system, der udtrykte alle de forskellige lidenskaber. For eksempel ville furiernes dans , således repræsenteret, skabe fuldstændig rædsel blandt dem, der så dem. Den græske filosof, Aristoteles , rangerede dans med poesi og sagde, at visse dansere, med rytme anvendt på gestus, kunne udtrykke manerer, lidenskaber og handlinger. De mest fremtrædende græske billedhuggere studerede dansernes holdning til deres kunst at efterligne lidenskaben.
Kulturelle traditioner
Asien
Indisk klassisk dans
Et tidligt manuskript, der beskriver dans, er Natya Shastra , som er baseret på den moderne fortolkning af klassisk indisk dans (f.eks . Bharathanatyam ).
Under de sidste Mughals og Nawabs af Oudhs regeringstid faldt dansen til status som ' nautch ', en uetisk sanselig ting for kurtisaner.
Senere, der forbinder dans med umoralsk handel og prostitution, forbød britisk styre offentlig opførelse af dans. Mange afviste det. I 1947 vandt Indien sin frihed og skabte til dans en atmosfære, hvor det kunne genvinde sin tidligere herlighed. Klassiske former og regionale distinktioner blev genopdaget, etniske specialiteter blev hædret, og ved at syntetisere dem med de individuelle talenter hos mestrene i linjen og friske innovationer, opstod dans med et nyt ansigt, men med fortidens klassicisme.
I Sri Lanka siger den gamle singalesiske krønike Mahavamsa , at da kong Vijaya landede i Sri Lanka i 543 fvt., hørte han lyde af musik og dans fra en bryllupsceremoni. Oprindelsen af dansene i Sri Lanka dateres tilbage til de oprindelige stammer og til de mytologiske tider med aboriginal yingyang tvillinger og " yakkas " (djævle). De klassiske danse i Sri Lanka (Kandyan-danse) har et højt udviklet system af tala (rytme) og leveret af bækkener kaldet thalampataa.
kinesisk dans
Der er en lang registreret historie om kinesiske danse. Nogle af de danse, der er nævnt i gamle tekster, såsom dans med ærmebevægelser, udføres stadig i dag. Nogle af de tidlige danse var forbundet med shamanistiske ritualer. Folkedanse fra den tidlige periode blev også udviklet til hofdanse. De vigtige danse i den antikke periode var den ceremonielle yayue dateret til Zhou-dynastiet i det første årtusinde f.Kr. Dansekunsten i Kina nåede sit højdepunkt under Tang-dynastiet , en periode hvor dansere fra mange dele af verden også optrådte ved det kejserlige hof. Kinesisk opera blev dog populær under Song- og Yuan-dynastiet, og mange danse blev slået sammen til kinesisk opera. Dansekunsten hos kvinder faldt også fra Song-dynastiet og frem som et resultat af den stigende popularitet af fodbinding , en praksis, der ironisk nok kan stamme fra dans, da en danser pakkede sine fødder ind, så hun kunne danse ballet-mode. De mest kendte af de traditionelle kinesiske danse er dragedansen og løvedansen . Løvedans blev beskrevet i Tang-dynastiet i form, der ligner nutidens dans.
Europa
15.–19. århundrede: fra hofdans til romantikken
Oprindelsen til balletdans kan spores til de italienske renæssancebaner i det 15. århundrede. Dansemestere ville lære adelens trin, og hoffet ville deltage i forestillinger som en form for social underholdning. Denne praksis fortsatte i flere århundreder. I det 17. århundrede nåede hofballetten sit højdepunkt under kong Ludvig XIVs styre .
I det 18. århundrede var balletten migreret fra de franske og italienske kongelige domstole til Paris Opéra under omhyggelig ledelse af komponisten/danseren Jean-Baptiste Lully . Lully søgte at udvikle ballet til mere seriøs kunst. Under hans indflydelse blev ballet forvandlet til en anerkendt kunst, der blev udført af professionelle dansere snarere end hoffolk.
I løbet af det 18. århundrede gik balletten fra en høvisk dans af levende billeder som et skuespil til performancekunst i sig selv. Balletforestillinger udviklede sig omkring en central fortælling og indeholdt en ekspressiv bevægelse, der afslørede relationerne mellem karakterer. Denne dramatiske balletstil blev kendt som ballet d'action . Ballet d'action stræbte efter for første gang at udtrykke menneskelige følelser hentet direkte fra danserne selv. Masker tidligere båret af kunstnere blev fjernet, så følelsesmæssigt indhold kunne udledes af ansigtsudtryk.
Kostumer i løbet af denne tid var meget begrænsende for dansere. Selvom en mere udtryksfuld brug af kroppen blev tilskyndet, var dansernes bevægelser stadig begrænset på grund af tunge materialer og korseterede kjoler. Kostumer dækkede ofte en dansers kropsbygning og gjorde det svært at se kompleks eller indviklet koreografi. Det var først, da koreografen Jean Georges Noverre opfordrede til dansereformer i 1760 med sine Letters on Dancing and Ballets , at kostumer blev mere befordrende. Noverre opfordrede indtrængende til, at kostumer skulle fremstilles ved hjælp af lette stoffer, der bevæger sig flydende med kroppen, som komplementerer en danserfigur. Derudover bar danserne bløde hjemmesko, der passede tæt langs foden. Dette skodesign indgydte selvtillid hos ballerinaen og vovede hende til at danse på tæerne. Naturalistiske kostumer gjorde det muligt for dansere at skubbe grænserne for bevægelse og til sidst rejste sig en pointe .
Romantikkens æra producerede balletter inspireret af fantasi, mystik og de ukendte kulturer på eksotiske steder. Balletter, der fokuserede mere på følelserne, fantasien og de åndelige verdener og indvarslede begyndelsen på ægte pointe-arbejde. Nu, på tæerne, syntes den guddommelige ballerina (legemmet i denne periode af den legendariske ballerina Marie Taglioni ) på magisk vis at skumme overfladen af scenen, et æterisk væsen, der aldrig helt rørte jorden. Det var i denne periode, at ballerinaens opstigende stjerne ganske overskyggede tilstedeværelsen af den stakkels mandlige danser, som i mange tilfælde blev reduceret til status som en bevægende statue, kun til stede for at løfte ballerinaen. Denne triste tilstand blev egentlig kun rettet op af den mandlige balletstjerne Vaslav Nijinskys opståen med Ballets Russes i det tidlige 20. århundrede. Balletten, som vi kender den, havde udviklet sig godt og grundigt på dette tidspunkt, med alle de velkendte konventioner om kostume, koreografisk form, plot, pomp og omstændighed fast på plads. Nijinsky bragte atletik ind i balletten. Selvom hans koreografi på det tidspunkt blev betragtet som kontroversiel, betragtes de nu som en af de første moderne balletter. [1]
Begyndelsen af det 20. århundrede: fra ballet til moderne dans
Siden Ballets Russes begyndte at revolutionere balletten i det tidlige 20. århundrede, har der været fortsatte forsøg på at bryde den klassiske ballets form. I øjeblikket er balletteknikkens kunstneriske omfang (og dens ledsagende musik, jumper og multimedier ) mere altomfattende end nogensinde. Grænserne, der klassificerer et værk af klassisk ballet, bliver konstant strakt, mudret og udvisket, indtil måske er det eneste, der er tilbage i dag, er spor af tekniske idiomer som valgdeltagelse .
Det var under eksplosionen af nytænkning og udforskning i det tidlige 20. århundrede, at dansekunstnere begyndte at værdsætte individets kvaliteter, ritualernes og religionens nødvendigheder, det primitive, det ekspressive og det følelsesmæssige. I denne atmosfære begyndte moderne dans en eksplosion af vækst. Der kom pludselig en ny frihed i, hvad der blev anset for acceptabelt, hvad der blev betragtet som kunst, og hvad folk ville skabe. Mange andre ting blev pludselig værdsat lige så meget som eller ud over ballettens kostumer og tricks.
De fleste af de moderne koreografer og dansere fra det tidlige 20. århundrede så ballet i det mest negative lys. Isadora Duncan syntes, det var grimt, intet andet end meningsløs gymnastik. Martha Graham så det som europæisk og imperialistisk og havde intet at gøre med det moderne amerikanske folk. Merce Cunningham , mens han brugte nogle af grundlaget for balletteknikken i sin undervisning, nærmede sig koreografi og performance fra et helt andet synspunkt sammenlignet med det traditionelle balletiske format.
Det 20. århundrede var i sandhed en periode, hvor man bryder op fra alt, hvad balletten stod for. Det var en tid med hidtil uset kreativ vækst for dansere og koreografer. Det var også en tid med udvidelsen af definitionen af dans. Ballet Russes var et vendepunkt for ballettens fremtid i Vesten og i verden. Samarbejde med genier fra den tid, såsom Coco Chanel, Pablo Picasso og andre. [2] Ballet Russes samlede fantastisk musik, design og dans sammen i en komplet forestilling. [3]
Afrika
Afrikansk dans refererer hovedsageligt til dansestilene i Afrika syd for Sahara , hvoraf mange er baseret på traditionelle rytmer og musiktraditioner i regionen. Moderne afrikanske dansestile er dybt forankret i kultur og tradition. Mange stammer har en rolle udelukkende med det formål at videregive stammens dansetraditioner; danse, der er gået i arv gennem århundrederne, ofte uændrede, med lidt eller ingen plads til improvisation. Hver stamme udviklede sin egen unikke dansestil, der falder i tre kategorier baseret på formål. Den første er religiøs dans, som mange stammer hævder øger fred, sundhed og velstand. Religiøse danse involverede ofte maskerede, der optrådte som både ånderne og dem, der beroligede dem. Religion og spiritualitet infunderede alle dele af det traditionelle afrikanske liv og fortsætter med at påvirke afrikansk dans i dag. Den anden er griotisk og var en type dans, der fortalte en historie. Den er opkaldt efter en griot , som er en betegnelse for en traditionel historiefortæller i Vestafrika. Visse griotiske danse blev kun danset af stammens griot; i dag udfører trupper de samme danse, som engang var eksklusive for griot . Den tredje type er ceremoniel. Disse danse udføres ved ceremonier såsom bryllupper, jubilæer og overgangsritualer. Mange danse havde dog ikke kun ét formål. Snarere var der ofte ét primært formål, der blandede sig i mange sekundære formål. Dans var ofte meget vigtig for opretholdelsen af en herskerstatus i stammesamfundet. Kolonialisme og globalisering har resulteret i udryddelsen af visse stilarter af afrikansk dans. Andre stilarter er blevet blandet sammen eller blandet med dansestile uden for Afrika.
Afrikansk dans i forbindelse med slaveri
Da folk blev taget fra Afrika for at blive solgt som slaver, især fra 1500-tallet, bragte de deres dansestile med sig. Hele kulturer blev importeret til den nye verden, især de områder, hvor slaver fik mere fleksibilitet til at fortsætte deres kulturer, og hvor der var flere afrikanske slaver end europæere eller oprindelige amerikanere, såsom Brasilien . Afrikanske dansestile blev fusioneret med nye kulturelle oplevelser for at danne nye dansestilarter. For eksempel reagerede slaver på deres mestres frygt for højenergiske dansestile med at skifte stepping til at blande. Men i Nordamerika havde slaver ikke så meget frihed til at fortsætte deres kultur og dans. I mange tilfælde har disse danse udviklet sig til moderne dansestile, såsom afrikansk-amerikansk dans og brasiliansk dans . For eksempel udviklede Calenda sig i Brasilien fra stammedans. Calendaen udviklede sig derefter til Cakewalk, som oprindeligt blev danset for at håne plantageejere; det udviklede sig derefter til Charleston . Capoeira var en kampsport, der oprindeligt blev praktiseret i Afrika, som de slavegjorte afrikanere maskerede som en form for dans for ikke at vække mistanke hos plantageejere.
Slutningen af det 20. og begyndelsen af det 21. århundrede
Postmodernisme
Efter eksplosionen af moderne dans i begyndelsen af det 20. århundrede oplevede 1960'erne væksten af postmodernismen . Postmodernismen drejede mod enkelhed, skønheden ved små ting, skønheden i utrænet krop og usofistikeret bevægelse. Det berømte "Nej"-manifest , af Yvonne Rainer , der afviste alle kostumer, historier og ydre pynt til fordel for rå og upolerede bevægelser var måske det yderste af denne tankebølge. Det varede dog ikke længe, før kulisser, indretning og chokværdi igen kom ind i moderne koreografers ordforråd.
Samtidsdans vs. ballet
I 1980'erne var dansen kommet fuld cirkel, og moderne dans (eller på dette tidspunkt " moderne dans ") var tydeligvis stadig et yderst teknisk og politisk redskab for mange udøvere. Eksisterende sammen med klassisk ballet levede de to kunstformer nu fredeligt ved siden af hinanden med lidt af rivalisering og antipati fra tidligere epoker. I en smart designet kommentar til denne igangværende rivalisering blev det strålende samarbejde mellem Twyla Tharp (en af det 20. århundredes banebrydende danseavantgardist/moderne) og balletdans i sidste ende opnået. Den nuværende tid ser os stadig i den meget konkurrenceprægede kunstneriske atmosfære, hvor koreografer konkurrerer om at producere det mest chokerende værk; dog er der stadig glimt af skønhed at få, og meget utrolig dans i en tid, hvor danseteknikken har udviklet sig længere i ekspertise, styrke og fleksibilitet end nogensinde før i historien.
Streetdance/Hip-hop dans
Samtidig oplevede massekulturen ekspansion af streetdance . I 1973 udførte den berømte gruppe Jackson 5 på tv en dans kaldet Robot (koreograferet af den postmoderne kunstner Michael Jackson ), en danseform dyrket i Richmond, CA. Denne begivenhed og senere Soul Train- optrædener af sorte dansere (såsom Don Cambell) antændte på en måde en gadekulturrevolution. B-boying i New York, Locking in LA, Popping i Fresno, Californien, Boogaloo i Oakland, Californien, Robot i Richmond, Californien, alle havde deres egne kreative eksplosioner sket omkring slutningen af 60'erne - 70'erne. Hver med deres egen historie, praksis, innovatører og grundlag.
For fremkomsten af det 20. århundredes moderne dans se også: Mary Wigman , Gret Palucca , Harald Kreutzberg , Yvonne Georgi og Isadora Duncan .
Hiphop-dansen startede, da Clive Campbell, alias Kool DJ Herc og hiphop-faderen, kom til New York fra Jamaica i 1967. Med kimen til reggae fra sit hjemland, er han krediteret for at være den første DJ, der brugte to pladespillere og identiske kopier af den samme plade for at skabe hans jams. Men det var hans forlængelse af pauserne i disse sange – den musikalske sektion, hvor de perkussive beats var mest aggressive – der gjorde det muligt for ham at skabe og navngive en kultur af break-drenge og break-piger, der lagde den ned, når pauserne kom. Kort benævnt b-drenge og b-piger grundlagde disse dansere breakdancing , som nu er en hjørnesten i hiphop-dansen.
Se også
Referencer
Yderligere læsning
- Adshead-Lansdale, J. (red.) (1994). Dansehistorie: En introduktion . Routledge. ISBN 0-415-09030-X .
- Charman, S. Kraus, R, G. Chapman, S. og Dixon-Stowall, B. (1990). Dansens historie i kunst og uddannelse . Pearson uddannelse. ISBN 0-13-389362-6 .
- Dils, A. (2001). Bevægende historie/dansekulturer: En dansehistorielæser . Wesleyan University Press. ISBN 0-8195-6413-3 .
- Wallace, Carol McD.; et al. (1986). Dans: en meget social historie . New York: Metropolitan Museum of Art. ISBN 9780870994869.
- Træ, Melusine (1952). Nogle historiske danse fra det tolvte til det nittende århundrede; deres måde at optræde på og deres plads i datidens sociale liv , London: Imperial Society of Teachers of Dancing.